DISCOS AL OÍDO *
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Oído; en IndyRock web
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ENLACES
Local qua4tro La gravedad de
Júpiter Audiomatic 2012
Senior i El Cor Brutal -Valencia,
Califòrnia- Malatesta Records 2013
Riverside “Shrine of new generation
slaves” InsoudOut Music. 2012
Patricia Moon.
'Oxytocin' (Dulcimer song / Emi Music - octubre 2012)
Blindfall “All for nothing”Awá
Records. 2012
Jero Romero, Cabeza de León
Octubre, 2011
La Phaze “Psalms and
Revolution” (Because Music 2011)
Roger Miret and The Disasters“Gotta get
up now” People Like You Records. 2011
Igloo "Infinito 3’ - Ernie
Producciones – LP 2011
Duran Duran – All you need is
now 2010
Duffy - Enlessly 2010
Ellos - Cardiopatía Severa
2010
Kings of Leon- “Come around
sundown” 2010
Cuchillo Duat Limbo
Starr 2010
Margarita - Explota el cuerpo 2010
El Gueto con Botas -
Flor de Frontera
2010
Hurts - Happiness 2010
Rufus-T “Going Bananas”. Happy Place
Records 2010
The Wonder Years The Upsides.
.Hopeless records. No Sleep records. 2010
Whitechapel “Experimental Deaths”.
Happy Place Records 2010
Manic Street Preachers-
Postcards from a young man 2010
Toundra: ‘II’ (Aloud Music, 2010)
Korn - III Remember who you are 2010
Nothink: ‘Hidden State’ (Aloud
Music, 2010)
The Arcade Fire - The
Suburbs 2010
Honky Tonky Sánchez. “Esta tierra
hostil”
Thulium - "Lanthanides" Rock
nórdico en UK
Nadadora - “Luz, oscuridad, luz” /
Ernie Records. 2010.
‘Blacanova’ (Foehn Records, 2010)
L’Avalanche: ‘L’Avalanche’ (A
New Label, 2010)
The city’s last noise - Secret of an
innocent 2010
Diecinueve Diecinueve, EP
Autoproducción, 2010
Galactus: ‘Agallas’ (Lespoliosis
Records, 2010)
The Dandy Warhols - The best
of the capitol years 1995 - 2007
Rosendo - A veces cuesta llegar al
estribillo 2010
The Morning Benders - Big
Echo 2010
Oasis - Time Flies (2004-2009)
Maria Rodés: Una Forma De Hablar,
2010, BCore
Lightspeed Champion - Life is
sweet! Nice to meet you 2010
Hola a Todo el Mundo
HATEM Hatem Prayer Team, 2010
Lori Meyers - Cuando el
destino nos alcance 2010
Hole – Nobody’s Daughter, 2010, The
Island Def Jam Music Group
Eli Paperboy Reed -
“Come and get it”
Junior Mackenzie –
Songs From The Top Of A Mountain, 2010, Autoproducido
Niños Mutantes – Las Noches De
Insomnio, 2010, Ernie Records
Foals – Total Life Forever
2010
Kike Suárez&La Desbandada
Carta Blanca DFX Records 2010
Stereotipos 200 Buitres 2010
Top Models Wall of fame
Bip bip Records-Rock On 2010
Susana Cáncer El
baile de los días La ecléctica madrileña 2010
Challenger - Ümelsion (BCore/Carnús
Records, 2010)
Magnética Maida
Vale Artilugio Records 2010
Colin Clyne Doricana Starving Dog
Records 2010
Barbo Matagigantes (2009, sin
contrato discográfico)
Los Planetas - “Una ópera egipcia”
Why Go – DC 2010 Estoescasa
«El gran blanco» - The Baltic Sea –
2010 Cuac! Música
Ningoonies – CD Autoproducción –
Creative Commons 2010
Delafé y las flores azules - vs.
Las trompetas de la muerte
Gonjasufi “A Sufi And A Killer” 2010
Four Ways - Twisted Times 2010
The Bite, «In My Town» - CD 2010 – Bib
Bip Records
Standstill - “Adelante
Bonaparte” Buena Suerte 2010
Amparo Sánchez
Tucson-Habana Pias 2010
Elkano Browning Cream Elkano
Browning Cream 2 Mamusik 2010
Maga - A la hora del sol 2010
Link
Elektrocaution Mckenzie Muzik 2010
Las Culebras Marvellous
Helldorado 2010
Supersubmarina -
Electroviral 2010
Paco Cifuentes La vida
aparte 2010
Echo & the Bunnymen - The Fountain
2009
Charades - Revolución Solar
Babylon Rockets
Conspiracity
Daddy Longlegs Daddy
Longlegs Happy place Records 2009
Krilin When the time comes there
will be no time Autoproducido
Briatore A way of
life Bip bip records 2009
No Frosth Déjame entrar
FloryNata Records 2010
Malacara Manual para los
lunes 2009
Synerghia- Synerghia (2009)
Ana Lógica
Apueste su vida Ráfagas 2009
Pájaro Jack ¿Gismo
7? 2009
Mujeres Mujeres Sones 2009
Perseverance Eternal Flame
(2009)
Twisted Nails We Are
Animals Kcleta Studios 2009
Wild Beasts - Two Dancers 2009
Aqua Nebula Oscillator “Under the Moon
of…”
Kiss - Sonic Boom 2009
Wolfmother - Cosmic Egg
2009
Lovely Luna
Chang&Eng Autoproducido 2009
The Phenomenal Handclap Band The
Phenomenal Handclap Band Lovemonk Records 2009
Happy Kiss.Bang
2009
Los Fulanos y la mengana Band
Parte de Cero 2009
Che Sudaka
Tudo é Possible Cavernícola Records 2009
Julian Casablancas - Phrazes for
the young 2009
The Editors - In this light and on
this evening
The Last 3 Lines Crows, 2009,
Aloud Music
Tokyo Sex Destruction:
The Neighbourhood, 2009, BCore Disc
Chris Garneau - El Radio 2009
Blue Roses - Blue Roses 2009
Camping The Remains of
Industry Pupilo Records 2009
Gogol Bordello Live from
axis mundi SideOneDummy Records 2009
Cinco Duros Doce Cortes 2009
Brett Anderson Slow
Attack Edel Records 2009
Brand New
Daisy DGC Records 2009
Pearl Jam Back
Spacer Universal Records 2009
Richard Hawley - Truelove’s
Gutter 2009
Sonido Vegetal Sonido
Vegetal 5000 Records 2009
Manolo Tarancón
Imperfectos Comboi Records 2009
Jet - Aha Shaka Rock 2009
Pen Cap Chew Pen
Cap Chew Autoeditado 2009
Muse - The Resistance 2009
Brand New Sinclairs Ten Blue
Pills Bip Bip Records 2009
BlueChild No Verás
Demasiado Producciones 2009
Garret Wall Band Hands&Imperfections
Monde Green Records 2009
The Chelsea Smiles – The Chelsea
Smiles 2009
Soap & Skin – “Lovetune for Vacuum”
2009
Decadent Daughters
“Greetings from the Gutter” 2009
Viktimas del Jäus
Viktimas del Jäus DFX Records 2009
Ivan Julian&Capsula The
Naked Flame Bloody Hotsak 2009
Galadriel Calibrated Collision
Course Musea Records 2009
Zutaten ZTTN
Microsurco Records 2009
Los Planetas – Principios básicos de
astronomía 2009
Psycho Loosers – Las chicas que
me destrozaron el corazón 2009
The Answer – Everyday
Demons 2009
Blur – Midlife: a beginner’s guide to
Blur 2009
Roy Loney&Señor No
Got me a hot one Bloody Hostak 2009
Blacanova Madre.ep
Beladrone Records 2009
There For Tomorrow A little
faster Hopeless Records 2009
Marilyn Manson The High
End Of Love Interscope Records 2009
Los Seis Días
Lunes Pupilo Records 2009
Placebo – Battle for the Sun 2009
Still Flyin’ – Never Gonna touch the
ground 2009
Green Day – 21st Century
Breakdown 2009
Presidio Presidio
2009
Manic Street Preachers
– Journal for plague lovers 2009
Dan Auerbach – Keep it Hid 2009
Pulsar Música para A
nimales Tábano Records 2009
Propagandhi - Supporting
Caste - Hasslerecords 2009
Mi Animal Sotto
Voce Records Label 2009
Gastmans Nouvelles
du grand possible Dfe 2009
Bowerbirds – “Hymns for a dark
horse” 2009
La bien querida “Romancero”2009
Kasabian West Ryder
Pauper Lunatic Sony 2009
Igloo La
transición de fase Ernie Records 2009
Eh! 36 de 48 Bcore
Records 2009
Alex Ferreira
Páginas Warner Music 2009
Speak Low Hands up
Lovemonk 2009
Fabio & Glitter Klinik – “Bye bye
supersonic” 2009
Luis Ramiro Dramas y
Caballeros Relocos Records 2009
Idealipsticks Radio
Days Rock on Music2009
Supersubmarina Supersubmarina
Sony Music 2009
Ben Lee The Rebirth of
Venus New West Recordx 2009
Noise Box Locked up in a Human
Body Sunnday Records 2009
Hatcham Social “You dig the tunnel
I’ll hide the soil” 2009
PJ Harvey&John Parish A woman
A man walk by Universal Island Records 2009
White Lies To Lose My
Life Polydor 2009
Anarbor Free Your Mind
Hopeless Records 2009
Fleet Foxes: los Ángeles
inquietantes del folk made in USA
Carlos SilesCuántas
veces habré intentado que juegues conmigo Flor y Nata Records2009
Fake Problems It´s Great to
be Alive SideOneDummy Records 2009
Fangoria “Absolutamente” 2009
Overdry El Último Camino
Santo Grial Records 2009
The Drones
Havilah Mushroom Music 2008
Alis “Cuando el sol
nos de calambre" 2009
Los Coronas “El Baile
Final” (Bitersweet 2009)
Macaco“Puerto presente” EMI 2009
Jean Paul: Palabras mayores Por
José Ignacio Lapido
Jean Paul Breve
Historia Universal Barthevy Records 2009
XKrude Del Último día Black
Bunker Records 2009
Mando Diao, “Give me fire”
Eskorzo Paraísos
Artificiales 2009
PAL Error de
Fábrica Limbo Starr 2009
Nestor Mir y las Potencias del Este La
Nuit Subatomique Malatesta Records 2009
The Handsome Family Honey
Moon Houston Party 2009
The Chimestry Set
Alchemy*101 Skittelebrau 2009
Los Flojos - «A Estas Alturas» - CD
2009 Locomotive
Mist Mist Astro
2009
Slowlee Cojo Aire Animal
Crackers Records 2009
Pájaro Sunrise
Done/Undone Lovemonk 2009
Póg Mo Thón Oztopo
Guztien Gainetik Babel Msk 2009
Zapata
Zapata Autoproducción 2009
The Nines '9
O'clock'
Captan Obvio
Dos Mil Locos Un Otoño
Más Village Green Records 2008
Eric Fuentes: Bahía Paraiso,
2009, Hang the Dj!
Backflip: Dead Man In Barcelona,
2009, Hang the Dj!
Steve Wilson
Insurgentes Kscope 2009
Carlos Ann y Mariona Aupí
Santa N Títere Records 2008
The Gambas Alegría
Social Maldito Records 2009
Hoey &The Mussels A Daemon
Dozen Labatelkueyo Records 2009
COMENTARIOS
Local qua4tro La gravedad de
Júpiter -Audiomatic 2012
por
Javier Verdión Castro
Tras un lento y arduo discurrir por salas y garitos, con varias
maquetas y EPs autoproducidos a sus espaldas (que, por cierto,
puedes
descargar
aquí), después de algunos años de ilusión artística amenazada,
como casi siempre en este país, por los sinsabores discográficos,
por fin Local qua4tro irrumpe en el panorama estatal con un señor
disco, La gravedad de Júpiter. Se trata esta vez de un largo
producido junto a J.M. Rosillo (La Buena Vida, Amaral, The Sunday
Drivers, Cooper...) donde voz, música y textos alcanzan la comunión
perfecta. Porque el pop emotivo y galáctico que realizan estos cinco
amigos sólo e sposible con una voz y unos coros memorables, un buen
bajo, una batería sobresaliente, unos teclados necesarios y unas
guitarras cuyos solos (especialmente con el quetermina el álbum) no
te dejarán indiferente.Tampoco unas letras muy especiales que hablan
de la necesidad vital, de sucesos cotidianos y relaciones
personales, pero también de experiencias emocionales varias, de la
nostalgia y la melancolía… Cobra especial protagonismo el tema
universal del desamor, tratado a veces con desenfado e ironía, otras
con profundidad y desgarro; es el caso de “Hoy”, un anterior tema de
la banda del que se incluye aquí una nueva versión con la cual, a mi
modo de ver, el texto pierde fuerza. Con todo, uno de los mejores
temas de esta entrega junto a “I must” o “La playa de los muertos”.
Sin embargo, comoya se ha dicho, no hay nada que desmerezca esta
obra no tan primera. Solo por eso y porque los autores han
perseverado demasidado para poder ofrecértela deberías acariciar
este pedazo de Júpiter que ha tomado tierra.Siéntelo y disfruta.
http://www.localqua4tro.com/
Senior i El Cor Brutal -Valencia,
Califòrnia- Malatesta Records 2013
Crítica por
Rafa Carazo.
La obra de teatro “Transición” del Centro Dramático Nacional es de
lo mejor que ha pasado esta temporada por el Teatro Maria Guerrero
de Madrid y seguramente por gran parte del territorio peninsular, ya
que ha girado por el mismo. La misma encuentra su punto más
brillante y grotesco en la recuperación de “Al vent” de Raimon,
canción que no solo situaba a Valencia en levante sino que ponía al
valenciano en la liza de esas otras lenguas oficiales.
El binomio individuo y sociedad, persona y Estado, configura una de
las ecuaciones fundamentales del ser humano, uno de su temas
recurrentes. De ahí el interés por la política en general que
muestran muchos de nuestros músicos y en particular por un periodo
como el actual en el que toda la sociedad está en continua
efervescencia, en una transformación política, individual y
cultural.
La música pop de nuestro país no se caracteriza por volar alto en el
discurso de las ideas, lo hace más en el de los sentimientos. Y
precisamente es la humanización sentimental del debate político la
que hace que sea ahora otro valenciano, Miquel Ángel Landete, el que
ponga fin a la atendencia, desde la izquierda por supuesto (viento
de poniente). Ya lo hizo con su artículo reivindicativo en Rockdelux
y lo hace ahora, siendo consecuente, con su banda Senior i El Cor
Brutal en un disco que deja la exuberancia del rock eléctrico por
una obra intimista, más propia de un cantautor comprometido. Ya el
arranque sorprende, con “La bomba de plaer” con una voz más nasal
que parece fruto de la influencia de Refree.
Haciendo uso de su carácter terrenal, de poeta apegado a la vida y a
los problemas de su tiempo, Landete ejerce de intelectual
comprometido, usando su principal arma, la palabra, para sublevarse
contra los atropellos del presente. Un río que desemboca en las
lagunas de la memoria colectiva e individual.
Musicalmente uno no puede más que rendirse a este disco manso en la
forma y salvaje en el fondo, a la armónica de “Flor de maig”, al
piano de “El somni s´ha acabat” (single oculto e inspirador) y a la
omnipresente guitarra acústica.
El álbum incluye una versión ampliada de “El dia de Tots Sants” de
la banda de Alcoi, Arthur Caravan, rebautizada como “El dia dels
covards”.
Valencia se proyecta al mundo con California como Estrella Polar y
con Marx en el diario de bitácora.
Riverside
“Shrine of new generation slaves” InsoudOut Music. 2012
por
Juan Pablo García - "JuanPi" - IndyRock
Los polacos siguen su dulce camino dentro del Rock Progresivo con
esta quinta entrega con ocho piezas de auténtica ingeniería musical.
Se destaca la alternancia de temas más contundentes con otros de
cadencia más suave, dejando a un lado la vertiente más metalera y
adoptando la tendencia de rock progresivo puro y duro, como está
ocurriendo con otras bandas del ramo (véase Opeth, por ejemplo). A
destacar son el tercer corte y single de presentación “Celebrity
touch” con esa reminiscencia pinkfloidiana, la delicadísima “We got
used to us” y las interconectadas “Feel like falling” y “Coda”.
También el solo de saxo en “Deprived (Irretrievably lost
imagination)” resulta cautivador a la vez que exótico. Una pieza
maestra para ir abriendo boca mientras esperamos su comparecencia en
nuestro país, que esperemos non se retrase demasiado.
Blindfall “All for nothing”Awá
Records. 2012
Por
JuanPablo Garcia -JuanPi- IndyRock
Sin nada que demostrar y con un sello discográfico que les respalde,
estos granadinos nos ofrecen un trabajo distinto pero a la vez lleno
de calidad y con una producción en alza, y es que tanto ellos como
el ingeniero de sonido Manuel Torreglosa han entrado en esta ocasión
en dichos menesteres junto con François Maigret, nuevamente en los
estudios "Sala de Máquinas" (Lorca). Dejando a un lado los ramalazos
metaleros y la potencia vocal, en este disco, el rock y las armonías
vocales pasan a un patente primer plano de manera absolutamente
brillante en casi toda su duración.
Con respecto a los temas, destacar la tripleta
"Welcome"-"Alive"-"R.I.P.", donde se puede resumir la esencia de
este trabajo, "Destination us" le da el punto de dulzura al disco y
"WWW" (con la colaboración de Mart de Estirpe a las voces) es el
tema más "durito" y acelerado de la entrega, estupenda
elección para terminar.
"All for nothing" supone un paso más hacia delante en la trayectoria
de esta banda granadina que espero que siga en esa progresión
ascendente por muchos años.
Jero Romero, Cabeza de León Octubre,
2011
Formas de ser y estar por Cristina Consuegra
Hay momentos que se nos antojan irrepetibles, incluso
trascendentales. Momentos que se transforman en recuerdos, en esa
amalgama que llamamos memoria y que nos construye y auxilia cuando
parece que todo se desvanece. Cabeza de León (2011), álbum debut de
Jero Romero, el que fuera la voz de ese grupo que forma parte de la
memoria musical de nuestro país, The Sunday Drivers, tiene mucho de
conciliador, del que ha observado con calma y silencio, del que ha
sabido recuperar fronteras y aparecer en el momento adecuado. Porque
en Cabeza de León Jero nos ha regalado doce formas de ser y estar
con uno mismo, con lo que acontece o lo que nos ha tocado vivir;
doce canciones de corte intimista, doce melodías que se apoyan en la
voz como motor de la emoción y en letras tan rotundas como
cotidianas.
Creo que todos tuvimos el mismo miedo cuando frente a nosotros se
transformó en realidad este primer trabajo en solitario, ¿cómo
sonará Jero en castellano? Sin embargo, el miedo se disipó tras las
primeras palabras pronunciadas, «Estaba obsesionada con el fin de la
pasión, sabe de memoria con que gesto terminó…», y se transformó en
sonrisa con vocación de eterna ante el tracklist de Cabeza de León;
la experiencia sonora fue deliciosa, ese primer contacto,
irrepetible y fascinante, con Cabeza de León sugiere multitud de
interpretaciones y estados. Desde la primera canción, “Correcto”,
hasta “El as”, el álbum se debate entre una miscelánea de estilos
que transporta al espectador sonoro a territorios ya explorados pero
con otro traje, con otra intención.
Cabeza de León ha sido producido por Jero Romero y el gran Charlie
Bautista, y financiado íntegramente a través del Crowdfunding. Está
disponible en la página Web del artista.
Roger Miret and The Disasters “Gotta get
up now” People Like You Records. 2011
por
JuanPi García - IndyRock
4º largo de la banda paralela de este veterano del hardcore
neoyorkino con la que se divierte mientras no se encuentra ocupado
con su banda matriz Agnostic Front. Tras nueve años de existencia,
los Disasters siguen realizando ese punkrock de vieja escuela con
toda la honestidad que les caracteriza.
Producido por Johnny Rioux, Roger Miret y sus chicos nos entregan
trece himnos de auténtico punkrock combativo, y que mejor comienzo
que el tema que abre el LP “Stand up and fight”, toda una
declaración de intenciones. También otros temas como “Faded”, “Gotta
get up now”, en la que coquetean con el Reggae, “Outcast youth” o la
final “City soldiers”, te tienen todo el disco sin parar de menearte
a su son.
“Gotta get up now” es un disco ideal para echarte a la calle con los
colegas para pasártelo en grande y pegarte unos bailes. Y es que el
sentimiento de hermandad es otro de los factores que emanan de cada
tema de este trabajo
Duffy - Enlessly 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
Puede que una de las pocas virtudes de la portada del nuevo disco de
Duffy (una foto de la artista tan aséptica y neutra que bordea el
feísmo) sea que, indudablemente, sirve muy bien como anticipo de la
música que el oyente se va a encontrar en su interior.
Parece que la galesa y el gran Albert Hammond, con el que firma
conjuntamente todo el álbum, han querido hacer una obra que sirva
para agradar a la mayor cantidad de público posible. ¿El principal
problema de intentar gustar a todo el mundo? Pues que es fácil que
por muchos estilos que uno toque, y de ahí la referencia a la
portada del primer párrafo, todo acabe sonando tan impersonal y
estándar como el hilo musical de un hotel. Probablemente “Rockferry”
ya adolecía de este defecto, pero tenía a su favor un hit infalible
como “Mercy” y un momento de auténtica y genuina emoción como
“Warwick Avenue”. Calificativos como “la versión buena de Amy
Winehouse” o “la nueva Dusty Springfield”, en pleno apogeo del
revival soul, supusieron el empujón definitivo para que el debut de
la de Cardiff arrasara en las listas de medio mundo.
Consciente de que los vientos en 2010 soplan en otra dirección, en
“Endlessly” hay casi de todo menos, paradójicamente, soul. En este
sentido, el segundo disco de la artista se mueve entre baladas tan
ampulosas y aburridas como las del mismísimo Phil Collins y temas
más bailables, a medio camino entre Blondie y la música disco
setentera más inofensiva, que podrían haber funcionado bastante bien
sino fuera por el omnipresente vibrato que Duffy se empeña en meter
en todas partes. Este exceso de gorgoritos da a su nuevo álbum, de
hecho, un tono general de lo más cargante. Si a ese defecto se le
une, además, el que entre las once canciones de “Endlessly” no hay
ninguna con el potencial de “Mercy”, es fácil intuir que éste no va
a funcionar, al menos a nivel de ventas, tan bien como
“Rockferry”.
Cuchillo Duat Limbo
Starr 2010
por
Diego Soto-IndyRock
Profundo, denso y excitante. Pueden ser algunos de los adjetivos con
los que describir el nuevo EP de Cuchillo, “Duat” (Limbo Starr,
2010). Un trabajo nominado por ellos como un álbum en si mismo
corporizado por tres penetrantes piezas en las que se mezclan
el oscurantismo krautrockiano de Popol Vuh con el lozano rock
progresivo de Robert Wyatt. Siniestras composiciones que también
acogen pinceladas del folk más experimental así como del
post-rock conceptual de Migala. Continúan por la senda desértica,
árida, tomada en el primer y homónimo trabajo con el que iniciaban
un periplo que no parece tener fin. Su aperturista visión sobre la
nivelación del género en el que se sienten dientes afilados, el prog
rock, les permite experimentar con una extensa gama de tonalidades
con las que colorear la más desolada de las estepas. Media hora de
psicodelia introspectiva y oscura. Obra con sabor mitológico y
esencia chamánica en la que vuelven a poner de manifiesto su gusto
por los elementos naturales, ofreciéndose como guías del mejor viaje
lisérgico posible. En esta nueva aventura han contado con la
experiencia en las mezclas de Alfonso G.Ródenas y la masterización a
cargo de John Gastwirt (Neil Young, Paul MaCartney). Sin duda, una
nueva fantasía en un universo onírico infinito. ¿Serán sus próximos
cortes sangrantes? Por lo pronto, los de este limbo resultan cuanto
menos hirientes.
Margarita - Explota el cuerpo 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
Lejos de querer disimularlo, Margarita parecen gritar a viva voz
desde los primeros compases de “Crudo y crema”, canción que abre su
segundo disco, que son cien por cien producto de su tiempo.
Su pop, ciertamente pegadizo, es de ese saltarín, trotón y rítmico
que tantas bandas practican en la actualidad. O, por decirlo de otro
modo, los madrileños provienen de esa escuela que parece construir
sus canciones a base de cortes frenéticos en los que los
instrumentos van todos a una y de armonías vocales que son una
versión bastarda, juguetona y con un punto de euforia de los Beach
Boys. Ese uso de los coros, de los cortes y el que se hayan pasado
del todo al castellano hace que los madrileños parezcan, bastante a
menudo, una versión con voces masculinas de Charades, banda con la
que por cierto comparten sello. Para rizar el rizo de lo actual, en
“Explota el cuerpo” hay incluidos bastantes riffs y guitarreos que
entroncan directamente con ese tropicalismo light y hecho en
occidente que, a fuerza de ser explotado en el pop de hoy, bordea ya
lo manido.
¿El resultado de esta mezcla de ingredientes? Un disco tan breve,
adictivo y lleno de canciones estupendas (“Luces de colores
potentes” es de lo mejor del lote) como intrascendente y poco o nada
original en su propuesta.
Hurts - Happiness 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
A punto han estado Hurts, chicos listos ellos, de convertirse en la
banda más grande del mundo antes de haber publicado siquiera un
primer disco. Si para algo sirve el ejemplo de este duo de synth pop
es para constatar una vez más que una buena campaña, y más en un
panorama como el actual donde vender discos ya no es ni de lejos lo
más vital, puede llegar a ser bastante más importante que la propia
música que una banda pueda ofrecer.
A este respecto, nada se le puede reprochar a la estrategia llevada
a cabo por lo mancunianos en el ultimo año, que ha sido brillante:
dos singles portentosos capaces de romper las pistas de baile,
“Wonderful life” y “Better than love”, que iban acompañados de dos
videoclips con una estética tan cuidada y elegante como la de los
propios miembros del grupo (cuya vestimenta y peinado es siempre
impecable); entrevistas puntuales a medios especializados y alguna
noticia que fuera creando expectación…
Lo cierto es que tantas ganas y curiosidad había de ver lo que Hurts
daban de sí en un disco completo que, tras haber escuchado por fin
su ópera prima, “Happiness” se puede calificar, sin miedo a resultar
exagerado, de decepción mayúscula. Sólo un trallazo como “Sunday”,
canción que deberían elegir como tercer single sí o sí, está a la
altura de lo que habíamos escuchado de ellos. Inesperadamente, el
resto del álbum se desinfla, y se hace largo, entre baladas y medios
tiempos que dejan indiferente y que tienen un punto épico que en más
de un momento incluso llega a recordar a One Republic. Sobra decir
que asemejarse a los americanos no es una noticia demasiado
buena.
Probablemente el dúo no mienta cuando reconoce en las entrevistas
que grupos como Depeche Mode, OMD o Pet Shop Boys han sido sus
principales influencias. Lo que es indudable es que todavía les
queda mucho para poder compararse a cualquiera de sus referentes.
Whitechapel “Experimental Deaths”.
Happy Place Records 2010
por
Ana M. Badía - IndyRock
Quizás lo más difícil de conseguir es lo que define a este dúo,
Javier Cantudo (guitarras, baterías y bajo) y Pablo (voz) ofrecen
canciones bellas. “Experimental Deaths” se presenta bajo una
estética expresionista: blanco y negro, terror y marionetas, y nos
deja un disco auténtico. Su pop-folk funciona conjugando la acústica
de sus guitarras con el marcaje de la batería y la tranquila a la
vez que melódica voz de Pablo.
Desde luego, los chicos de Whitechapel saben lo que hacen y sobre
todo, lo que quieren hacer. Así observan la realidad y nos la
ofrecen despacio, envolviéndola en una atmósfera acústica con toques
sicodélicos que ponen de manifiesto sus, más que grandes,
referencias: Pink Floyd, Nick Drake, The Byrds…, Gracias a su gran
colección de discos son capaces de crear auténtica magia para más
tarde despertarnos del profundo sueño al que nos han sometido.
“To Kill the Inner Child”, primer corte del disco, ya nos lleva al
clímax acústico, para devolvernos en el segundo tema al pop más puro
con “North State New York Girls”.
“Busy hands are happy hands” y “I love your cowlick” las siguen con
títulos que se presentan como una auténtica declaración de
intenciones.
En definitiva, Whitechapel “experimenta con la muerte” y nos deja un
disco que convence desde la primera canción. Un auténtico placer
para sus oídos, por favor, no se lo pierda.
The
Wonder Years The Upsides. .Hopeless records. No Sleep records.
2010
por
Ana M. Badía - IndyRock
El último disco de ‘The Wonder Years’ está hecho para bailar.
Cambios de ritmo, mayor presencia de la guitarra, más refinada y
melódica y de la batería, dura y alegre durante los 40 minutos de
grabación. Estos chicos de Filadelfia no echan de menos a su
teclista Mikey Nelly, que se fue del grupo antes de la grabación del
álbum. Ahora la composición es más dinámica en lugar de averías y
teclados innecesarios. La incorporación de altos coros es otro
acierto de la banda que aporta así color a sus letras, letras más
personales que nunca.
Las palabras de este disco versan sobre la soledad de una gira de
conciertos y como todo se adapta a lo que se lleva en la mochila
(“Everything i own fits in this backpack”), de los años pasados,
aquellos que seguramente fueron maravillosos o nos hicieron fuertes
y ayudaron a mantenernos a pesar de los malos tiempos (“Washington
Square Park”), o a la crítica social.
"Logan Circle" y "Melrose Diner" son memorables por su energía y
magia. "Dynamite Pala" es una canción contra la intolerancia, y con
“Hey Thanks”, nos dejan una de las mejores composiciones del disco.
El ukelele, junto al trombón y los coros de Rachel Minton de la
banda ‘Zolof the Rock and Roll Destroyer’ forman una canción
redonda.
Desde su creación, ‘The Wonder Years’ han ido mejorando en cada
versión, y en The Upsides crean un disco para que no estés triste
nunca más.
Rufus-T
“Going Bananas”. Happy Place Records 2010
por
Ana M. Badía - IndyRock
Blanco, negro y amarillo. Rufus-T inspira su portada en la estética
pop de Andy Warhol para ofrecernos un disco muy indy en el que se
permiten mezclar sonidos que recuerdan a las composiciones de
finales de los 60, principios de los 70.
El cordobés Álvaro Muñoz (Tarik y la Fábrica de Colores, Yacentes),
se presenta ahora como Rufus-T y nos ofrece nueve cortes en los que
conjuga de maravilla melodías pop con una contundencia rockera sin
perder de vista a los que fueron grandes cuatro décadas atrás.
Este no es un disco uniforme, sino que sus melodías varían conforme
pasamos de canción. Así podemos disfrutar de una gran balada como
“Mandy”, la historia de una ex novia, y la frescura de “Happy Fran”
o de “Andalussian”, versión de el himno de Andalucía marcado
por unos nerviosos sonidos de guitarra, que no dejarán a nadie
indiferente.
La psicodelia también funciona en este álbum que no recurre al
estribillo pegadizo, sino que aúna diversos estilos para configurar
uno propio. Rufus-T, un hombre que no copia, sino que reinventa.
Toundra: ‘II’ (Aloud Music, 2010)
por
Armando Marín Ruiz -IndyRock
El silencio; el silencio brama como un estruendo en mi mente, como
un zumbido amplificado que se apodera de mi espacio sináptico. Todo
está en aparente calma, no obstante me veo abocado a un estado de
turbación que perturba mi armonía. He perdido la noción de tiempo
alguno; afligido, busco refugio en lo remoto de una época donde la
esperanza aún seguía prisionera en aquel irrompible ánfora, que
Pandora no dudó en destapar, colmando de desgracias a la humanidad.
Ahora siento que su cautiverio perdurará por toda la eternidad.
¿Existe salvación para el género humano? El desánimo se adueña de
mis sentidos; incontables son los días, desde que todo dio comienzo,
haciendo mella en el espíritu de un modo cruento en su parsimonia.
Cuánta razón tenía Samuel P. Huntington en su artículo; ahora lo
sabemos, y puede que ya resulte irremediable.
La soledad, única compañera de viaje en esta distópica travesía. A
mi alrededor, la desolación de un apocalíptico paraje cuya radical
senda, conducirá a la liberación de la psique a través de la
destrucción del ego. Tibetana liturgia que me hace recordar lo
armónico del sonido de un tambura ‘Tchod’, cuya mística esencia
evoca lo exótico de tiempos mejores, marcando un iniciático sendero
para aquellos dispuestos a trascender en sus musicales limitaciones.
Atrás quedó ese kilométrico carrusel de matices emocionales desde el
Poniente arábigo ‘Magreb’, causante de aquel plácido gozo negador de
fronterizos prejuicios sonoros, cuyos límites quedasen superados en
pos de toda atmósfera surgida del prefijo ‘Post’. Un circunstancial
imaginario instrumental cuya continuidad en los crescendos melódicos
y la cadencia en sus aires progresivos, llegan a evocar paisajes
sonoros que tal vez, pudieron ver nacer al gran Freddie Mercury,
‘Zanzíbar’; quizás, obnubilarnos con los bucólicos paseos de la
emperatriz Sissi por sus orillas, mientras surgía el imperio
austrohúngaro, ‘Danubio / Danube’; quien sabe si la ecualizada
complejidad es capaz de rebasar los confines de lo técnico, a través
de un espectro sensorial rebosante de simbolismo, ampliando los
horizontes de lo íntimo de una civilización surgida en el estrecho
del Bósforo, ‘Bizancio / Byzantium’. Un sonido afilado y desafiante,
intenso y fibroso, visceral y árido, dotado de un conceptual
lenguaje, propio y único, cuyos arpegios denotan lo extático de un
estado en dinámica alerta.
El dramatismo de mi odisea bajo una tormenta musical perfecta,
confluye en una subrepticia espiral de emotiva distorsión, cuya
talentosa deconstrucción revivirá la reminiscencia de una inocencia
interrumpida, como si de una ilustración de Chelsea Greene Lewyta se
tratase. Energías renovadas alimentan mi inquebrantable alma,
provocando una sensación de inmortalidad tras quedar liberada de su
corpórea prisión, ‘Koschéi’; llegó la hora de enfrentarse a nuestros
demonios interiores, capaces de corromper las mentes de una
maltrecha sociedad por culpa de sus pecados, ‘Völand’. Con fervor me
aferro a la vida, dispuesto a luchar por mi supervivencia, preparado
para salir victorioso.
Honky Tonky Sánchez. “Esta tierra hostil”
Por
Miguel Ángel Alejo / IndyRock
Estamos ante “el Leonard Cohen en castellano”, incluidas su voz
ronca, las bases rítmicas sencillas y esas letras profundas con
tendencia al pesimismo (“Me quedará con esta tierra hostil / harta
de vino y pan / y viviré hasta que me trague a mí / dame por siempre
la paz”). Eso es lo que encontramos en este CD ópera prima de Honky
Tonky Sánchez, ‘Esta tierra Hostil’.
Los arreglos de los once temas que componen el CD, están grabados
desde el fondo de la taberna, rodeado de amigos y unas jarras de
cerveza ya medio vacías. Por supuesto, no falta la densa atmósfera
del humo del tabaco. Como resultado, ideado para escuchar en la
soledad de la habitación, para recrearse varias veces, para
descubrir esos matices en el juego especial de las seis cuerdas de
la guitarra con la voz.
Honky Tonky Sánchez se atreve en uno de los temas, Lucky Man, con el
idioma de Shakespeare además de ser un gospel con 12 minutos de
duración. A destacar también el tema que cierra el disco, el blues
‘Perros de lluvia’.
Tras Honky Tonky Sánchez se “esconde” Carlos Sánchez, que ya
conocíamos por su militancia en Mercromina y Gonzo.
Thulium
- "Lanthanides" Rock nórdico en UK
Por
Merche S. Calle / IndyRock
Extraña mezcla de culturas se reunen en Thullium, la banda afincada
en UK con miembros de dos continentes, Canada, Francia, Hungria y UK
que aportan el necesario mestizaje con un denominador común, el
rock. Aires clásicos junto a aromas provenientes de las frías
atmosferas centroeuropeas, cargadas de gran riqueza instrumental,
voces evocadoras de paisajes e historias llenas de misterio y con
finales inciertos.'Tierras raras', como el elemento químico que han
elegido para su nombre, el Tulio, escaso y raro en la naturaleza y
con inquietantes propiedades, sin olvidar que su número atómico es
el 69. Perfecto para los amantes del metal nórdico.
Thullium es una banda que atrae por su riqueza vocal especialmente
reflejada en los crescendos. Tienen un excelente trabajo para el que
han contacto con ingenieros y masterizadores de Judas Priest, Steve
Vai, e Yngwie Malmsteen, bajo la producción de AKmusic &
Universal Music. Thulium es una sopresa en el panorama del rock
británico, demasiado cargado de convencionalismos marcados por la
industria.
Nadadora - “Luz, oscuridad, luz” /
Ernie Records. 2010.
Por
Ana M. Badía / IndyRock
Casi sin hacer ruido este grupo gallego ha ido “nadando” hasta
conseguir un hueco en el difícil panorama del Pop español, mundillo
que cada vez se limita más a reconocer las cuestionadas bondades de
los que algún día fueron grandes y ahora dejan mucho que desear.
Nadadora sorprende con su música llena de sentimientos encontrados,
que en momentos recuerda a su paisanos 'Los Piratas'. Una banda de
contrastes, de un profundo claroscuro remarcado al pasar de pista y
cambiar de voz. Sara Atán y Gonzalo Abolo (las voces de Nadadora)
saben imprimir nostalgia y esperanza a cada uno de sus temas.
El disco se abre con los trazos de júbilo de “1987”. Luego llega “El
sueño ardiendo” y el desapego se cuestiona en voz alta. “Sara dice”
y “Siempre” nos muestran la parte más íntima del grupo soportada
entre acordes de guitarra, para pasar a “Deshazte de mi” donde la
distancia es la que marca el ritmo. “Una nueva vida” muestra lo que
somos capaces de hacer y ser por amor. El disco se llena así de
canciones en las que prima la nostalgia, el recuerdo, el miedo, el
deseo, las heridas o la lejanía.
El quinteto gallego con tres discos a sus espaldas: “Aventuras
dentro de cajas” (2004), “Todo el frío del Mundo” (2005),
“Hablaremos del Miedo” (2007), ha sabido crear una obra llena de
sensibilidad en la que instrumentos como la batería o la guitarra
destacan por su gran presencia. Un disco capaz de mostrarnos que la
melancolía es menos dura si se baila. Un disco cuidado
extremadamente en los detalles y con un repertorio en el que cada
pieza admite variadas lecturas.
En definitiva Nadadora es auténtico Pop sin tapujos que te engancha
desde el primer acorde de guitarra y la primera frase de la melosa
voz de Sara: “Me decías que podría pasar”. Y ha pasado, Nadadora ha
llegado y esperemos que se quede por mucho tiempo. 'Luz, oscuridad,
luz' es el cuarto trabajo de la banda gallega, un trabajo lleno de
sensibilidad, que merece la pena escuchar.
‘Blacanova’ (Foehn Records, 2010)
por
Armando Marín Ruiz - IndyRock
Hace tiempo que la claridad levita latente en un apocado ambiente,
carente de sentido, y alejado cada vez más de cualquier mundana
latitud, donde con lentitud se consume toda condición humana, como
aquel cigarro cuyo humo expande su exponencial nebulosa de desidias
y sinrazones. Mientras, la oscuridad no cesa en el empeño de
hilvanar esa laberíntica tela de existencial zozobra, que subyuga
toda esperanza “como un eterno plano secuencia”, que nos recuerda la
necesidad de guardar “silencio, porque se gasta la voz” y no existe
material que repare sus cuerdas, ni artilugio que afine con
inteligibilidad.
Inmerso en un particular imaginario cuya narrativa trasciende las
leyes de lo estético y respalda una teratológica doctrina, me he
permitido el lujo de realizar esta extravagante y apocalíptica
introducción, de remarcada connotación catastrofista y tremendista,
como punto de partida tras la pretensión de conectar de un modo
literario, un incesante bombardeo de turbadores paisajes sonoros,
donde el amor, la sátira y el sufrimiento, se conjugan en pos de una
distorsionada perspectiva de la vida. Todo un carrusel de cotidianos
despropósitos seminales de lo absurdo, lo grotesco e incluso lo
surrealista, conformando un fantasmagórico collage, angustioso para
las entrañas y opresor de un corazón que reclama las justas
oportunidades de felicidad, para toda alma perdida. Y aunque algunos
piensen que tal condición, carente de inspiración es una utopía al
alcance de los elegidos, debería otorgarse como un derecho
humanitario y no como un escaso bien, artículo de lujo en los
tiempos que nos ha tocado presenciar.
Llegó la hora de reivindicar el salto de calidad por parte del
sexteto sevillano Blacanova que, gracias a su homónimo trabajo de
debut, tras tres autoeditados EPs (Monja, 2007; Perro, 2008; Madre,
2009) de bellísima factura y escalofriante temática (marca de la
casa), han sido capaces de seducir con notorios argumentos, a todo
aquel que osara adentrarse en ese fantástico universo de gran carga
emocional, donde el horror es capaz de transferir atisbos de
ilusión. Y, gracias al sello barcelonés Foehn Records, que ha sabido
apostar por su potencial, el mercado discográfico cuenta con un
álbum que difunde optimismo, al dotar de perpetuidad a los buenos
valores del rock oscuro ochentero, el pop atmosférico británico y
aquel shoegaze de los noventa, que tal mezcolanza de sensaciones
generó en más de un empedernido melómano. Un estimulante ejercicio
de contrapuntos sensoriales, fruto de la sinergia instrumental y
vocal, donde el susurro adquirirá un desgarrador protagonismo. Y si
no tienen muy claro a lo que pretendo referirme, no tendrán más que
escuchar ‘Serie B’, ‘Los Buenos Días’ (mi tema predilecto), ‘La Piel
Dura’ o ‘Desgracia’ para salir de toda duda infundada.
C’mon, C’mon, ladies and gentlemen. Welcome to the Freakshow!
The city’s last noise - Secret of an
innocent 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
Hay bandas que invierten un gran esfuerzo en intentar borrar las
huellas de la música que les ha influido cuando se enfrentan a una
grabación, a menudo debido a un afán tal vez excesivo por demostrar
que su obra es original y personal. Éste no es el caso de los
catalanes “The city’s last noise”, que ya desde el estribillo de la
primera canción del disco, “Fifteen Autumns”, muestran muy a las
claras por los derroteros por los que va a ir “Secret of an
innocent”.
El quinteto práctica una suerte de pop-rock con cierto aire
experimental y casi sinfónico que recuerda a Radiohead y, sobre
todo, a Muse. El que hayan recurrido al inglés para las letras,
además de ser un acierto en un grupo de corte tan británico, hace
que la semejanza con estas bandas sea aún mayor. Y es que escuchando
temas como el ya mencionado “Fifteen Autumns”, “Bones” o “Beautiful
Remains” se tienen pocas dudas de que a The city’s last noise les
hubiera encantado firmar obras como “Ok Computer”, “Black holes and
revelations” o “Absolution”. ¿Se acerca “Secret of an innocent” al
nivel de genialidad de estos tres álbumes? A pesar de ser un disco
con momentos notables, no. Si así fuera estaríamos hablando de algo
realmente grande y más tratándose de una ópera prima.
The city’s last noise son, de momento, un grupo con un vocalista con
mucho oficio pero que viene de una escuela que está un poco manida
(la de Jeff Buckley, Thom Yorke, Matthew Bellamy…) y que cuenta con
unos instrumentistas bastante solventes pero a los que le falta algo
de fuerza en los momentos en los que intentan sonar épicos y
grandilocuentes. De todos modos, el que “Secret of an innocent” sea
un debut hace intuir que, a pesar de sus defectos, nos encontramos
ante un banda con gran potencial.
Diecinueve Diecinueve, EP
Autoproducción, 2010
por
Juan Gallardo - IndyRock
Los almerienses DIECINUEVE sorprenden con sus elaboradas e
inspiradas canciones, a pesar de no parecer darse demasiada
importancia a sí mismos al imponerse etiquetas tal vez demasiado
limitantes como la de indie o incluso el sello más ambiguo de la
música contemporánea: "pop"
DIECINUEVE son mucho más, y no voy a perder el tiempo reseñando sus
obvias influencias. Transmiten emoción en estado puro, canciones
como "Canción Invernal para el Invierno" te llegan a la primera y
luego crecen escucha tras escucha, estremecen y te dejan espacio
para que las asumas e integres en tus propias experiencias.
Con una producción a medio camino entre lo aceptable y lo plenamente
satisfactorio, su primer EP se beneficia de su escasa duración, solo
5 canciones sin fisuras ni puntos débiles en las que combinan con
maestría atmósferas etéreas en ocasiones, asfixiantes en otras, con
melodías quebradizas, voces y coros mágicamente armonizados,
progresiones suaves y estribillos que se resisten a abandonar tu
mente. Sin caer en el barroquismo típico del rock progresivo,
han sabido convertir cada canción en un viaje con múltiples
destinos. Mención especial a la creatividad que demuestran en las
harmonías vocales, matizando cada línea y evitando la excesiva
repetición, se nota que son canciones que tienen ya una
trayectoria. 5 joyas que logran lo máximo que se le puede pedir a
una tarjeta de presentación : dejarte con ganas de más.
DIECINUEVE me sugieren una enorme interrogante porque podrían acabar
siendo enormes si siguen siendo fieles no ya a esta u a otra
tendencia , si no a sí mismos. Ellos marcarán sus límites creativos,
en ese momento y con las cartas echadas habrá que ver si reciben la
respuesta del público que sin duda se merecen.
No dejes de escuchar su primer EP en myspace:
http://www.myspace.com/diecinuevespace
Galactus: ‘Agallas’ (Lespoliosis
Records, 2010)
por
Armando Marín Ruiz - IndyRock
La profecía se ha cumplido; aquella que sostenía que algún día se
compensaría al Universo Sonoro, por todo ese daño suscitado por la
tiranía de radiofórmulas obcecadas en propuestas tildadas POP, de
redundante inmediatez al procurar conectar con un público ávido de
facilones estribillos y renovados pretextos de borrachera,
volatilizadas en su pertinente resaca. Los primigenios de citado
universo anhelábamos la existencia de una formación cósmica, cuya
armoniosa fuerza fuera esencial para la existencia de un equilibrio
melódico, basado en una sensatez compositiva donde el cuidado por
los detalles, la honestidad en su cotidianeidad lírica y su
interesante frescura en la revisión de un genuino rock&roll,
conformasen una filosofía argumental de valores indies, alejados de
aquel maléfico agujero negro, teletransportador a la dimensión
mainstream. Para audaz empresa, Galactus dispone de ‘Agallas’, un
poderoso artefacto capaz de anular de la línea espacio-temporal
cualquier sonido, haciendo que éste nunca haya existido del mismo
modo, siempre en clave de Pop-Rock, aderezado con matices de
Power-Pop y destellos de Americana, dotando de atemporalidad la
búsqueda de la melodía perfecta, con la que recabar la mayor
cantidad de heraldos, que se sumen a la inquietante pugna por la
supervivencia de la música con carácter de autenticidad.
Tras Galactus se oculta la innegable valentía de cuatro fantásticos,
Uri Borràs (guitarra y voz), Buski (bajo), Juan Pablo Caja
(guitarra) y David Arés (batería y voz), cuyo centro de operaciones
se enmarca en el barcelonés barrio de Gràcia y desde el cual, con
pasión y dedicación promueven luchar contra el devenir de la
extinción musical, en esta cada vez más inescrutable y ardua senda
del territorio sonoro, en el que cualquier altavoz con el que dar a
conocer su proyecto, bienvenido será, ya sea a través de las redes
sociales, la blogosfera, los medios de comunicación o la más que
necesaria vía del directo. Sus influencias parecen claras: The Who a
Wilco, pasando por The Beatles, Buffalo Springfield, Teenage
Fanclub, Tom Petty, Steve Earle… Entre muchos otros.
Desde su portada, una penetrante mirada rebosante de experiencia, se
encierran once cortes ocultos tras el rostro de la madurez que
incita a una comedida reflexión, y se ampara en lo ordinario de
mensajes tan sugerentes como: la dificultad en la toma de
trascendentales decisiones “Agallas”; el irrefutable paso del tiempo
“El tiempo nunca va hacia atrás”, prisioneros de costumbres “Ya no
tengo edad”; la universalidad en el significado de la soledad fruto
del desamor “Nada de ti”, “Galactus song”; nostálgicas
reminiscencias del ayer “Cuatro colores” o la pretensión de corregir
los defectos personales, anhelando tal vez, ser mejores personas
“Señor arquitecto”. Hacer una pequeña mención a su particular
lectura en la revisión del clásico de Neil Young, “Burned”. En
definitiva, un excelente viaje de ida, sin retorno a la misma
condición existencial.
http://www.myspace.com/therealgalactus
The Morning Benders - Big
Echo 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
Cuando a un gran oficio para componer canciones con gancho se unen
el bagaje musical suficiente como para coger bastantes trucos a los
grandes del pop y el contar en las labores de producción con uno de
los miembros de un grupo que marca tendencia es muy fácil que el
resultado acabe siendo bueno.
Los norteamericanos han mezclado con sabiduría todos estos elementos
en su segundo disco: saben como hacer una melodía de pop redonda; le
han tomado prestado al genial Brian Wilson de los Beach Boys todo su
talento para componer armonías vocales y, por último, han contado
con Chris Taylor, bajista de Grizzly Bears, como productor. Este
último ha aportado atmósferas y arreglos que no hubieran desentonado
en el genial “Veckatimest”, último disco de su banda madre publicado
en 2009.
El resultado es “Big Echo”, un disco muy notable y una obra compacta
a pesar de intercalar momentos de pop soleado y desenfadado con
otros bastante más oscuros y psicodélicos. Tal vez con un poco más
de riesgo y algún hit inapelable como “Two Weeks” (canción que
ayudó a que los ya mencionados Grizzly Bears se convirtieran en la
banda casi mayoritaria que son hoy en día) estaríamos hablando de
una obra maestra. De momento, son sólo una muy buena banda, que no
es poco.
Maria Rodés: Una Forma De Hablar,
2010, BCore
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Un lienzo de belleza musical es el que nos presenta en este nuevo
proyecto, con nombre propio, la artista catalana. Tras su anterior
proyecto, ONÍRIC, la cantante regresa a cara descubierta dotando a
su nueva etapa de una mayor personalidad. Y, a modo de tarjeta de
presentación, un disco intimista de 11 canciones escritas
íntegramente por ella; 11 historias de narración musicada cuya
interpretación adquiere tonalidades de un susurro prolongado que se
inicia con ‘Desorden’ y que no se silencia hasta ‘Escondite’, tema
que cierra el disco.
Como compañero de viaje dentro de tan interesante viaje folk, María
recurre a la asociación de Ricky Falkner (STANDSTILL), quien no solo
se conforma con ser pareja musical, sino que comparte las tareas de
producción con la artista. Del ingenio de ambos, y de las buenas
maneras del resto de músicos, surge un álbum rico en matices
pausados que invita a la calma y a la reflexión, mientras historias
sencillas se sumergen en mares de pentagramas calmados. Pese a que
por momentos la voz puede recordarnos a Christina Rosenvinge, las
composiciones siguen la estela de Rodrigo Leao. Un buen disco ideal
para cavilar en soledad o disfrutar en compañía.
Lightspeed Champion - Life is sweet!
Nice to meet you 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
A priori, no hay nada malo en que un artista a un grupo intenten que
su obra sea más o menos variada. Un músico como Devonte Hynes,
nombre que se esconde detrás de “Lightspeed Champion”, debe pensar,
de hecho, que ser heterogéneo no sólo no es un defecto sino que es
una gran virtud. De este modo, en “Life is sweet! nice to meet you”
podemos encontrar prácticamente de todo: folk norteamericano, pop de
corte acústico con ukelele, temas con un punto épico casi a lo
Arcade Fire, glam rock de juguete, unas cuantas piezas
instrumentales de menos de dos minutos y tono ambiental… La
producción y los arreglos, bastante correctos, consiguen dar cierta
unidad a un disco que, tocando tantos palos, podría haber resultado
totalmente caótico y descompesado.
Desafortunadamente, eclecticismo no es sinónimo de excelencia, y lo
cierto es que el segundo disco del exmiembro de Test-icicles deja
con un regusto a intento fallido. ¿Por qué? Pues principalmente
porque la sensación de medianía y de “ni fu ni fa” sobrevuela casi
todo el minutaje del álbum. Visto lo visto, tal vez hubiera sido más
recomendable que Haynes se hubiera centrado en hacer sólo un estilo,
pero en hacerlo realmente bien.
Hola a Todo el Mundo
HATEM Hatem Prayer Team, 2010
por
Diego Soto-IndyRock
Fresco, vitalista y festivo. El homónimo debut de los madrileños
Hola a todo el mundo, “HATEM” (Hatem Prayer Team, 2010), supone una
apasionante aventura por los entresijos del humanismo poético de
Walt Whitman (de uno de sus poemas nace el nombre de la formación),
así como una peregrinación mística, espiritual, al templo del folk
moderno de poso primigenio. Referencias literarias de erudita
lectura e innumerables combinaciones instrumentales, como mixtura de
un trabajo altamente cualificado, de elaboración minuciosa, tallado
con manos de relojero. Nueve diamantes de ineludible luminosidad,
cuyas vibraciones evocan a una fuerza chamánica. Una ofrenda al Dios
del positivismo corporizada por una familia inquebrantable de
guitarras, violines, banjos, xilófono, ukelele, acordeón o
panderetas, que se presentan como la mejor de las oraciones
posibles. El componente inmaterial más que religioso de este bello
disco, crea adeptos, invoca a la devoción. Un quinteto al que le ha
llegado el momento de saludar al pueblo desde el altar de las buenas
intenciones. Arcade Fire, Fleet Foxes o Devendra Banhart son algunas
de sus palpables influencias, aunque atesoran mimbres suficientes
para defender su sonido como único. No resulta casual que hayan sido
considerados como La Apuesta 2010 por el suplemento EP3 (El País) o
mentados como una de las incipientes formaciones por un amplio
abanico de la crítica. Iniciaban su carrera en directo en la mítica
sala El Sol de Madrid, quien sabe si como anticipo de una radiante
carrera. Por el momento, su primer lanzamiento, brilla con luz
propia.
Hole – Nobody’s Daughter, 2010, The
Island Def Jam Music Group
Por
Raül Ruiz – Indyrock
Doce años han pasado desde que la formación de Courtney Love lanzara
‘Celebrity Skin’, su anterior disco, al mercado. Para algunos,
demasiado tiempo, para otros, algo que no debería haber sucedido. Y
es que la artista decide rescatar el antiguo nombre de su banda,
pero no a los miembros de esta, para darle forma a este re-proyecto
sonoro. De quien sí ha decidido rodearse es del mismo equipo técnico
que tan bien le funcionó antaño; Billy Corgan vuelve a ser el
creador de alguno de los temas y Michael Beinhorn asume, nuevamente,
las tareas de producción.
Las letras hablan de drogas, de sexo y de muerte; algo que resulta
curioso cuando Courtney vive en una guerra constante con la imagen
que se tiene de ella y que, en ocasiones, le hace alejarse de la
música y perderse en la distancia del recuerdo de un pasado
tormentoso. En el terreno más musical el disco es bastante flojo,
con una superficie tan plana que pocas sorpresas aguardan en su
interior al oyente; la voz de la cantante suena edulcorada, agotada
en ocasiones; ni tan solo en el tema “Loser Dust”, uno de los más
pretendidamente agresivos, logra sonar con la rabia sincera de
antaño. En ocasiones uno tiene la sensación de que la banda ha
deseado obtener un sonido oscuro, propio del post-punk, pero los
temas acaban sonando a un híbrido entre el indie de los 90 y el rock
de los 70. Porque, pese a que el trabajo de masterización logra
dotar al álbum de una uniformidad más que correcta, no acierta a
matizar la orientación ni la pretensión. Incluso, el tema que hace
11 y cierra el disco, “Never Go Hungry” (Bonus Track) resulta un
broche del todo desacertado y confuso.
Resumiendo, e intentando ser lo más justo posible, si ‘Nobody’s
Daughter’ no llevase la firma de Courtney Love, dudo mucho que su
trascendencia hubiese sido de talla internacional. Una lástima para
sus incondicionales, entre los que me incluyo… pero no a cualquier
precio.
Kike Suárez&La Desbandada
Carta Blanca DFX Records 2010
por
Diego Soto-IndyRock
Resulta complicado, casi imposible, no sentirse seducido por su
cavernosa y chamánica voz. Kike Suárez- Kike Babas para los
nostálgicos- quien fuera mentado miembro en proyectos
independientes madrileños como King Putreak, The Vientre y Huevos
Canos, viene enchufado de vida en este primer trabajo en solitario,
“Carta Blanca” (DFX Records, 2010). Alma mater de los extramuros
urbanos, demuestra que no bebe de influencias y sí aspira historias
propias y reales. Esta pulcra carta, este folio abierto, irradia luz
en las tinieblas de las oscuros barrios nutridos por sujetos con
corazón de peluche, aliados con el maléfico vicio. Conocedor de las
atmósferas de tapaillo, se vale de la galante pluma para vanagloriar
a ese individuo que vive al día para poder despertar mañana. Un
trabajo que airea trapos sucios, irremediables para sentirse
vivo, y que deja de lado al cuentista y acoge al escritor palpable.
Obra que suda tango, exhala chotis, respira blues y escupe rocanrol
y cuyo objetivo, como él propio ha citado, radica en quedarse
limpio. El estilo de Kike resulta inconfundible: elegante desparpajo
y corrosiva sinceridad. Para expresar todo esto se ha valido de la
refinada formación de acompañamiento, La Desbandada; un cuarteto
cuya concepción instrumental parece soldada al navío corsario
atracado en los muros de cemento y pirateado por este bucanero. Kike
dice no sentirse alumno de influencia citable pero lo cierto es que
la seducción de Waits pulula como garboso complemento sin remedio
alguno. Menuda ópera prima.
Stereotipos 200 Buitres 2010
por
Diego Soto-IndyRock
En tiempos en los que se infla el globo del buen hacer de
formaciones en el pop-rock nacional, los coruñeses son de los pocos
que vuelan sin oxígeno añadido. Manu Rodríguez y los suyos regresan
con su segundo trabajo, “200 Buitres”, demostrando que atesoran
mimbres sólidos sobre los que cimentar una carrera que acaba de
comenzar. Apenas media hora, diez cálidos temas, les basta para
erizar y cautivar de principio a fin sin desmoronarse. Este
suculento disco crece en la escucha, se ensancha o se agiganta.
¡Ojo! Suelen ser comparados con Pereza, Quique González (colaborador
de lujo en su primer trabajo homónimo) e Iván Ferreira. Pero aquí
demuestran que sus dentelladas desgarran almas al estilo Calamaro a
golpe de piano y elaboradas letras que emanan melancolía y dolor.
Producido por Juan de Dios Martín (Deluxe, Marlango), se consigue
aunar una obra en compacto producto sin fisuras y con argumentos
sonoros ansiados por la gran masa que inunda el estilo, todo ello
con un toque personal. Han crecido y se nota. No se han dejado
intimidar por los nombres con los que han pisado tarima. Estas aves
rapaces han encauzado el vuelo. Tocar el cielo, depende de ellos.
Susana
Cáncer El baile de los días La ecléctica
madrileña 2010
por
Diego Soto-IndyRock
Un salón de tiros largos con tapices de antaño, cuadros
impresionistas que cautivan por su tenue color, imágenes de un mundo
introspectivo con visos de ver la luz. Susana Cáncer , la que fuera
teclista de formaciones del underground madrileño Cría Cuervos o
Chatarreros de Sangre y Cielo, ha vuelto al escaparate urbano que
viste siluetas de la gran ciudad, parisina o madrileña. “El baile de
los días”(La ecléctica madrileña, 2010) su tercer disco, supone una
nueva aventura de esta pianista clásica de voz sensual y talante de
gran mujer. Elegantes guiños a la chaison francesa, ensoñaciones
lounge y pop inclasificable que bebe del funk en ocasiones, se aúnan
para dar forma a un guión de personajes dibujados, fotografías de
seres reales que viven en la burbuja del retrato. Este baile del
quehacer diario respira aire limpio, bombea sangre fresca. Once
temas de supina galanura y vanguardista poesía. Un exquisito manjar
de ecuánimes sabores corporizado junto a las mejores manos. Javier
Corcobado, Justo Bagüeste o Gonzalo Lasheras -productor de su
anterior trabajo, “Crímenes y Promesas” (La ecléctica
madrileña,2007) y mano derecha en éste- vierten su sabiduría
redondeando un selecto producto de homérica factura. Trabajo de
piezas nobles, al que acuden saxos, contrabajo y depurada
electrónica para redondear una preciosa historia que bebe de otras
muchas. Susana vuelve a reinventarse y una vez más, se acuesta
victoriosa. ‘La ciudad de piedra’, ‘Mendigos de amor’ o ‘Castillos
en el aire’, son doctos testimonios de una artista que crea
escuela.
Top Models Wall of fame
Bip bip Records-Rock On 2010
por
Diego Soto-IndyRock
La formación barcelonesa vuelve a las pasarelas del circuito
independiente tras dos años de merecido descanso. Su recién cocinado
cuarto disco, “Wall of fame”(Bip bip Records-Rock On, 2010), se
presenta como una selecta pieza de elegante garage-rock y blues en
la que tiene cabida la plasticidad del pop-soul. Una decena de
pistas que queman asfalto y bombean adrenalina , bajo la esencia de
una pluma profunda, ácida y estilosa de talante mod y puramente
artístico. Fórmula eficiente a la que se abonaron ya en su primer y
homónimo lanzamiento, allá por el 2002 y que tan gustosos
resultados ha dado. Pinceladas de Brian Wilson en “Tapes in my
mind”, el músculo guitarrero de Hendrix en “Ten years ago” o
el desparpajo soulero de Neil Young en “Impossible Friends”, se
mixturan con espontaneidad en un heterogéneo trabajo de estilos,
uniforme en el concepto, al que también acuden sonidos de The Who,
The Fuzztones o Flamin Grovies. Ricky Gil y Pol Fontini, vuelven a
demostrar que su filosofía se apoya sobre férreos argumentos. Albert
Gil (Chest)- quien sustituye a Tony Nervio Roto- bajista y hermano
del primero, así como la talentosa teclista y cantante Agnés
Montferré, se han unido a una forma única de cimentar las bases de
la independencia en el panorama patrio. El éxito atesorado bajo el
nombre de Maximum Ricky(proyecto con el que se ha paseado Ricky Gil
en países como EEUU, Inglaterra o Canadá) ha dado como fruto un
producto inigualable, altamente elaborado. Sin duda, supone
una de las obras del año y que a buen seguro, se convertirá en un
objeto de culto para venideras generaciones amantes de los sonidos
facturados en las décadas 60 y 70.
Challenger - Ümelsion (BCore/Carnús
Records, 2010)
por
Armando Marín Ruiz - IndyRock
Sometido a la sorpresiva argucia de un preámbulo en calma, como si
la desgana buscase hacerse fuerte a través de la sección de ritmos,
golpe de efecto contundente con ayuda de una electrizante distorsión
y gritos corales al unísono recordándome al mismísimo Cedrid
Bixler-Zabala (At The Drive-In, The Mars Volta), avisando que has
cruzado ese punto de no retorno y ya estás perdido. Vencido por una
curiosidad que no cesará hasta concluir la fluctuante aventura
sonora, propuesta por tres aguerridos madrileños que desde 2004
tienen un claro objetivo, desgañitarse hasta dar a entender que bajo
el subsuelo de la capital, aún se encuentra compromiso, honestidad y
entereza como para defender unos argumentos concisos y clarividentes
que reivindiquen la necesidad del Hardcore Punk en pleno siglo 21. Y
nadie mejor para apoyar ardua tarea, que el sello barcelonés Bcore
Records, notables eruditos en señalada etiqueta que desde hace ya 20
años, y se dice pronto, con el debut de Corn Flakes y su ‘No
Problem’, no han dejado de proponer lo mejor de un estilo
caracterizado por ensalzar los aspectos más enérgicos del punk, a
través de tempos rápidos y agresivos, vertiginosos ritmos de
batería, precisos arreglos de guitarras amplificadas por la
distorsión, profundas líneas de bajo, y el grito como ejecución
vocal en la brevedad de unas canciones que reflexionan sobre el
discurso de la actitud, la positividad motivante y que alcanzó su
máxima expresión en el movimiento ‘Straight Edge’ promovido por las
formaciones precursoras de la vieja escuela (Black Flag, Bad Brains,
o los propios Minor Threat).
‘Dilitid’ (Arindelle Records, 2008) fue su convulsionante carta de
presentación; ahora con ‘Ümelsion’ (Bcore/Carnús Records, 2010),
Challenger demuestran que van en serio y vienen para quedarse,
agarrando con firmeza el testigo de una escena iniciada en nuestro
país, por los ya mencionados Corn Flakes, Rouse, Aina o Subterranean
Kids. Llamada de atención a todo aquel adolescente fascinado por las
emociones fuertes, presumidos de la huída de toda regla estipulada,
ávidos por descargar adrenalina en apabullantes directos plagados de
Pogo, Slam dancing, Mosh y algún que otro Stage Diving, emisores de
incontrolada rabia incontrolable. Dicen que lo bueno si breve, dos
veces bueno; 26 minutos y 50 segundos dan fe de ello, a través de
inapelables temas como ‘My Man’, ’30 days of night’ o ‘Lars
(Revisited)’. Un gran descubrimiento para mis subyugantes pabellones
auditivos. 7’5
Colin Clyne Doricana Starving Dog
Records 2010
Por
Joe McGaha - IndyRock
Colin Clyne es un cantante acústico/pop originalmente de Stonehaven,
Escocia. Su nuevo c.d., Doricana, muestra una mezcla de
influencias celtas, y también pop-rock del siglo 20. Canta
sobre varios temas incluso amor que sale mal (la primera canción del
c.d. tiene las letras "has de valorar para algo, que no vales nada
para mí", la vida en las calles, y también la vida del mar. En
su banda, hay harmónica, y también usa violínes de vez en cuando,
pero siempre guitarra. A mí me ha gustado bastante
Doricana...la variedad de temas, y las dulces melodías. Muy
buen c.d. para cuando quieres relajar y tomar una cerveza (quizás
imaginarte en un Pub de Londres o Aberdeen). Muy buen rollo,
total.
Doricana es de la casa discográfica Starving Dog Records, y saldrá
en iTunes el 11 de mayo, 2010, para comemorar la ganancia del
Aberdeen Football Club de la Copa de Europa (dice que de verdad, era
coincidencia, pero lo menciona en su página web, así que nunca se
sabe).
http://www.colinclyne.com
Barbo Matagigantes (2009, sin
contrato discográfico)
Por
Edgar Gili-Indyrock
Sí amigos, Barbo no solamente es el nombre con el que designamos a
ese pez de río de largos y frondosos mostachos, sino que también es
el nombre con el debemos nombrar a partir de ahora a esta banda
barcelonesa que de su puño y letra ha dado forma a “Matagigantes”
(2009, sin contrato discográfico), un disco de rock alternativo
construido a base de canciones pop de tres minutos. La marca Barbo
es todavía a día de hoy una novedad para la mayor parte de los que
puedan leer este escrito, pero no es este para ellos ni mucho menos
el primer proyecto musical en el que se embarcan. Ellos provienen y
renacen de las cenizas de una banda que antaño agonizó hasta la
disolución o, mejor dicho, agonizó hasta dar forma precisamente a
Barbo, esto es, los restos del naufragio. Ellos son un dúo, Juan y
Juanjo, que se resistió a creer que su vocación musical debía morir
con su proyecto anterior. Hemos de decirlo, de la tenacidad y
ambición de una pareja que sobrevive al desfallecimiento de una
banda y decide reedificar desde cero un nuevo sueño, solamente puede
nacer algo hecho con el corazón. Este es sin duda el caso de esta
banda: nuevo nombre, nuevo disco, nuevo sueño. Para
darnos cuenta de que Barbo no es un grupo amateur no es necesario en
absoluto que recurramos a su biografía, sino que eso es algo que
salta a la vista tan pronto como nos echamos los auriculares a los
oídos. ¿Por qué? Porque “Matagigantes” es un disco plenamente
coherente de la primera a la última canción. Porque “Matagigantes”
es un disco en el que las canciones se empacan y contienen en
cápsulas de tres minutos a las que no les falta ni sobra nada.
Porque “Matagigantes” es un disco en el que no parece haber
divergencia alguna entre la intención y la realidad. Y finalmente
porque “Matagigantes” es un disco autoproducido a un nivel que no
sería propio de una banda que acaba de empezar. Es evidente, a mi
modo de ver, que lo que buscaba este grupo con este repertorio era
crear temas que, en virtud de su brevedad e intensidad, fueran
directos y fácilmente digeribles. Esta intención queda patente nada
más empieza el disco con “Segmento alpha”, una canción que arranca
con un ritmo trepidante y una voz reverberada que nos grita y agita
como si estuviéramos en los albores de alguna revuelta estudiantil.
Hablamos de canciones pop, ya lo hemos dicho, cuyas melodías se
desgranan a través de una voz viva, casi urgente y de registro tenor
que en castellano nos canta letras que a menudo hablan con cierta
rabia de la soledad, el rechazo al mundo y la consecuente y activa
necesidad de huida. Por debajo casi siempre nos las vemos con ritmos
disco que son prácticamente lo único, junto con la fuerte presencia
de la voz y junto con una producción más bien clara, limpia y poco o
nada garage, lo único, decíamos, que nos impide catalogarlos como un
grupo de rock alternativo de los 90. Y es que más allá de ese toque
electrónico que la batería y su sonoridad le dan al disco, es
inevitable reconocer que la base de sus canciones son esas guitarras
arpegiadas, quebradas y melódicas propias del noise pop de ese
antecedente del indie noventero como son los Pixies. Creo que no me
equivoco si digo que es prácticamente imposible escuchar a Barbo y
no pensar aunque sólo sea por un momento en el célebre y mitiquísimo
arpegio de guitarra del “Where is my mind”. No nos consta, al menos
por el momento, que “Matagigantes” tenga algo así como un single.
Pero si hemos de escoger alguno sin duda señalaríamos el que es,
seguramente no por casualidad, el tercer corte del disco, “Curas de
naranja”, una canción cuyo valor melódico reside no solamente en su
estribillo sino también en sus estrofas y coros, con el añadido de
que al valor melódico hemos sumarle el valor emocional generado por
el ligeramente tardío encaje de las notas de acompañamiento
instrumental con una voz sostenida en alto que nos habla de alas de
playa en el final del estribillo. El segundo single sería según
dicta mi gusto el tema “El día es nuestro”, otra canción melódica y
emocionalmente destacable sobre todo en lo que a su estribillo se
refiere. Y es que este es seguramente uno de los aspectos más
corregibles o mejorables de Barbo, a saber, que no siempre las
melodías están a la altura de sus mejores líneas. Pero más allá de
las asperezas que pueden ir puliendo, Barbo cuenta, además de con un
par de hits, con un repertorio digno cuya intensidad e inmediatez
puede acabar, por qué no, matando o por lo menos desbancando a algún
que otro gigante dormido.
Los Planetas - “Una ópera egipcia”
por
Abel Guerola - IndyRock
Tal vez la aspiración de muchos grupos es alcanzar ese estatus que
les convierte en intocables entre su público y la prensa
especializada. Los Planetas hace ya algunos años que parecen haber
llegado a ese nivel, y de un tiempo a esta parte cada nuevo álbum
suyo se celebra de forma casi ritual y unánime.
Los granadinos no son sólo uno de los grupos que mejor ha reflejado
las vivencias de una generación sino que desde el anterior “La
leyenda del tiempo” han decidido experimentar con el flamenco
llevándoselo a su terreno, línea que han decidido continuar en "Una
ópera egipcia". Con estos dos álbumes han demostrado, además de
admiración por sus raíces, que son músicos que después de más de
quince años todavía tienen inquietud por hacer cosas
diferentes.
Ciertamente, todo lo dicho en el párrafo anterior es muy positivo y
hará que se pueda llegar a pasar por alto que, si se compara con sus
álbumes clásicos, este nuevo disco de Los Planetas queda un par de
peldaños por debajo. Lo mejor de “Una ópera egipcia” puede resumirse
en “La llave de oro”, el potente instrumental que abre el disco; “La
Pastora Divina”, tema que, gracias a la voz de Enrique Morente y el
bajo de Antonio Arias, recuerda al histórico disco “Omega” y algún
single más o menos resultón como “Siete Faroles” y “Romance de Juan
de Osuna”, una versión bastante conseguida de la zambra clásica de
Manolo Caracol. Aparte de eso no hay demasiado que destacar, y tan
es así que ni siquiera la colaboración en dos cortes de la Bien
Querida hace que “Una ópera egipcia” remonte el vuelo en su parte
central, que se hace un poco larga. Un bagaje demasiado pobre para
venir de una de las bandas de pop independiente más emblemáticas de
las dos últimas décadas.
Sinfonía, rock y psicodelia
Why Go – DC 2010 Estoescasa
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Es bueno que no se pierda el gusto por la experimentación. A veces
algún grupo se adentra en nuevos universos y decide ir un paso más
allá que aquel que se quedó en el camino. Why Go, es una banda de
Vigo que lleva diez años sumergidos en terrenos de creación
sinfónica, rock a la vieja usanza, con matices de psicodelia pop.
Ahora lanzan su primer larga duración, bajo la batuta del sello
madrileño independiente Estoescasa. En este LP Why Go plantea temas
largos, intensos, con progresiones que llegan a la explosión sonora,
temas unificados en cuanto al concepto y la forma de expresión, que
viaja por terrenos multiorográficos, desde senderos folkis a
inmersiones sinuosas en el grunge y voces al más profundo aire del
Mississippi, con vientos y metales, con guitarras y percusiones, e
incluso, alguna que otra sorprendente voz cercana a óperas
impensables en teatros de Brodway. Música y composición escrita en
letras mayúsculas.
Melancolia en blanco
«El gran blanco» -
The Baltic Sea – 2010 Cuac! Música
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Estoy gratamente sorprendido. Hacía tiempo que un disco no conseguía
hacerme sentir una profunda e intensa melancolía, dejar la mente en
blanco y dejarte llevar por los sentimientos. La música actual no te
aporta demasiadas sorpresas. Pero The Baltic Sea, con la voz y las
composiciones de Esteban Ruiz, logran calar fuerte en tu interior.
Este grupo, que fue revelación en el indie nacional hace ya dos
años, ha vuelto con una estructura y forma de expresión
tremendamente nadura y cohesionada, con el español como idioma para
contar historias, con guitarras envolventes, misteriosas, teclados
omnipresentes y percusiones que aportan una continuada y suave
contundencia. El disco ha sido grabado en los estudios La Mina de
Sevilla, con Raúl Pérez como productor, una presencia que se nota en
el sonido supercuidado de este álbum, el segundo de The Baltic Sea,
«El gran blanco» lleno de color e intensidad.
Punk de altos vuelos
«El tiempo en mis manos» -
Ningoonies – CD Autoproducción –
Creative Commons 2010
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Tienen la frescura del mejor punk surfero de la "costa Este de
Madrid’, mezclado con una necesidad imperante de contar historias y
el pop de toda la vida, alegre y dicharrachero, simpático que, en
definitiva, es la esencia del pop. Ningoonies es un trío madrileño
que editan ahora su segundo disco, «El tiempo en mis manos», en el
que incluyen 15 temas cargados de historias y vivencias que hacen un
repaso retrospectivo en las vidas de sus protagonistas, el trío
formado por Luna (Choni Ramone); Dani (Johnny Urethra) y el batería
Ramón. Es un disco rompedor, en el que no se cortan al reivindicar
la libertad de uso de los derechos de autor y en contra del canon
digital. Escuchar «El tiempo en sus manos» es pasearse por un mundo
extraño que te recuerda al hardcore melódico, extravagante y
saltarín, pero que en definitiva no es más que punk del bueno, ¿qué
más quieres?
Gonjasufi “A Sufi And A Killer” 2010
por
Muriel Mo - IndyRock
El personaje Gonjasufi, nom de guerre de Sumach Ecks, no se puede
resumir en dos palabras y no se puede encerrar en una caja
precisa. En efecto, Gonjasufi, nueva joya de Warp es un
personaje muy misterioso, mezcla de misticismo y violencia, un santo
que se esconde detrás de una cara enigmática, un condensado de
pureza y fuerza animal. No tenemos muchas informaciones sobre este
„milagro“ (el mágico Google no nos ayuda mucho en este caso), lo que
sabemos por cierto es que Ecks es un recluso del desierto
californiano, un místico, un maestro de yoga y un músico lisérgico
que va mas allá de las fronteras temporales. Su música tiene una
fuerza increíble que podría surgir del pasado pero también del
futuro, como un flash de energía pura que no pertenece a nuestra
realidad.
A Sufi And A killer es el primer álbum de este prodigio de Los
Ángeles, aunque su poder místico ya se haya desarrollado al comienzo
de los ´90, cuando nuestro rey del desierto se presenta al interior
de la escena underground gracias a sus dj set y a sus composiciones
hip hop. A Sufi And A killer, condensado de rap abstracto, soal
lasciva y siquedelia étnica, representa el culmine de su arte, el
resumen de toda su fuerza creativa. Las melodías de Gonjasufi
encierran en si mismas la fuerza de de sus antepasados y el
misticismo de un mundo que no pertenece a la realidad terrena. Su
primer álbum es de verdad un objeto mágico que encanta sin dejar un
momento de calma, un viaje espiritual sin por eso ser religioso, una
mezcla de sabiduría antigua y esperanza en un futuro sin fin. Se
puede decir sin miedo que A Sufi And A killer es uno de los álbumes
más impresionantes de este comienzo de 2010, un manifiesto contra la
monotonía actual, una verdadera descarga de violencia sublime. El
milagro se produzco gracias a la ayuda providencial de tres de los
mejores productores actuales de Los Ángeles: The Gaslamp Killer,
Mainfraime y Flying Lotus. Su genial trabajo ha vestido las melodías
de Gonjasufi con un toque muy especial de influencias medio
orientales (sitar y cantos Dervish), beats de hip hop abstracto,
misticismo, sin olvidar la voz sublime de Ecks que se casa
perfectamente con este clima de meditación y calma aparente. Su voz
es algo increíble, un tornado de sensualidad hipnótica, de calma
pero al mismo tiempo de energía portentosa. Gonja canta con una
espiritualidad que recuerda a veces George Clinton o Leadbelly, sin
perder por eso su unicidad. La fuerza de su voz se debe quizás al
calor del desierto y al humo de los chamanos, como si el misticismo
de California saliera de su cuerpo y de su espíritu.
A Sufi And A killer posee una brutalidad sublimada, como si los
démonos de nuestro místico de Los Ángeles fueran en perfecto
equilibrio cósmico. Esta volatilidad que se transforma en
vulnerabilidad es dramatizada en Sheep que empieza con uno scratch
épico de Gonja y se completa con un condensado de percusiones que
suben hasta el cielo. Una pregunta sale ahora espontánea: ¿Que es lo
que da a este álbum su „allure“espiritual y sensual? La respuesta es
la descubierta por parte de Ecks del Bikram Yoga, de la paz
interior. Este cambio se debe también al nacimiento de sus hijos y
así a la toma de consciencia de la importancia del control de su
propia agresividad. Como Gonjasufi mismo lo subraya, su personalidad
es una mezcla entre la calma y la violencia (el „killer“del titulo
del álbum), una contradicción constante entre la búsqueda de
serenidad y la agresividad llevada también por la lucha para
sobrevivir en un mundo demasiado feo e intolerante. Goinjasufi es un
hombre que lucha contra sus démonos interiores gracias a un
misticismo a prueba de bombas y a una constancia sin limites. Un
disco que no se puede olvidar.
Four Ways - Twisted Times 2010
por
Abel Guerola - IndyRock
Lo más flojo del tercer álbum de Four Ways es, sin duda, la portada,
cuyo diseño es casi más propio de una maqueta que de un disco con
todas las de la ley. Por suerte, en lo estrictamente musical a la
banda se le pueden poner pocas pegas.
“Twisted Times” suena a rock duro progresivo por los cuatro
costados. Cierto gusto por la épica y que canten en inglés hace que
compararlos con bandas como Dream Theater sea inevitable. Como a
ellos, a Four Ways les gustan las composiciones complejas, ricas en
matices y que jueguen con los cambios de ritmo y de intensidad,
aunque sin llegar a los niveles de enrevesamiento de los
norteamericanos y acercándose más al hard rock clásico.
Puede que mezclar rock duro o heavy con rock progresivo sea algo muy
trillado en la actualidad, gracias al éxito de grupos como Tool,
Porcupine Tree o los propios Dream Theater. Debido a ésta saturación
de la escena, es probable que muchos oyentes acusen a los sevillanos
de no inventar nada nuevo. Tal vez sea verdad, pero también es
cierto que no hay tantas bandas actuales capaces de componer una
power-ballad como “Crossing the line” o un temazo de hard progresivo
como “Modern Times”.
Lo cierto es que los cinco músicos que forman Four Ways llevan
bastantes años en esto, y se nota. Su experiencia unida a su saber
hacer da como resultado una grabación como “Twisted Times” que, si
se obvia algún detalle como su excesiva duración y su producción,
correcta pero no brillante, es por lo demás muy notable.
The Bite, «In My Town» - CD 2010 – Bib
Bip Records
Con principios
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Me gusta la gente que no reniega de sus principios y se bate el
cobre por sus ideas, aunque no vayan demasiado bien con los tiempos
y te tachen de todo... Son The Bite, punk y pop callejero sin
aditivos comerciales, con recuerdos de las oscuras aguas del
Tamesis, las playas de California e historias de aceras, calzadas y
parques. The Bite acaba de lanzar al mercado un nuevo disco, ?In My
Town’, doce temas perfectamente encadenados en formas e ideas. Dicen
en sus hojas de promo que se parecen a los Buzzcocks, y sí, es
cierto, si se les quiere ver un parecido, porque también podrían
encajarse con The Clash y otros muchos, pero The Bite, juegan a
personalidades arrolladoras, las suyas, se bastan y sobran para
ocupar un magnífico espacio en el underground, sin complejos, por
derecho. No te pierdas este disco publicado por Bib Bip Records, con
guitarras cargadas de riffs, contundentes, bajos acelerados,
percusiones y, sobre todo, descaro y desfachatez.... y concesiones a
la historia del punk.
Elkano Browning Cream Elkano
Browning Cream 2 Mamusik 2010
por
Diego Soto-Indyrock
Refinado groove para la pista de baile. El terceto compuesto por el
músico y productor donostiarra, Mikel Azpiroz (Fermín Muguruza, The
Waifs), el baterista Franck Mantegari (Alpha Blondi, Saint Germain,
Massive Attack) y el guitarrista y cantante Matt Harding, regresa
con su segundo trabajo, “Elkano Browning Cream 2”, mixturando el
hard bop y el funky-jazz de los sesenta con bossa y jazz latino.
Facturado y producido entre los estudios Skyler Patten´s (Utah,USA)
y Eulieta (San Sebastián, País Vasco ), el proyecto está dotado de
un sonido hipnótico, corporizado con el aroma que caracterizaba las
composiciones de Richard Groove Holmes o Jimmy Smith para el sello
Blue Note. Diez depuradas composiciones guiadas por el pulido estilo
al Hammond B3 del propio Azpiroz (quien también produce el disco
bajo su propio sello Mamusik) y la excelente voz de Harding(el
maestro John Lee Hooker o Taj Mahal han reconocido su buen hacer
vocal). Y es que el talento de este triángulo musical no podía ser
aventura de un solo disco. Una vez más, demuestran el instruido
conocimiento de sus respectivos instrumentos y el entendimiento
musical que les une para facturar idóneos temas de sesiones
nocturnas en selectos clubes urbanos.
Link
Elektrocaution Mckenzie Muzik 2010
por
Diego Soto-Indyrock
Los canarios Link, capitaneados por el arquitecto y músico, Kenneth
Suárez, regresan con su segundo trabajo, “Elektrocaution” (Mckenzie
Muzik, 2009). Como en su primer lanzamiento titulado “10 canciones”
(Mckenzie Muzik, 2006), continúan apostando por la fusión de los
desarrollos psicodélicos de Pink Floyd con el minimalismo
electro-funk de Morcheeba o Groove Armada y el acid-jazz de
Toshinori Kondo. Una mezcla sorprendente que denota el amplio
abanico de registros que domina el sexteto isleño. Doce
elegantes pistas de exquisito trato a la experimentación
contemporánea. Su filosofía aúna vertientes y conceptos que se
complementan equitativamente. Y es que este shopomore supone la
consolidación de la formación, un enorme salto de calidad en el que
sobresale la conjunción de la instrumentación y los juegos vocales
de la cantante Cris Zarallo. Además, la introducción de saxo, flauta
travesera y armónica a cargo de Elio Moreno mixturan el
material noble con las secuencias electrónicas. Sergio Casquero
(bajo), José Llobet (batería) y Javier Guerra (bajo y guitarras),
completan un conjunto de sorpresivo origen patrio y gran proyección
internacional.
Las Culebras Marvellous
Helldorado 2010
por
Diego Soto - IndyRock
Enérgico, desenfrenado y contagioso. Son algunos de los apelativos
que definen a “Marvellous”, segundo trabajo de Las Culebras.
Cuarteto femenino que desde su descarado debut, no ha parado de ser
elogiado allá por donde clavan tacón. En el pasado 2008,
recibían el reconocimiento en concursos musicales como el Villa de
Bilbao o el de Jóvenes Artistas de Navarra, poniendo así la primera
piedra en una carrera prometedora. De hecho, esto les permitió
acudir al Azkena Rock Festival 08 y codearse con Sex Pistols, The
Jayhawks o Hanoi Rocks, entre otros tantos. Posteriormente, han
continuado girando por todo el territorio nacional compartiendo
cartel junto a renombradas formaciones como The Fleshtones o
Quireboys. Y es que a estas cuatro navarras de sangre rockera y alma
glam, les sobran los motivos para cautivar al que se acerca a ellas
sin llegar al contacto físico. Son pura vitamina, pulsión eléctrica
y sensualidad salvaje. Su estilo bombea al ritmo de los New York
Dolls, se acelera con la suciedad de The Stooges y seduce con la
perspicaz visión del rock de Ramones. Hace tiempo que dejaron de ser
ángeles.
Paco Cifuentes La vida
aparte 2010
por
Diego Soto-Indyrock
Intimo, reflexivo y emotivo. Son algunos apelativos que definen el
nuevo disco del sevillano Paco Cifuentes, “La vida aparte”. Segundo
trabajo, tras el valioso debut “Adicto” (2006). Valioso, pues supuso
la primera piedra de una carrera prometedora. Y no ha decepcionado.
Todo lo contrario. Consigue profundizar con gusto en un sonido que
camina entre la canción de autor y el pop-rock, al tiempo que se
adhiere a la pulsión flamenca en varios cortes. Cifuentes muestra
sus demonios internos tal y como la siente, sin tapujos. Doce
historias nacidas de una pluma que escribe con trasfondo poético y
que es consciente de su poder de seducción, de convicción. Navajazos
a la nostalgia, palabras que traspasan la barrera del complejo. Su
pócima contiene los ingredientes a los que acude un druida para
sanar las penas. Para ello, se vale de una formación cultivada,
respetuosa con una voz que se hace escuchar, así como de las
colaboraciones vocales de Javier Ruibal (padre) y Leo Minax. En
definitiva, sale más rentable escucharle que visitar a un psicólogo.
Lo ha bordado.
Charades - Revolución Solar
por
Abel Guerola-Indyrock
“Revolución Solar”, el nuevo disco de Charades, suena como si se
mezclaran en una coctelera el indie de los noventa con el ritmo
trotón y constante de la batería y las percusiones que tan de moda
han puesto The Arcade Fire en el último lustro. De lo primero tienen
ese aire lánguido y dulce en las armonías de Isabel y Antía que
siempre ha gustado en las voces femeninas del pop patrio. Sus
aportaciones vocales son el complemento perfecto para unas letras
que se mueven en un registro bastante naif la mayor parte del
tiempo. Sin embargo, y al contrario de lo que si pasa en el indie
español a menudo, la lírica de Charades logra evitar lo ridículo y
lo sonrojante, apostando por metáforas sencillas pero poco comunes.
De lo segundo se quedan con la idea de que el ritmo debe retumbar en
primer plano, pero no para sonar épicos, sino para lograr una
cadencia casi de western, de western irremediablemente feliz, eso
sí.
Lo cierto es que “Revolución Solar” tiene muy buenos momentos, y la
mezcla que nos proponen Charades resulta interesante y original,
pero tanta armonía vocal a lo Beach Boys (y lo dice un fanático de
la música de los californianos) llega a hacerse monótona. Las dos
vocalistas resultan encantadoras en pequeñas dosis, pero el exceso
de “Uuuhs” y “Aaahs” puede resultar indigesto después de un disco
entero así. De este modo, los cambios de ritmo y el uso de
estructuras poco convencionales en algunas canciones no consiguen
evitar del todo la sensación de excesiva homogeneidad que acaba
dejando “Revolución Solar” tras su escucha.
Babylon
Rockets Conspiracity
por
Diego Soto-Indyrock
Si se vendieran como californianos de los años 80, más de uno se lo
creería. Lo curioso es que Babylon Rockets es una formación
valenciana que a golpe de enérgico directo ha conseguido hacerse con
una legión de seguidores tras su refrescante primer trabajo
“Conspiracity”. Producido por Enrique Soriano (Studio 54) y
masterizado por Steve Smart (Studios 301,Sydney), el tan aclamado
debut cuenta con nueve jugosas piezas de rock´n´roll. Dicen sentirse
devotos de AC/DC pero lo cierto es que se intuyen ramalazos de los
Guns´n´ Roses así como de The Black Crowes. Su fórmula es atemporal,
transparente como el Four Roses. No buscan la experimentación y si
la fidelidad de sonidos que siempre han funcionado en ambientes que
aprecian las guitarras afiladas y las letras con pegamento. Durante
el pasado 2009 dejaron su huella en las tarimas de salas como
Wah-Wah (Valencia), Caracol (Madrid) o Rocksound (Barcelona). Para
este 2010 tienen previsto lanzar el que sería su segundo trabajo.
Por lo pronto, el primero es un joya. Si eres de los que sudan
rock´n´roll, no dudes en escucharlos. Te dejarán sin un átomo
de grasa.
Krilin When the time comes there
will be no time Autoproducido
por
Diego Soto-Indyrock
Si fueran escandinavos, serían portada de revista. Pero son vascos.
Quizá será fuera de nuestras fronteras donde se aprecie su buen
hacer. Por lo pronto, su álbum debut, “When the time comes there
will be no time”, está dejando un sabor de boca exquisito. Atrás
parece haber quedado el rock alternativo de instituto de su primer
EP Ride the clouds (2006). Corporizado por diez gemas talladas a
golpe de post-hardcore, su fórmula fusiona influencias de los
Deftones , Muse o Thirce. Grabado por Txosse (Whell Sound Studios,
2008-09), y masterizado por Santi García (No more lies), hasta el
más mínimo detalle está cuidado en una producción impecable. En
directo, su apuesta se presenta como una empresa compleja por su
extensa partitura, al tiempo que como prueba de fuego para dilucidar
si estamos ante una formación de referencia a partir de futuras
entregas. Disco musculoso, con fuerza. Joya con la que se abren las
puertas de un estilo en ascenso en el panorama patrio. En sus manos
está la expansión del género.
Álbumes comentados en 2009
Daddy Longlegs
Daddy Longlegs Happy place Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Menos de veinte minutos, cinco canciones. Suficiente para que te
conquisten. No son nada nuevo, ni su mensaje se distingue por ser
único. Pero enganchan. Bajo el nuevo sello Happy Place Records
(Sevilla), estos parisinos presentan su segundo trabajo, homónimo.
Rock alternativo misturado con britpop. Estrofas psicotrópicas y
estribillos pegadizos gestados para la pista de baile, exceptuando
su último corte, ‘Free flowing’. Balada lisérgica, antagónica
pieza de las cuatro restantes, gestada bajo la óptica psicodélica
del pop en la Isla a mediados de los setenta. Ambos, ‘Shame’ y
‘Animals in a city’ huelen a éxito radiofónico. Bandas
como Stereophonics, Muse o Franz Ferdinand, se intuyen referencias
de una formación de exquisita elegancia compositiva. El directo
será la prueba definitiva que los ponga en boca de los amantes del
estilo. Sin duda, captarán tu atención.
Briatore A way of
life Bip bip records 2009
por Diego Soto-Indyrock
El que su incesante y enérgico directo bajo el nombre de Briatore
se convirtiera en un disco era cuestión de paciencia. La han
tenido y ello da sus frutos. Quizá el título, “A way of
life”, resuma perfectamente el proceso compositivo de esta
formación marbellí, anteriormente conocida como La Leshe que
Mamate. Todo llega. Trabajo lanzado bajo el amplio conocimiento de
las corrientes sixties con influencias del rocksteady, ska y
garage. Se definen bebedores de The Specials o The Clash, aunque
su hoja de ruta también pisa el asfalto que se quemaba a base de
psychobilly y surf pilotando vespas. Guitarras afiladas,
hammond y mucha válvula. Diez exquisitos cortes de indiscutible
cuerpo, de notable peso. Grabado y masterizado en La Factoría
Dalton ( San Fernando, 2009) y lanzado por Bip bip records, se
presenta un trabajo con mucho fondo, de años de dedicación al
tiempo que de indiscutible talento para fidelizar los sonidos
provenientes de este constructivo decenio. Nacidos en las
postrimerías de la ola pop en la Marbella más relevante y
subterránea, defienden pista tras pista que son el ingrediente
perfecto para desgastar suela en cualquier guateque nocturno. El
amanecer está asegurado.
No Frosth Déjame entrar
FloryNata Records 2010
por Diego Soto-Indyrock
Dos años les ha sobrado a esta formación valenciana para sacar un
EP, ganar el premio a mejor grupo revelación del programa de
Amigos del Crimen” (Radio Klara) así como el de mejor versión del
Troglogló 2009 por la que dicen, es una exquisita adaptación del
clásico de Albert Hammon “Échame a mi la culpa”, al tiempo que
lanzar a las aceras su primer LP, “Déjame entrar”. Carrera
meteórica la de una formación cuyos componentes proceden de
distintas formaciones del ámbito indie valenciano como Mediomundo
o Riu Sec, entre otras. Grabado en El Sótano 54 por
Dani Cardon y masterizado Enrique Soriano (Crossfademastering), su
sonido camina entre el powerpop vitaminado y el indie más
garagero. Fresca fusión que coge fuerza a raíz va avanzando el
disco. Lori Meyers, Stay Cats o Surfin Bichos, entre otras, dicen
ser bandas a las que integran en su repertorio compositivo. The
Beattles también se suman al esqueleto de su obra en canciones
como ‘Miss Gelatina’, por ejemplo. Sin duda, tienen todos los
ingredientes para convertirse en asiduos del circuito indie
nacional. Seguramente, no tardando mucho, pisarán alguna tarima de
mayor tirón que hasta la fecha.
Malacara Manual para los
lunes 2009
por Diego Soto -IndyRock
Allá por el 2006, echaba a andar este nuevo proyecto de los
componentes de la prolífica formación barcelonesa, Karma Police,
así como de Loud Whispers y Milkers. Desde entonces distintas idas
y vueltas a L.A (EEUU) les ha servido para poner en boca de un
público desconocido su personal estilo. Este “Manual para los
lunes”, segundo trabajo, viene aderezado con texturas del dream
pop, al tiempo que del post-rock -tan en boga en estos tiempos- y
del indie más bailable. Letras, en ocasiones crudas, en
otras, asentadas en lo onírico, se acompañan de un sinfín de
programaciones y guitarras de espectro ruidista que suscitan
semejanzas con formaciones como Standstill o los tan denostados
Arcade Fire. A Place to Bury Strangers (con los que ya giraron),
también resumen las pretensiones sonoras de los componentes de
esta banda catalana. Su trayectoria hasta la fecha se ha marcado
en un amplio abanico de salas autónomas, pequeños espacios en su
mayoría, en los que a buen seguro, su sonido se hace cuanto menos
vibrante. Sin duda, una fresca apuesta para este inicio de decenio
en el panorama patrio.
Synerghia- Synerghia (2009)
por JuanPi García - IndyRock
EP de presentación de esta banda sevillana formada alrededor de su
vocalista, Tere Martín, que también se encargada de la producción.
Tere ha sabido elegir a los otros cuatro componentes de la banda,
la cual completan David y Visera a las guitarras, Antonio al bajo,
y Martín a la batería. Juntos han sabido realizar un gran trabajo
en el que las guitarras bailan del metal a atmósferas más
progresivas, unos estribillos que te contagian a la primera
escucha y un sonido heterogéneo en todos los temas que no te
aburre en ningún momento. Cuatro temazos entre los que es difícil
decidir, pero me mojo y me quedo con “Abismo”, en la que Antonio
y Martín realizan un papel algo más que rítmico, ojo a la
versión acústica de este tema incluida como bonus, resulta toda
una delicia, haciendo un total de cinco los cortes contenidos en
este vibrante debut. Sin lugar a dudas una banda interesante a
seguir.
Pájaro Jack ¿Gismo
7? 2009
por Diego Soto-Indyrock
Granada es una ciudad en la que huele se huele a música
alternativa en cada esquina. Cada vez hay más formaciones que
salen de debajo de las piedras. Que llevan a cabo sus proyectos
musicales sin importarles si llegarán a ser lo que sueñan.
Simplemente componen y ofrecen sus obras con el propósito de
conocer nuevas influencias e ir creciendo entre los garitos de la
urbe. Entre cervezas de desconexión con la realidad, algunos se
ofrecen con su disco bajo el brazo. Pájaro Jack es uno de estos
proyectos que ven la luz primeriza bajo la publicación de una
maqueta. “Las luces”, su primer trabajo en la calle está compuesto
de cinco canciones de corte folk-rock moderno que aportan una
visión del mundanal gentío de las urbes, sin duda, nacimiento del
gen en una joven formación que tiene visos de ser mentada a pie de
barra. Ellos dicen sentirse seducidos por nuevas formaciones del
folk principalmente americano, tales como Fleet Foxes. De hecho,
en este lanzamiento apuestan por la combinación de percusión sin
artificios junto al banjo u el acordeón. Suavidad en las formas,
ternura en el ejercicio de estilo son características de esta
carta de presentación. Sin duda, esta ciudad está en plena
ebullición.
Mujeres Mujeres Sones
2009
por Diego Soto-Indyrock
Si fueran ingleses, ya estarían en algún toplist de la Isla. Pero
son de Barcelona. Lo curioso ha sido que sin grabar ningún disco,
ya estaban en boca de toda una legión de amantes del ritmo latoso
y salvaje del rock primitivo de los 60. Su disco, cuanto menos, se
ha convertido en un fetiche para aquellos que dicen haberlos visto
en concierto. Aquí es donde nace su esencia, su carta de
presentación. Gracias a un directo, defienden, arrollador, han
sido plato de buen gusto en un sinfín de garitos de la capital
catalana, algo que les ha permitido telonear a los míticos The
Stranglers, o ser mentados en los corrillos de camerino de
festivales como el Primavera Sound o el Europavox en la vecina
Francia, entre otras tantas citas. Doce canciones que no alcanzan
la media hora, espacio en el que trascurren por los recovecos del
rock más primario hasta el rockabilly de una vitalidad enfermiza y
desenfrenada. La forma de entender su proyecto discrepa mucho de
las estéticas sin continente, y se acercan al simple mensaje de
puro contenido. Defienden ser transparentes con el público, sin
artificios. Algo creíble tras la escucha de este frenético primer
LP. Mujeres son una muestra de la plasticidad a la que aspira un
estilo que no entiende de hermetismos puristas pero que bebe de
las fuentes adecuadas para crear un pozo del que sacar insaciables
canciones. Las cavernas nocturnas son su hábitat aunque se han
defendido a la perfección en escenarios de mayor recorrido. Con
influencias de The Sonics o Jonathan Richman, su mensaje no es
otro que el de hacer mover el esqueleto con estructuras que se
incrustan fácilmente en el cerebro receptor. Un grupo de torrentes
continuos que pone con esta, la primera piedra en su andadura, se
intuye, prometedora.
Perseverance Eternal Flame
(2009)
por JuanPi García - IndyRock
Después de la buena acogida que tuvo su primer trabajo en medios
como HeavyRock, RNE3 y diversas webs especializadas, el cuarteto
de Logroño vuelve a la carga con su segundo trabajo, todo un
tratado de thrash y metal clásico que a ratos te devuelve a la Bay
Area de finales de los 80s. Seis cortes cargados de fuerza donde
abundan los cambios de ritmo, guitarras veloces y voces
desgarradoras, y todo acompañado de una sobresaliente sección
rítmica. Han elegido el bilingüismo en este trabajo, alternando
temas en inglés con temas en español. Se hace muy complicado citar
un tema que destaque sobre los demás, ya que la tremenda calidad
es una constante a lo largo de todo el EP, así que me quedo con el
trabajo entero. Argumentos no les faltan a esta banda riojana para
patearse salas y festivales durante este entrante 2010 y demostrar
de lo que son capaces a todos los amantes del metal.
Wild Beasts - Two Dancers 2009
por Abel Guerola - IndyRock
“Two Dancers”, el segundo disco de Wild Beasts, es de esas obras
que está fuertemente influenciada por sus coordenadas
espacio-temporales. El cuarteto de Kendal suena,
irremediablamente, inglés y contemporáneo. ¿Es eso algo negativo?
No, o al menos no cuando la música que haces es buena. A este
respecto, “Two Dancers” es una colección de grandes canciones a la
que es difícil ponerle pegas.
Lo primero que llama la atención, y de que forma, de Wild Beasts
es la voz de Hayden Thorpe, vocalista de amplio registro, falsete
prodigioso y que, además, pone un tinte melodramático a sus
interpretaciones que se agradece. Y aunque cuando canta por graves
recuerda a Tom Smith de The Editors y sus agudos llegan a
parecerse a los de Antony and the Johnsons, Thorpe tiene una
personalidad muy definida y un timbre perfectamente
reconocible.
Respecto al apartado musical, la banda toma como referencia el pop
británico de los ochenta en su variante más etérea y soñadora,
intercalado con momentos más rítmicos y angulosos que pueden
asemejarlos a bandas contemporáneas como Foals.
En definitiva, nos encontramos ante un muy buen disco que debería
hacer que Wild Beasts pasaran a la primera división del pop
británico y obtuvieran mayor repercusión de la que han tenido
hasta ahora.
Aqua
Nebula Oscillator “Under the Moon of…”
por Muriel Mo - IndyRock
Hace mucho tiempo que el mundo escondido de la sicodélia francesa
esperaba su momento de gloria. Un grupo secreto que creía todavía
en la energía cósmica de la música, en la fuerza hipnótica de las
melodías. Al final, el Mesías sicodélico llegó bajo el nombre de
Aqua Nebula Oscillator.
Pero, ¿Quien se esconde detrás de este nombre sibilino? Los
miembros principales de Aqua Nebula se llaman: David Spher’os,
Shazula, Vince Posadzki e Simon y llegan de Paris, Quebec y
Bruselas...toda la francofonía reunida en un solo grupo. Las
influencias de Aqua Nebula son de todo respeto: The Velvet
Underground, Love, Sam Gopal, Silver Apples, The Seeds o The
Stooges...una mezcla increíble de rock&roll puro y de ritmos
salvaje que te da de pronto ganas de descubrir sus propias
creaciones. El intuito no va a ser decepcionado porqué, en efecto,
lo que “Under the Moon of...” propone son verdaderas hojas
musicales, obras preciosas de sicodelismo y de puro rock garage.
Las melodías entran en el celebro casi mágicamente y trasforman la
cabeza y el cuerpo en una caja de resonancia para emociones sin
limites. El cuerpo no puede parar su movimiento repetitivo y la
música se vuelve a nenia sensual que no se desvía de su ruta
infernal. Para resumir, una mezcla fascinante y obsesiva de ritmos
primordiales, una verdadera experiencia total para el cuerpo y la
mente.
El primero elemento interesante con respeto a estos francófonos
lisérgicos es su label: Paneuropean Recording. Detrás de este
label se esconde Romain Turzi, mente del homónimo grupo que, con
solamente dos CD, conseguí revolucionar el panorama de la
emergente escena sicodélica francesa. De echo, Pareuropean
Recording se define come el label de referencia de la nueva
“french Psychedelia”. Romain Turzi quiere poner el acento sobre la
tradición, demasiado escondida, de la sicodélica francesa del
comienzo de los 70. La influencia de Turzi es presente en “Under
the Moon of...”, aunque Aqua Nebula se destaque de su “padre”
proponiendo sonidos mas inquietantes, hipnóticos, trascendentes.
No a caso, el baterista vive escondido en una comunidad hippy en
los Pirineos. En pocas palabras, Aqua Nebula se podría definir
come el lado oscuro de esta nueva tendencia francesa.
Cada concierto de estos mágicos habitantes de las estrellas es una
verdadera experiencia trance y no es por nada si su objetivo es
expandir la sicodélica a través de una música hipnótica,
impactante, que haga vibrar el cuerpo y la mente. Aqua Nebula se
impone justamente como un grupo inquietante porqué se atreve
enseñar su cara obscura, fuera del tiempo, fuera de nuestra época
tan concreta y realista. Su música se podría definir como heavy
Metal esotérico, una bomba de energía salida de las tinieblas. Sus
canciones emanan una fuerza incontrolable, animal, salvaje, que
posee totalmente a la persona que la escucha. Parece ingenuo decir
que un ritmo puede dominarte, imponiendo su energía, pero en el
caso de Aqua Nebula todo esto es realidad. “Under the Moon of...”
es una verdadera experiencia alucinante y alucinada: sonidos
sublimes, ritmos perfectos acompañados a la perfección por la voz
sádicamente mágica de Shazzula. Su energía primitiva, primordial,
recuerda a veces a Siouxsie & The Banshees a veces a Suicide,
sin olvidar el siquodelismo místico de Sam Gopal. Definitivamente
un grupo increíble que merece la pena ser descubierto mas halla de
los confines franceses. Un concentrado de perversión y locura que
te conduce hasta las estrellas.
The Phenomenal Handclap Band
The Phenomenal Handclap Band Lovemonk Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Es lo que ocurre cuando dos pinchadiscos de las noches del
brooklyn, bien conocidos en la zona por sus meritorias selecciones
nocturnas de rock´n´roll, dan el salto a la composición grupal
para exprimir todos los sonidos que llevan mamando casi una
década. The Phenomenal Handclap Band es una mezcolanza de ocho
músicos provenientes del underground neoyorquino que apuesta por
la fusión de sonidos rock´n´roll psicodélico, soul, funk y música
disco. Producidos por LoveMonk, factoría de éxito asegurado en el
circuito independiente, presentan su debut homónimo. Obra
orquestal concebida para la pista de baile. Psicodelia
discotequera y groove con músculo para una noche febril en
el sábado noche. Sonidos que emulan a clásicos de Aretha Franklyn,
Stevie Wonder o Prince, aunque también piezas no tan lejanas de
formaciones más recientes como Morcheeba o Goldfrapp, se presentan
como influencias palpables. También tintes de clásicos disco
ochentenos como “You´ll disappear” o “ 15 to 20”, single
rompepistas con el que salieron al mercado el pasado mes de junio
en EEUU, y julio en Inglaterra y Europa. Y es que este doce cortes
se presenta como una de las joyitas del soul más experimental en
lo que va de año. Visitarán España en Diciembre. Una oportunidad
para comprobar si la capacidad hipnótica de su trabajo en el
estudio, se plasma en un directo.
Happy Kiss.Bang
2009
por Diego Soto-Indyrock
Proceden de Alberta (Canadá) y se hacen llamar Happy. Liderados
por Sherry Lee, cantautora de distintas formaciones locales,
acaban de publicar su primer lanzamiento titulado
“Kiss.Bang”. Tierno trabajo que se asienta en canciones de letra
sencilla y melodías folk que enfatizan con sonidos indie y
texturas country. Seis historias destinadas a la sosegada escucha.
En ocasiones, beben del Dylan más vaquero, en otras mastican las
sonoridades de Diane Cluck o Kelly de Martino, y en el mercado
español, se asemejan a formaciones como Marlang. Su mensaje camina
por los derroteros del alma sin detenerse en enrevesadas
estructuras pasionales. “Seven” es la pieza más insurrecta
del trabajo, con sonidos más cercanos al rock´n´roll puesto en
práctica a finales de los 80 en EEUU. Y es que estos canadienses,
con pequeñas dosis de sus principales influencias, han sucumbido
al aburrimiento. Primera piedra para un proyecto con detalles de
banda trabajadora y constante. Sin duda, una fresca apuesta.
Los Fulanos y la mengana Band
Parte de Cero 2009
por Diego Soto-Indyrock
Sangre veneno y sonido rumbero. La última aventura de estos
madrileños viene infectada de folk festivo, ambiente rumbero y
flamenco cabaretero. Canciones pegadizas que narran historias
mundanas, estados de ánimo en los que la reflexión sobre las
sandeces del quehacer diario se convierten en toda una lección.
“Voy a contar hasta diez” bien lo defiende. Se intuye bebedores de
formaciones como La Cabra Mecánica, Amparanoia o los
Muchachito Bombo Infierno. Basan su mensaje en una letra directa,
de esas que se interpretan a la primera escucha. Chulería
madrileña y desparpajo circense. Las guitarras y el cajón
marcan el recorrido por el que se guía el sendero sonoro. El
viento se une a esta composición orquestal que desgasta tarimas de
escenarios de fina verbena. Tras casi diez años sobre el asfalto,
sacan este trabajo ‘Parte de Cero’ producido por el Lichis (La
Cabra Mecánica), y que supone una bocanada de aire fresco en el
exigente universo del estilo. En sus directos, el baile está
asegurado.
The
Last 3 Lines Crows, 2009, Aloud Music
Por Raül Ruiz – IndyRock
Los muchachos de The Last 3 Lines acaban de lanzar al mercado su
segundo disco tras la brillante presentación de “You Are A Deep
Forest”. Con cambio de bajista en la formación, la banda apuesta
por un rock mucho más ‘dance’, pero sin permitirse ni un solo
desliz en su contundencia original, conservando, de esta forma, el
ardor musical que les caracteriza. Quizá, el único ‘pero’ que se
le puede recriminar a este álbum son las ganas, o necesidad, de
más con las que se queda uno tras la finalización de los cuatro
temas que lo conforman; no obstante, la intachable composición de
los mismos actúa como una dosis decibélica de adrenalina como
oyente, obligándote a escuchar el EP de forma cíclica… casi
tendiendo a infinito.
El disco lo nutren 3 únicos temas, quizá como guiño al nombre del
propio grupo. Del mismo modo, incluye como al Dartagnan de turno,
un remix de ‘Fish Tank’. Sobre esta canción en concreto es
necesario apuntar que posee un videoclip estupendo, el cual no
para de recibir elogios y que, sin duda, se ha convertido en uno
de los más comentados durante el presente año.
Blue Roses - Blue Roses 2009
Es justo reconocer que, a priori, es difícil ponerle alguna pega
al debut de Laura Groves, cantautora que se esconde detrás del
nombre “Blue Roses”. La chica canta como los ángeles (de hecho,
está tan sobrada de facultades que a veces hace gorgoritos y
florituras de más), es una compositora de bastante talento y la
producción y los arreglos son los apropiados para un disco de
folk-pop (acústicas de arpegios cristalinos, orquestaciones y
pianos cuando hacen falta, alguna guitarra eléctrica que sirve de
contrapunto…). Entonces, si todo es tan perfecto, ¿por qué la
escucha de “Blue Roses” deja a un servidor con una sensación
agradable, pero de ni fu ni fa en el fondo? Precisamente porque el
problema de este disco es que es el típico álbum en el que todo es
demasiado bonito y amable.
Aunque ya se la ha comparado con Kate Bush, y es cierto que su
primer single “I am leaving” recuerda a la londinense, la música
de Laura Groves tiene poco de pop ochentero y sí mucho de folk
británico y en menor medida norteamericano. La inglesa se ha
empapado de los viejos discos de Joni Mitchel, e incluso por
momentos su forma de cantar parece una versión aguda de voces como
la de Sandy Denny de Fairport Convention o Jacqui Mcshee de
Pentangle. Si, además de esto, hubiera escuchado, por ejemplo, a
gente como Buckley o Nina Simone, puede que nos encontráramos ante
una obra maestra. Y es que el día en que esta chica aprenda a
doler y a hacer una música con más aristas dará miedo a donde
puede llegar. De momento, se queda en una cantautora que ha
facturado 4 o 5 temas excelentes que, aunque un tanto inocuos,
hacen que se le vean las vergüenzas a féminas de la misma cuerda
como Russian Red.
Chris
Garneau - El Radio 2009
Si hace algo más de un lustro era motivo de alegría observar como
la canción de autor anglosajona se revitalizaba en casi todas sus
vertientes, hoy se puede afirmar que la escena ha pasado de estar
boyante a encontrarse al borde de la saturación. Y es que como
siempre ocurre con los movimientos musicales que están en boga, a
la sombra de artistas imprescindibles surgen otros medianos o
directamente mediocres. A éste respecto, más cerca de lo
simplemente correcto que de lo sublime se ha situado Chris Garneau
con su segundo disco, titulado “El Radio”.
En un panorama musical cada vez más lleno de imitadores de Rufus
Wainwright y Antony and the Johnsons, al menos es loable que
Garneau haya querido escapar de las comparaciones evidentes. Y
aunque algunas orquestaciones y pianos (que se mueven entre lo
juguetón y lo marcial) remiten irremisiblemente a ambos músicos,
Garneau ha preferido la inquietud y cierto minimalismo a la
pomposidad y el exceso.
Por desgracia, no sólo hacen falta buenas intenciones para grabar
un buen álbum. El Radio tiene varias defectos, y puede que a éste
respecto lo primero que llame la atención sea el timbre de
Garneau, tan personal que es imposible que deje indiferente. Tal
vez su forma de cantar, deliberadamente aniñada, emocione a muchos
oyentes, pero a un servidor le ha conseguido irritar y poner de
los nervios a menudo. Si se supera el escollo de la voz, se
descubre un álbum que, entre piezas afrancesadas y momentos casi
dignos de Danny Elfman, queda lastrado por demasiadas canciones
lentas y medios tiempos que hacen que a ratos se pierda el
interés. Todos estos handicaps convierten a “El Radio” en una obra
irregular, que difícilmente logrará destacar dentro de la canción
de autor actual.
Gogol Bordello Live from
axis mundi SideOneDummy Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Influencias balcánicas, ritmo, mucho ritmo y un extenso amalgama
de sonidos y texturas que caminan por la senda marcada de
Kusturica&Brégovic. Once canciones que compiten por la
victoria del mejor baile con el violín y el acordeón como maestros
de orquesta. Atmósfera de barrio en el que las penurias se pagan
con el vicio. Sentimiento y realismo interpretativo en un trabajo
compuesto por todo tipo de mezclas y fusiones cuya furia contagia.
Y una cuidada composición tanto en el plano vocal como en el
instrumental. Además, apuestan por un trabajo como concepto
heterogéneo. “Stivali e Colbacco”, puede que la piedra angular
sobre la que se apoya este meteorito sonoro. Pieza de nueve
minutos con una pasmosa interpretación en el plano vocal. Disco
cuyo componente mimético tras varias escuchas tiene un festivo
magnetismo. La tradición y la tendencia se mezclan llevando a cabo
una suma cualitativa de estilos en uno propio. Y es que tanto el
ska como el punk se postulan como principales referencias
estilísticas de este cabaret gitano. Gogol Bordello es un todo sin
fisuras, una mano amiga del movimiento y el compromiso social. Una
apuesta por la fusión entre la letra y el instrumento. Un trabajo
que se acompaña del impecable y eléctrico directo de la
formación.
Brett Anderson Slow
Attack Edel Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
La apuesta por la calidez así como por la ponderación de letra,
voz e instrumentación, juegan el principal papel del nuevo trabajo
de Brett Anderson. Once cuentos en los que el violín, piano y
guitarra acústica siempre están presentes. En ocasiones, como
“Frozen Roads” Elton John, en otras como “The Haunted”, Mike
Oldfield. Y es que los registros son variados pero con una misma
base llamada nostalgia. Influencias marcadas de una Inglaterra que
se adentra por momentos en las bases de la lejana Islandia con
Sigur Ros como formación de referencia en el estilo. Texturas que
evocan a la caída de la hoja otoñal así como el resplandor de la
flor de principios de verano. Nada de composiciones frías ni
argumentos tibios. La épica de este trabajo es enfrentar la
tristeza con la esperanza, la frustración con la superación. Once
escalas que inyectan una elevada dosis de atención en el receptor
desde la gélida “Hymn” hasta la efervescente “Leave Me Sleeping”.
Este ‘Slow Attack’ puede ser la banda sonora diaria de un
pensador.
Brand New
Daisy DGC Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Sonido oscuro de un post-rock nocturno e influencias de la
suciedad industrial, los Brand New, vuelven a la carga con una
clara influencia que bebe de formaciones como A Perfect Circle,
The Smashing Pumpkins así como de un Manson en versión ‘The high
end of low’. Trabajo en el que la experimentación de texturas
nacidas de la distorsión y los efectos de guitarras acústicas y
eléctricas, se prestan como principales elementos instrumentales.
En “Gasolina” se nutren de la senda iniciada por unos prematuros
Limp Bizkit. “You stole” es presentado como la pieza clave de este
‘Daisy’ con seis minutos ruidistas. Y es que el proyecto de estos
americanos es siniestro con un más que notable en el ejercicio de
estilo. Composiciones lúgubres, grises, quasi siniestras que
rebosan energía. En definitiva, que tiene tablas para próximas
aventuras dirigidas a un público amante del efectismo y el ruido
Richard Hawley - Truelove’s
Gutter 2009
por Abel Guerola -IndyRock
Si no se ha escuchado la música de Truelove’s Gutter, la primera
reacción de los fans de Richard Hawley puede ser de sorpresa y de
inquietud al comprobar que su nuevo disco está formado sólo por
ocho títulos y que dos de ellos (concretamente la cuarta
“Remorse Code” y el cierre “Don’t you cry”) suman entre
ambos más de veinte minutos. Por suerte, los temores se disipan al
comprobar que casi todo lo que ha convertido al de Sheffield en
uno de los músicos más coherentes y brillantes del último decenio
sigue ahí, aunque, eso sí, con algunas pequeñas novedades.
En éste álbum, Hawley sigue siendo lo más parecido a un Frank
Sinatra, un Roy Orbison, un Elvis Presley o incluso un Johnny Cash
que se puede encontrar hoy en día. Su música enlaza directamente
con la tradición de los grandes crooners y cantantes melódicos de
toda la vida, y en este terreno no hay ningún músico actual que le
haga sombra. Además, es gratificante comprobar que a pesar de que
sus discos se venden muy bien y de que es habitual encontrarlo
formando parte del cartel de muchos festivales de corte moderno
esto no significa que el británico haya rebajado ni un ápice su
discurso musical, que es decidida y apasionadamente retro. Su voz,
barítona, profunda y estremecedora, sigue siendo el elemento
central sobre el que se articulan unas canciones que, como casi
siempre, nos hablan de intentar aguantar con entereza entre amores
fallidos, desolación y melancolía.
Las principales novedades se han producido en el acompañamiento
musical. Hawley ha optado en esta ocasión por dejar que las
orquestaciones lustrosas (algunos pasajes llegan a recordar a
Mercury Rev) y las guitarras acústicas pasen a un primer plano, en
detrimento del sonido de banda más al uso al que recurrió en
anteriores ocasiones. Esta elección hace que “Truelove’s Gutter”
sea su disco más lento y de difícil escucha. Los oyentes no van a
encontrar aquí ninguna pieza tan alegre y accesible como “Tonight
the streets are ours” y si varias que van más en la línea de “The
Ocean”, osea, temas que empiezan de forma sencilla y crecen y
crecen hasta doler. Esta densidad unida a un par de momentos en
los que el británico está a punto de caer en la autoindulgencia
puede hacer que a muchos fans “Truelove’s Gutter” les parezca
menos redondo que sus dos obras anteriores. Por el contrario, a
los que adoren su faceta más triste y torturada un servidor les
asegura que éste se va a convertir en su disco favorito del de
Sheffield.
Sonido
Vegetal Sonido Vegetal 5000 Records 2009
por Diego Soto-IndyRock
Magnetismo. El nuevo trabajo de ‘Sonido Vegetal’ viene cargado de
una enérgica interpretación de su mayor influencia, el Reggae, así
como una apuesta por la fusión con detalles de otros estilos
originarios de Cuba. Atmósfera positiva en un recorrido de diez
tracks en los que se dejan caer también aportes orquestales al
tiempo que fusionan sonidos del ritmo jamaicano más Dub. En el
plano lírico, el compromiso social es su mayor seña de identidad
junto con la denuncia de los atentados de abuso de autoridad sobre
aquellos que por desgracia, no tienen la suerte de dormir en
hoteles de estrella. Además la inclusión de bases pinchadas así
como la introducción de viento y un potente bajo, les permiten
asentar el trabajo en una base rítmica de continuo movimiento,
imparable dinamismo consiguiendo un sonido con cuerpo y
personalidad. Ejercicio de estilo impoluto que se presta a la
interpretación en directo, donde a buen seguro conforman un
mensaje conjunto de calidad interpretativa.
Manolo Tarancón
Imperfectos Comboi Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Influencias de sí mismo. Intromisiones amistosas de los Dylan y
compañía. Detalles de un mundo comprometido con la reflexión que
se adentra en las historias cotidianas. Preocupaciones que a todos
atañen. Saben, ‘Imperfectos’ es una buena fotografía. O una
instructiva película. Un elaborado libro. Un sonido verdaderamente
encantador. En ocasiones, acude a la buena letra, clara y directa.
Exenta de moralinas. Simplemente dice aquello que el ser sencillo
y sentimental aprecia. Obra que se disgrega en diez canciones
compuestas desde la ambivalencia del estilo: contar con fundamento
lo que suscita el devenir de las cosas y conseguir el respeto del
que verdaderamente escucha más allá de las palabras. “Cómo me
acuerdo de ti” pone el broche final, al mismo tiempo que abre las
puertas a próximos trabajos. Manolo Tarancón demuestra que la
esencia de la “Música fácil” es mirar siempre al futuro no
perdiendo de vista la pormenorizada composición, asentada en una
buena pluma.
Brand New Sinclairs Ten Blue
Pills Bip Bip Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Bajo su nuevo nombre, Brand New Sinclairs (antes, The Sinclairs),
estos bilbaínos han lanzado un impecable LP a la altura de los
referentes de la generación beat. Diez (que son once) temas
asentados en una dinámica interpretación del estilo entremezclando
texturas del garage tribal y del groove con una acertada apuesta
en la combinación de las voces. Atmósfera de baile y guateque que
define a la perfección una época musical repleta de referentes en
la ya lejana España de los años 80.
Una explosión de continuo movimiento. Estratos de una depurada
técnica conjunta e instrumental que se presenta como un
jugoso entremés en el encuentro de su directo. ‘Bongo Time’, ‘You
Run’ o ‘ Eleven’, construyen una personalidad grupal de altura que
cuanto menos se podría introducir en cualquiera de las bandas
sonoras de Tarantino.
¿Algún pero?. Como toda crítica se podría revestir de alguna
pincelada a mejorar. Pero esto es cuestión de gustos. Con este
disco, seguramente más de uno comience a hablar de esta formación,
y para bien. Dicen los que les han visto, que su directo es puro
ritmo. No extraña. Tienen moldes de buena madera. Una buena nueva
para los amantes de las noches de garito y apasionado movimiento
BlueChild
No Verás Demasiado Producciones 2009
por Diego Soto-Indyrock
Dice la leyenda que detalla la corta pero intensa biografía del
grupo, que fue un niño el que dio el soplo David Azul, líder de la
formación, para que diese luz verde al actual proyecto musical,
BlueChild. Tras el primer trabajo, “Forever Living Young” (Tool
Music, 2004), regresan con un nuevo álbum que tras lo escuchado
está cargado de texturas venidas del glam rock. Toques góticos con
pinceladas de un suburbio llamado quehacer diario.
Los elementos de la naturaleza son la fuerza de sus composiciones
líricas, siendo la luna y el mar los símbolos que reinan este
universo oscuro de tinte cálido. Clásicos del estilo como The Cure
parecen haber influido en este nuevo lanzamiento. El aperitivo de
este “No Verás” tiene buenos detalles y salas como Caracol
(Madrid) o El Harlem Café (Palma de Mallorca), ya esperan su
presentación oficial.
The Chelsea Smiles – The Chelsea
Smiles 2009
por Abel Guerola - IndyRock
A medio camino entre los setenta y los ochenta, ahí se encuentra
sin duda la base del segundo disco de estudio de The Chelsea
Smiles, que además se titula como la banda. Formada por el
exguitarrista de Danzig y D Generation Todd Youth, los
norteamericanos suenan tanto a punk de los setenta (The New York
Dolls, The Stooges y los Ramones son 3 de sus influencias más
evidentes) como a ese sleaze rock de los ochenta que se dio sobre
todo en la ciudad de Los Ángeles.
Una de las principales virtudes de The Chelsea Smiles es que, al
contrario que muchos contemporáneos que se mueven en un terreno
parecido al suyo, consiguen imprimir suficiente fuerza, macarrismo
y testoterona a su música, elementos todos imprescindibles en un
disco como el suyo. El cuarteto no pretende engañar a nadie con su
discurso, y lo cierto es que aunque lo que hacen está inventado
desde muchos años, lo ejecutan con tanto oficio y convicción que
resultan creibles.
Sin embargo, poseer una cantidad notable de riffs y estribillos
pegadizos, e incluso realizar una excelente versión de The Rolling
Stones, no es sinónimo de quitarte la losa de tus referentes. El
problema de moverse en un estilo tan trillado como el que
practican The Chelsea Smiles es que siendo simplemente bueno no se
logra evitar del todo la sensación de “Deja Vu” y de “hay muchos
que lo hicieron muy bien antes que tú”. A pesar de esto, “The
Chelsea Smiles” es una escucha recomendable para los aficionados
al género.
Soap & Skin – “Lovetune for Vacuum”
2009
por Abel Guerola - IndyRock
Oscura, compleja y a ratos difícil. Doliente y gélida al mismo
tiempo. Todos esos calificativos sirven para explicar la música
que encierra el disco de debut de Anja Plaschg, nombre de mujer
que se esconde detrás de “Soap & Skin”. “Lovetune for Vacuum”
suena sorprendentemente serio y grave, sobre todo teniendo en
cuenta de que se trata de la ópera prima de una adolescente de 18
años. Tanta solemnidad hace que el disco esté a veces a punto de
caer en lo impostado y lo artificial, aunque por otra parte se
agradece hallar de vez en cuando personalidades musicales tan
marcadas.
Anja Plaschg une en sus composiciones su formación de piano
clásico a influencias contemporáneas como Portishead (sobre todo
en el uso de elementos electrónicos) o la Bjork más desquiciada
(la voz recuerda a menudo de forma más que casual a la de la
artista islandesa). La presencia de otras grandes mujeres de la
música de los últimos veinte años como Kate Bush o Tori Amos
también se deja notar a lo largo del álbum, que está formado por
11 canciones cantadas y dos piezas instrumentales. En todas ellas,
la tristeza y la melancolía son una constante, lo que hace de este
disco una escucha no recomendable para depresivos. Esta falta de
alegría unida a cierta homogeneidad hace que “Lovetune for Vacuum”
se haga a veces un poco denso, aunque canciones como “Thanatos” o
“Spiracle” constituyen un verdadero hallazgo.
Viktimas del Jäus
Viktimas del Jäus DFX Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Rock español con reminiscencias de los clásicos. Así, a groso
modo, se podría definir lo que hacen estos cinco madrileños. Desde
Rosendo hasta los Extremoduro("Mirada del Gitano") pasando por los
compases en algunos de sus tracks ("Una por vosotros") de los
americanos Offspring y los gallegos Def Con Dos (sobre todo el
campo de los coros), componen su variada forma de interpretar un
género en demasía. Trece temas que reflexionan sobre la vida y el
quehacer diario desde una óptica urbana e influenciada por el paso
del tiempo. Entre estos, llevan a cabo una más que atractiva
versión de "Por qué te vas".
Resulta curioso que no recurran más al género Ska pues parecen
desenvolverse con facilidad en este campo, algo que ponen de
manifiesto y casi a la perfección en uno de los temas más
interesantes de su trabajo llamado "Que voy a hacer". El punto y
final de este álbum lo asienta el electrizante "Toma". No son una
banda más del estilo o sí. Lo que está claro es que en este
trabajo homónimo dejan claro que son un conjunto de Rock que
trabaja bien los temas y que pueden ser una apuesta fuerte para
venideras oportunidades en festivales dedicados al género. En
definitiva, un buen disco, cargado de agradecimientos personales
con una visión global de lo que quieren hacer así como del público
al que destinan sus acordes.
Ivan
Julian&Capsula The Naked
Flame Bloody Hotsak 2009
por Diego Soto-Indyrock
Como un brote de cactus en los pirineos, como un viaje de intenso
ácido por la senda oscura del Rock&Roll de los 70, como un
manjar del que nunca quieres deshacerte, como el primer lavado de
la mañana, como una buena cerveza junto al tocadiscos. Y otras
muchas cosas suscita esta simbiosis entre uno de los referentes
del género ('Richard Hell&The Voidoids', The Outsets y
Lovelies), Ivan Julian, con un triplete de inconmensurable juego
suburbano que se refugia bajo el nombre de Cápsula (origen,
Argentina; acogida, Bilbao).
Entre los sonidos del Funk-Vodoo caminan los argumentos
instrumentales con los que presentan un proyecto cuanto menos
atractivo. Pero también resuenan los alegatos de grandes como la
Velvet, Iggy Pop, The Clash o incluso Hendrix. En esta nueva
aventura que se editará por este gran sello vasco (Bloody Hotsak)
el camino nos marca doce estaciones, cada una genuina, cada una
magnética, a cada paso se respira décadas doradas-pasadas. La
verdad que lo consiguen. ¿Por ejemplo?. Pues "You is dead", una
pieza maestra en la que el folk aparece recubierto de una intensa
melodía con bases del Rock pausado.
Y es que, sin que el peso del comentario se lo lleve Ivan
Julian, se menta a una de esas figuras que ha encontrado en NY
City un espacio, convirtiéndose en un emisor de ondas radiofónico
desde la lejanía. Como dice en su carta de presentación, Iker
Barandiaran, "Ivan es un monstruo; y sus discípulos de Capsula dan
miedo". No adelantamos más. Solo terminar citando que puede que
estemos hablando de una de las bandas más originales por su
combinación de estilos inteligente y pegadiza de los últimos años.
Por cierto, también apuestan por el vinilo.
Zutaten
ZTTN
Microsurco Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Está claro que el punk-rock está de enhorabuena. Zutaten, como
versa en su carta de presentación para los medios especializados
ya está aquí. Y es que como su propio nombre indica (en alemán,
Lista de ingredientes), es de muy variada y rica conjunción. Si
además, se tiene la suerte de poder disfrutar de ellos en directo,
dicha lista de ingredientes desborda calidad por los cuatro
costados. Cuatro porque son los componentes.
Con una mezcla de punk descaballedo y desenfrenado guiado por el
baluarte y showman del grupo, el cantante, con ritmos de guitarra
venidos en ciertos compases del heavy de calidad, ya componen dos
atributos de los que merece la pena nutrirse. En este trabajo,
megatrabajo, compuesto por 23 canciones, estos granadinos quieren
comerse el mundo. Como sigan así, más de uno en sus conciertos
terminará engullido.
Son buenos y lo hacen bien. Miden perfectamente el tiempo
del estilo que interpretan y no se pierden por la senda del
virtuosismo. Todo lo contrario, su apuesta es sonidos sencillos
pero con gancho. Y en muchas ocasiones, esta fórmula funciona. No
se sabe cual será su futuro más inmediato. Lo que está claro es
que como sigan con este electrizante buenhacer, pocos serán los
que se atrevan a ponerles pero. Enhorabuena.
Galadriel
Calibrated Collision Course Musea Records 2009
por Diego Soto-IndyRock
La experiencia es un grado. En ocasiones, más que eso. Antes de
entrar en el análisis de lo que para un servidor se ha convertido
en una de las mejores pesquisas de los últimos años, agradecer a
estos 'peaso' de músicos por deleitar a una clientela que
seguramente es muy fija.
Siete canciones, cerca de una hora de trabajo, una docena de
músicos, obras de casi veinte minutos como "As big as bang" así
como un sinfín de conjunciones de alta calidad, solo pueden estar
a la altura de una formación que respire el rock progresivo de
altas copas. En ocasiones, génesis, en otras pinkfloyd (sonidos
psicodélicos de incluso la época de barret), y de otras más
nobeles como los Dream Theater, aparecen recogidas dentro de la
maleta de este recomendable trabajo.
A diferencia de otras formaciones que pueden pecar de
demasiada atención a la reminiscencia, Galadriel también tiene su
estilo depurado, medido hasta el último microsegundo del compás
más rebuscado. Y es que un grupo como este que comienza su
andadura allá por 1986, debe de contar con sus minutos de gloria.
Aquí, los tiene asegurados.
"Press?.Sure!". Se cita este tema, aparte de por su precioso
sonido y composición instruemental de primer nivel, sobre todo por
su lírica, otro de los puntos fuertes de la formación. Sus dos
cabezas pensantes, José Bautista y Jesús Filardi, han sabido
combinar lo mejor de antaño con lo valioso del presente, de nuevos
sonidos.
Si a este plato fuerte, le unimos ciertos toques como los de
una prodigiosa voz que se esconde bajo la figura de Andy Sears así
como colaboraciones de otros tan potentes como Santi Pérez
(piano), el canario Miguel Alfonso o el buen bajista, José
Bautista, el manjar es puro caviar.
En definitiva, un verdadero placer para los sentidos. No es
usual encontrar a una formación que combine tan bien, vamos de
forma tan elegante, los elementos de los que dispone, y aquí en
este trabajo, aseguramos que son unos cuantos. Simplemente, una
obra de arte. De esas que, como los buenos vinos, ganan con el
tiempo. En este caso, con la escucha. Enhorabuena.
Los Planetas – Principios básicos
de astronomía 2009
por Abel Guerola - IndyRock
Más vale ser sincero y dejar varias cosas claras antes de abordar
la crítica de hoy, aún a riesgo de que a muchos lectores les
entren instintos homicidas. A un servidor Los Planetas le parecen
un grupo tremendamente sobrevalorado, que cuenta con unos
guitarristas que no siempre consiguen suplir con distorsiones y
efectos sus carencias y con un cantante que tal vez no es tan buen
letrista como muchos creen y que desafina más de lo que debería.
En directo, además, son una banda demasiado irregular, que muy a
menudo convierte sus actuaciones en experiencias decepcionantes o
directamente infumables.
Una vez dicho esto, también es justo reconocer que los granadinos
tienen, al menos, talento suficiente como para incluir siempre en
sus discos dos o tres canciones inapelables, capaces de convencer
durante cuatro minutos incluso a los que los odian. Y más que
talento, lo que el quinteto liderado por J y Floren ha demostrado
en esta ocasión ha sido una gran inteligencia a la hora de dar
forma a su primer recopilatorio de grandes éxitos en quince años
de trayectoria.
“Principios básicos de astronomía” tiene varías virtudes, pero la
principal es que puede gustar a todo el mundo, desde neófitos a
fanáticos recalcitrantes. Para los que no los conocen y para los
que no aguantan un disco entero del grupo, lo mejor ha sido optar
por sus 18 canciones más emblemáticas más un tema extra. Aquí se
encuentra todo el grano y nada de la paja: están sus himnos
generacionales (“Jose y yo”, “Un buen día”), sus canciones de amor
y venganza (“Segundo Premio”, “Pesadilla en el parque de
atracciones”) e incluso algunos de sus recientes acercamientos al
flamenco (“Alegrías del incendio”). Para los ya convencidos ha
sido pensada una suculenta edición limitada, que incluye un
libreto con un cómic de 48 páginas y un DVD con todos sus
videoclips.
Lo dicho, más que un grandes éxitos, “Principios básicos de
astronomía” ha sido una maniobra digna del mejor estratega.
Psycho
Loosers – Las chicas que me destrozaron el corazón 2009
por Abel Guerola - IndyRock
El disco que hoy nos ocupa tiene numerosos detalles que dejan
claro desde un primer momento que nos encontramos ante el típico
ejercicio de punk-pop lamentable y tópico. De este modo, “Las
chicas que me destrozaron el corazón” se convierte por
méritos propios en un ejemplo perfecto para que todos los
que odian el género se reafirmen en su creencia.
Lo primero que chirría, y de que forma, del segundo disco de
Psycho Loosers son las letras. Sus historias sobre lolitas de
myspace, inadaptados que espían a sus vecinas por la ventana,
pajilleros adolescentes y amoríos de campamento, entre otras
lindezas por el estilo, son de vergüenza ajena. Además, las
numerosas referencias cinematográficas a películas de terror como
“Scream” y a mitos de nuestra infancia como “Los Cazafantasmas” o
“La Historia Interminable” no ayudan precisamente a que la cosa
mejore. Tal vez alguien debería hablar con los tres miembros de
este grupo y, aparte de explicarles urgentemente el significado de
la palabra “metáfora”, tendría que decirles que es estúpido hablar
de ciertas cosas en la letra de una canción.
Respecto a lo musical puede que no haya tanto que explicar, ni
tantas razones por las que ensañarse. La música de Psycho Loosers
es, básicamente, un corta y pega de riffs, bases y melodías de
casi cualquier grupo que haya hecho punk-pop en los últimos 10 o
15 años, en el que la originalidad brilla por su ausencia.
Probablemente, la aspiración de este grupo será emular a los
grandes del género como Green Day, Offspring, Weezer o Blink 182.
En ese caso, más vale que se pongan las pilas o que se retiren,
por que con un despropósito como “Las chicas que me destrozaron el
corazón” lo único que logran es sonar como una versión
independiente de El canto del loco o de Pignoise.
Roy Loney&Señor No
Got me a hot one Bloody Hostak 2009
por Diego Soto-Indyrock
Tras la creación del sello de origen vasco Bloody Hostak, el
mítico Roy Loney (Flamin´Groovies), se une a los electrizantes
rockanroleros 'Señor No', banda de inusitada calidad. Esta
conjunción que por lo indagado, responde a una verdadera
casualidad, ha dado lugar a uno de los proyectos más interesantes
de lo que va de año en el género del Rock&Roll.
Doce temas componen este disco, doce auténticas joyas cargadas de
riffs verdaderamente apasionados y melodías venidas de los años
70, sin vestiduras ni medias tintas. Un placentero lujazo que
junto a proyectos como el Doghouse de Tom Lardner,
demuestran que los 'viejos rockeros' nunca mueren.
“Llevo mucho tiempo en esto y ya conozco a mi público, y él a mi.
En eso consiste: en convertirlo en una fiesta de amigos”, ha
declarado en una ocasión Loney. Y lo cierto es que, escuchando
este trabajo en cualquier sitio en el que se disponga a ello se
convierte en una fiesta de la que te hace partícipe del primer
tema.. No puedes dejar de moverte y disfrutar.
Lo cierto es que cuando escuchas este trabajo un halo de antaño te
recorre. De primeras, no se sabe muy bien si es cuestión de su
sonido de verdadera reproducción o por si, con el paso de los años
habías 'olvidado' el sonido de los grandes como Loney. Para los
que no conozcan el verdadero Rock&Roll, invitarles a que
escuchen a los Flamin´Groovies y después a este gran largo. A
todos aquellos que los conozcan de sobra, apostillar que disfruten
hasta la médula de ritmos tan frescos 40 años vista con este
excelente trabajo.
There For Tomorrow A little
faster Hopeless Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
En 2003 se forma esta banda con aires adolescentes y repetitivos
por seguir la pauta del Pop-Rock americano comercializado hasta la
saciedad. En este nuevo trabajo, el cuarto en su carrera, si se
cuenta el EP de 2007 llamado “Páginas”, consiguen poner sobre la
mesa un par de temas que a bien seguro, se convertirán en
referentes de este verano, quizá no tanto en España, pero
seguramente sí en el universo americano.
Entre éstos se encuentra “A little faster”, que da nombre al
trabajo y “Deathbed”, puede que el mejor. ¿A qué suenan?. Tokyo
Hotel, Sum 41, todo ello apoyado en las pautas iniciales de un
género secundado por los Blink-182. ¿Tienen buen sonido?, pues no
suenan mal. ¿ Destaca alguno de sus instrumentos?, la batería. ¿ Y
la voz?, sacada de la típica banda sonora de una película
americana para jóvenes.
Y es que, sin ánimo de ofender, este grupo, si bien es cierto que
se alejan de grupos de los que la crítica es más espesa que la
niebla del valle del Ebro, no presentan nada nuevo e innovador.
Repiten hasta la saciedad un estilo que no se entiende cuando va a
ser retocado. Disco para quinceañeras.
Blacanova
Madre.ep Beladrone Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Toda la crítica especializada, más aún en estilos tan poco
desarrollados como el Shoegaze en España, parecen haberse puesto
de acuerdo a la hora de alabar a esta formación de origen
sevillano. Lo cierto que éste, su tercer lanzamiento ( Monja.ep,
2007; Perro.ep, 2008 ambos autoproducidos), cuenta con una
asentada puesta en escena con cuatro pistas cuanto menos
atractivas.
Entre ellas, “Demonio Azul”, la última, se presenta como una
verdadera obra de arte de seis minutos de duración cuyos aspectos
a destacar son los densos movimientos, retumbantes pero de un
cuerpo y una fuerza verdaderamente pocas veces antes visto en
bandas de este país. Muchos los comparan con My Bloody Valentine o
Ride. Quizá la formación que más se apareje a su sonido sean los
Slowdive.
Además, una de las joyas que sorprende de este trabajo también
radica en que, con dos guitarras, un bajo y una batería,
acompañados de un dúo vocal continuado, crean una atmósfera que
parece contar con el triple de instrumentos. De entre sus citas
recogidas, su próxima ambición es ir a por el LP. Seguramente será
uno de los trabajos que con ojos de gacela deberemos ver desde la
crítica. Son buenos, sí sí. Sólo es cuestión de tiempo y de suerte
que lleguen a dar el paso a otras esferas.
Los Seis Días
Lunes Pupilo Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Hacía tiempo que no se encontraba en el panorama actual una
formación cuyo peso en todos sus argumentos fuera llevado a cabo e
interpretado por féminas. Los Seis Días es una interesante
formación cuyo mayor atractivo radica en su genuina interpretación
del estilo Pop al mismo tiempo, que su cálido acercamiento al
receptor con doce canciones que se asientan en un teclado
imaginativo y una voz sin muchos alardes pero con
personalidad. Y es que mezclan tracks en los que en
ocasiones caminan hacia una oscuridad principalmente lírica y
vocal, como es el caso de “Te odio”- chelo con dueto vocal
femenino-masculino con cuerpo y sentimiento sin revestimientos-,
mientras que en otras, apuestan por imprimir colores más vivos y
frescos como en “Globos Aeroestáticos” o “Miroko y las Luciérnagas
Tristes”. Lo cierto es que, sin inventar nada nuevo, incluso en
ocasiones repetitivo, construyen un mensaje uniforme en este Lunes
en el que puede que la figura del teclado se quede un poco
silenciada cuando se intuye que tiene más cosas que decir de las
que ha dicho en este trabajo. En todo caso, se anima a su escucha.
Por su atractiva sonoridad y sus vivas texturas.
Still Flyin’ – Never Gonna touch the
ground 2009
por Abel Guerola - IndyRock
Cuando uno escucha el disco de debut de Still Flyin’, al final es
fácil que al oyente le acabe quedando la sensación de que “Never
Gonna touch the ground” podría haber quedado resumido en un EP
magnífico. Si en lugar de once canciones, el grupo se hubiera
quedado sólo con los cuatro o cinco mejores momentos del lote (que
son, para un servidor, “Following the itinerary”, “Forever Dudes”,
“Good thing it’s a ghost town around here” y “The hot chord is
stuck”) el resultado hubiera sido muy distinto. Estos cuatro temas
condensan perfectamente el sonido de esta banda de San Francisco,
que suena casi siempre como una versión juguetona y alegre de
bandas de reggae y world music de principios de los ochenta como
The Specials. A pesar del peso de estas influencias, las adorables
y deliciosas armonías vocales femeninas y el timbre de voz de su
cantante (que a menudo recuerda al vocalista de REM, Michael
Stipe), hacen que Still Flyin’ tengan un sonido bastante personal
para tratarse de un primer disco.
Aunque, como ya se ha dicho, los momentos brillantes de este disco
están intercalados con otros menores o que no pasan de anecdóticos
(como “Act of jamming” o “No go-kart ideas”), a Still Flyin’ se
les intuye el potencial y la calidad suficientes como para que en
futuras entregas, en las que la banda tenga más experiencia y se
tome más en serio a sí misma, consigan hacer algo realmente bueno.
Presidio Presidio
2009
por Diego Soto-Indyrock
Vaya sorpresa. En la mayoría de las ocasiones, junto al disco que
nos llega a la redacción de Indyrock, viene adjunta una sinopsis
del grupo a criticar. En el caso de éste, se alega que es el
primer trabajo. Pues menudo debut. Nueve temas que se asientan en
una cuidada composición. Buenas guitarras, una voz que guía
bastante bien a los tracks, así como una batería de lujo, pueden
ser los argumentos que definen a un sinfín de bandas. Pero cuando
además de ese atributo, el cuerpo es una unidad indivisible en la
que cada uno tiene su espacio exento de protagonismo por alguna de
las partes integrantes, el producto comienza a subir de
nivel.
De este trabajo se destaca- lo que no quiere decir que los demás
sean de menor grado- “Te digo Adiós”, “A tren” ( con un ritmo
galopante, potente en el que el dúo de las guitarras en el clímax
es una delicia) y “Independiente de ti”, por su gancho y frescura.
¿Por dónde camina el estilo de la formación?. En ocasiones,
sonidos de Soundgarden aparecen. Aunque en otros, reminiscencias
de los Tierra Santa se presentan. Y es que aquí reside el mérito
de este buen trabajo. Sin abandonar el estilo del Rock y del
Metal, fusionan sin heridas, las variedades de un género mezclando
los sonidos que cada uno de ellos aportan.
Otro de los elementos interesantes de este lanzamiento radica en
el atrevimiento de la banda por lanzar, todas sus canciones tanto
en inglés como en español, lo que denota que la instrucción
musical de sus componentes queda más que probada. En definitiva, y
sin más dilación, invitar al lector a que escuchen este disco. Es
fresco, transparente y lo que, puede ser lo más importante. Tiene
energía positiva. Enhorabuena.
Dan Auerbach – Keep it Hid 2009
por Abel Guerola- IndyRock
Si hubiera que definir con una sola palabra la música de “Keep it
Hid”, debut en solitario de Dan Auerbach, “raíz” probablemente
sería una buena opción. Dan, una de las mitades del dúo de
garage-rock de Ohio “The Black Keys”, se ha sacado de la manga un
disco que recorre a lo largo de catorce canciones gran parte de
los orígenes de la música popular norteamericana.
En “Keep it Hid” podemos encontrar casi de todo: country (“Trouble
weighs a ton”); baladas soul (con otros arreglos, “Whispered
words” podría pasar por una canción de Otis Redding); temas lentos
a lo Motown (“When the night comes”) y, sobre todo, mucho blues y
rock de corte clásico.
La producción y los arreglos del disco están acordes con un
repertorio tan añejo, lo que significa que el sonido de “Keep it
Hid” es sucio y pantanoso como una ciénaga, con fuzz y guitarras
distorsionadas por todas partes. Y aunque a los fans de la baja
fidelidad y de lo analógico y “auténtico” esto les encantará, el
sonido es, al menos para un servidor, el gran punto débil de este
álbum. “Keep it Hid” tiene canciones excelentes que, con una
producción un poco más cuidada, podrían haber llegado muy lejos.
El problema es que tal como han sido grabadas hacen que el disco
se quede en anécdota divertida o en “proyecto paralelo de”, con
todas las connotaciones negativas que tiene esa etiqueta. Eso sí,
los fans de grupos como The White Stripes o Wolfmother deberían
darle una oportunidad.
Pulsar
Música para A nimales Tábano Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Entre melodías parejas a los de Tool y desenlaces guitarreros de
los Soundgarden en algunos de los tracks, camina el estilo por el
que Pulsar lanza este nuevo proyecto con una potente producción al
igual que un cuidado sonido. Batería potente con personalidad,
guitarras- la principal lo borda en 'Panorámica Práctica'- con un
mensaje transparente y una voz con fuerza. Éstos podrían ser los
principales atributos de una formación que a pies de gigante se
está introduciendo en los circuitos de calidad.
Diez tracks con energía, sin complejos a la hora de interpretar un
estilo trillado hasta la saciedad y más en estos modernos tiempos.
Pero estos tíos se saben salir del guión del género. Y de que
forma. Quizá lo mas interesante del trabajo radica en la mezcla de
una lírica con mensaje y que no recurren al trillado estilo inglés
para hacer llegar sus teorías musicales. Aunque el hilo argumental
del disco es bastante uniforme, si existen variaciones que
refrescan un cesar continuo de sonidos a los que acuden. Esto se
puede ver en algunos de los tracks como 'La Gran Función',
así como el 'El Día Menos Pensado', puede que el tema más
versátil.
En definitiva, un disco correcto en el ejercicio de estilo. Sin
alardes ni virtuosismo pero si con un cuerpo y fisonomía conjunta
que permiten al receptor quedarse, en la primera escucha, con
algunos de lo sonidos y letras por las que caminan los animales de
este bosque. Pronto los veremos en festivales de renombre, y si no
es así, en salas en las que el público asistente sabrá a lo que
va.
Propagandhi - Supporting
Caste - Hasslerecords 2009
Por Diego Soto-Indyrock
Batería potente y de calidad, originalidad en los argumentos de
una creativa guitarra así como una potente voz, pueden ser los
mejores atributos que componen este trabajo de la canadiense
formación Propagandhi. Doce temas de tralla, composición medida
hasta el último atributo y letras llenas de mensaje abren la
puerta a una formación para entrar en el exigente mercado del Hard
Rock con tintes más suaves asentados en el Rock.
Y es que no es fácil hacer lo que ellos llevan a cabo. Por un
lado, como se puede demostrar en una de las obras maestras del
género de lo que va de año, “Last Will&Testament”, pieza de 15
minutos, el amalgama de colores que emplean, bien sean coros, bien
se apoye su argumentación en la variante batería, ponen de
manifiesto que lo que les va no es hacer por hacer. En otros
tracks, “Dear Coach´s Corner”, “The Funeral Procession” o “
Without Love”, buscan ya no solo sonar bien, sino convencer
llevando, en la mayoría de los citados, un cuerpo uniforme. Es
decir, sin dejar fuera de los mismos ningún ápice sonoro.
Faith No More u Offsrping, ya tienen discípulos avanzados. Primero
porque deben haber mamado muy jondo los sonidos de los primeros;
segundo por su versatilidad al combinar todos los elementos, y
simplemente, porque son buenos músicos y eso es una de las piezas
angulares por las que camina esta senda de luchas y rencores
humanas en el quehacer diario.
Mi Animal Sotto
Voce Records Label 2009
por Diego Soto-Indyrock
El primer largo de estos madrileños parece haber estado pautado
desde el comienzo como el trabajo con el que querían dar un paso
más allá de las horas de ensayo, y cuya recompensa eran directos
sin álbum publicado. En este 'Sotto Voce', nutren, en ocasiones de
rock, en otras, con texturas más venidas del Pop, diez temas
idóneos para ser interpretados durante el verano que ya asoma, en
escenarios donde su ameno sonido se intuye, sea un disfrute para
el público asistente.
Canciones pegadizas apoyadas en una voz poco potente pero
llamativa así como en una buen empleo guitarrístico. Sin duda, el
primero de los tracks, ? Viva lo bueno? es la pieza más contagiosa
de este trabajo cuyo desenlace instrumental final, es de buen
calibre. ?Tiempos Extraños? es otra de sus canciones más
llamativas en la que reflexionan sobre el valor de las cosas en
este mundo en el que todo tiene un precio.
Se desvela, desde la distancia en Andalucía, pero por conocimiento
de las calles de Madrid, que sus historias transcurren en
escenarios de la capital y cuyos personajes podemos ser todos y
cada uno de los que elegimos este destino para disfrutar de sus
interactivas noches. Buen lanzamiento debut. No es música para
grandes festivales pero a veces, los grandes encuentros se
inspiran en pequeños reductos sociales. Que mejor que la noches de
Madrid para disfrutar de esta incipiente formación.
Bowerbirds – “Hymns for a dark
horse” 2009
por Abel Guerola- IndyRock
Pocos hubieran sido capaces de prever hace 10 años, en un momento
en el que el nu-metal llenaba estadios y la mitad de los grupos
del mundo querían sonar como Radiohead, que en la entrada del
nuevo milenio la música americana de raíces gozaría de tan buena
salud y de tantos seguidores. De hecho, el llamado neo-folk
o neo-country se ha convertido en uno de los géneros más en boga
dentro de la música independiente actual.
Bowerbirds, la banda que hoy nos ocupa, viene a engrosar esa lista
de grupos que tienen su fundamento en el folk de los 60 y 70 y
también en músicos contemporáneos como Devendra Banhart, del que
toman su vertiente más amable y menos psicodélica y mística. Este
trío de Carolina del Norte nos presenta en su debut 12 piezas
aparentemente sencillas en las que demuestran un gran gusto a la
hora de componer armonías vocales elaboradas y pegadizas al mismo
tiempo.
En lo musical, las piezas de “Hymns for a Dark Horse” están
construidas casi siempre en torno a la guitarra acústica y al
bombo. A partir de esta base mínima, el grupo ha incluido en sus
canciones numerosos detalles de violín, acordeón, banjo o
pandereta que enriquecen y dan brillo al conjunto.
Aunque la mayoría de las canciones incluidas en “Hymns for a Dark
Horse” son excelentes (salvo el último tercio del disco, que se
hace un poco aburrido) hay tres piezas que quizás destaquen sobre
las demás: “In Our Talloons”, “Bur Oak” y “My oldest
Memory”.
Visto lo visto en su opera prima, sólo queda desearles a
Bowerbirds el reconocimiento que se merecen, cosa que no siempre
es fácil es una escena que va camino de la saturación como la del
neo-folk
La
bien querida “Romancero”2009
por Abel Guerola - IndyRock
En más ocasiones de las que serían deseables, el periodismo
musical funciona de una forma bastante previsible. El disco que
hoy nos ocupa es uno de los ejemplos más recientes de este
comportamiento. Y es que está claro que si desde tú primera
maqueta consigues que gente como J de Los Planetas o Antonio Luque
se fijen en ti, es difícil que algún crítico musical hable mal de
tu opera prima. Dicho y hecho, el primer álbum de Ana
Fernández-Villaverde, nombre que se esconde detrás de “La bien
querida”, ya ha sido calificado de obra maestra e incluso de mejor
disco de debut en lo que va de año por diversos medios
especializados.
Más allá de las alabanzas quizá un tanto hiperbólicas, la primera
impresión que causa este disco no es demasiado prometedora. Aunque
la producción de “Romancero” es sumamente imaginativa y rica en
detalles, da la impresión de que Ana Fernández siempre canta igual
y habla de las mismas cosas, básicamente amor, desamor y despecho,
tenga el fondo musical que tenga. Da igual que la canción sea
revestida de tecno-pop (“9.6”) o incluso tenga ciertos aires
aflamencados (“El zoo absoluto”); da lo mismo que suenen flautas,
trompetas o violines arabescos, “La bien querida” parece querer
convertirse por momentos en una versión indie de Conchita.
Por suerte, no siempre las primeras impresiones son las correctas.
Tras varias escuchas, en “Romancero” se acaban encontrando
media docena de pequeñas joyas pop, fuertemente influenciadas por
los grandes nombres del indie español de los últimos 15 años, y
también por cantautoras de los setenta como Cecilia. Y aunque la
forma de cantar de Ana es ciertamente monocorde, su timbre de voz
acaba entrando al oyente.
Como conclusión final se puede decir que aunque “Romancero” posee
bastantes virtudes, también tiene los defectos ya mencionados en
el segundo párrafo, así que es muy probable que este álbum no sea
la obra maestra que muchos quieren ver. En todo caso, antes de
consagrar a “La bien querida” habrá que ver lo que su talento da
de sí en futuras entregas. Sólo entonces se sabrá si Ana Fernández
es una realidad o es flor de un día.
Eh! 36 de 48 Bcore
Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Cuanto menos sorprendente, experimental y potente. El trabajo del
nuevo proyecto de Elías Egido (Standstill, E150), es una mezcla
continua de elementos jazzísticos y electrónicos, de envolventes
texturas y sonidos como extraídos de una banda sonora. Lo cierto
que en sí, lo es. Diez tracks potentes, compuestos fuera de los
canones comerciales y sí instigados hacia la vanguardia
instrumental. Grupos como Fantomas o Tribal Tech aparecen en este
trabajo como influencias de las que se intuye, se nutre el autor y
compositor.
Otro de los aspectos realmente atractivos de este álbum reside en
la variedad de instrumentos con los que se componen los tracks.
Desde el Themerín hasta el Serrucho con arco pasando por la
Calimba eléctrica, se argumentan temas como 'Valores por Retales'
y 'Un cantante afónico, un pianista de cocktail y un batería',
cuyo mejor aliado es el sonido esquizo. En otros como 'Huella del
otro', con el que se cierra este buen trabajo, la tenebrosidad que
por momentos se emplea, parece venir de la mano el grupo inglés
Portishead.
El sonido hardcore también tiene su espacio reservado en esta
genuina Obra. Puede que por su influencia con E150, formación de
gran calado en la que los sonidos extremos abordan gran parte de
la instrumentación empleada. No es un disco para estadios ni para
promociones televisivas. Sus partituras van más allá, un paso por
encima de lo actual. Es un disco para disfrutarlo, masticándolo
hasta la insipidez en un espacio elegido por el oyente para entrar
en trance con la verdadera experimentación.
Speak
Low Hands up Lovemonk 2009
por Diego Soto- Indyrock
Vaya sorpresa. Sí señor. Por lo menos para un servidor. En el
circuito del Soul y el Funk, grupos como Speak Low suenan ya como
veteranos por su buen hacer tanto en el estudio como en los
escenarios, y no sorprende que una vez aventurado en la escucha de
sus tracks, la calidad y el buen gusto, sean aliados de la
vibración sentida. Pero lo verdaderamente sorprendente es que en
este 'Hands up', han ido más allá. Es un muy buen trabajo, tanto
por la parte instrumental como por la producción. En ocasiones
pinceladas de Albert King, en otras, contagiosos ritmos de John
Patton o Larry Young- sobre todo en el proyecto lanzado en 1964
llamado Testifying, Young Blues and Groove Street- permiten
disfrutar tema tras tema, de una formación con muchas ganas de
hacer buena música.
No es un típico disco de Funk. Que va, que va. Aquí estos tíos
declaran haber mamado del buen Jazz, del sesentero. Sucio y
fresco. Esto más que puesto sobre la mesa es desarrollado en temas
como “I want my money back” o “This letter”. Verdaderas joyas.
También resaltar el sonido oldie que imprime el saxo tenor y
teclados en uno de los mejores tracks que han llegado a esta
redacción: “Take your time”. Del mismo modo, en otro de los más
atractivos por su dinámica forma de interpretar los tiempos es
“Soul is what you got”.
Si a esto le unimos que en el penúltimo de los temas hacen una
versión superatractiva, distinta a las lanzadas hasta el momento,
del “Thriller” de Jackson, la cosa deja un gustazo difícil de
olvidar. “Uba-Yuba”, con el que cierran el disco, es un directo
desde Italia en el que escuchándolo, da pena no haber asistido al
mismo. En definitiva, estos tíos- ojo, todos venidos de
formaciones que están pegando fuerte en el último lustro como
Vetusta Morla-, tienen un sentido para el estilo realmente fresco.
Y esto, es de agradecer. Gracias y enhorabuena.
Fabio & Glitter Klinik – “Bye bye
supersonic” 2009
por Abel Guerola- IndyRock
No eran pocos los que esperaban como agua de Mayo un nuevo disco
hecho en conjunto por Fanny Mcnamara y Luis Miguélez. Para
encontrar la última colaboración de estos dos emblemáticos
personajes de la movida hay que remontarse al 2001, año en el que
publicaron, bajo el nombre de “Mcnamara”, “Rockstation”. Hoy en
día este disco está considerado un clásico y, visto con la
perspectiva suficiente, parece claro que dicha grabación fue un
elemento importante a la hora de redescubrir la música española de
los 80. Tan de moda se ha puesto esta década desde entonces que,
hoy en día, veteranos como Fangoria venden más discos que nunca y
grupos como Nancys Rubias han hecho de todo lo “glitter”, “glam” o
“petardo” algo previsible, inofensivo y aburrido. Y esa era la
otra razón, aparte de la nostalgia, para esperar un disco de esta
pareja; era necesario que los maestros pusieran en su sitio a
tanto alumno que no pasa de mediocre. Y se puede afirmar que, al
menos parcialmente, lo han conseguido.
Lo primero que llama la atención de “Bye bye supersonic” es que
hay una mayor presencia de teclados y sintetizadores que en otras
ocasiones. Estos han corrido a cargo de Juan Tormento, quien ya
coincidió con Miguélez en grupos como Glamour to Kill. La guitarra
eléctrica de Luis, por el contrario, ha pasado a ocupar casi
siempre un segundo plano, y lo cierto es que se echan de menos
esos riffs pegadizos y resultones marca de la casa. Lo que si se
ha mantenido prácticamente intacto es el talento de Mcnamara para
escribir letras surrealistas, humorísticas y petardas. Y es que
estrofas como “España es sangre en la arena, aceite puro de oliva,
jamón serrano escondido debajo de tu capote” están al alcance de
muy pocos.
Por desgracia, aunque el disco tiene bastantes momentos dignos de
la pareja que lo firma (“Lo que tú digas cariño”, “España es
different” y “Celebritis” son lo mejor del lote y valen más que
toda la discografía de Nancys Rubias junta), no todo el minutaje
del álbum está igual de inspirado. Tan es así, que hay un par de
canciones que dan la sensación de estar echas con el piloto
automático. Estos momentos menores hacen que el disco quede un
poco por debajo de obras maestras como “Rockstation” o “Como está
el servicio de señoras” (único disco que sacaron Almodóvar y
Mcnamara como dúo musical). A pesar de esto, Luis Miguélez y
Mcnamara han demostrado con “Bye bye supersonic” que, aunque hayan
pasado ocho años, siguen sin tener rival en su terreno.
Luis Ramiro Dramas y
Caballeros Relocos Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Agradable sorpresa la que presta el último trabajo de este joven
cantautor madrileño, que tras abandonar sus influencias más
metaleras de sus comienzos, se refugia en el rocanrol y la poesía
transparente, desnuda, emulando en cada uno de sus tracks, la
figura de un niño al que no le ha faltado la imaginación. Trece
temas de exquisita composición y acompañamiento- la formación que
le acompaña es deliciosa- en los que la aportación de trompetas,
piano y violín, supone un lujo.
Otro de los atributos de este trabajo, es la personal y profunda
voz de Luis Ramiro, permitiendo al receptor entrar a ser partícipe
de historias, que como defiende el propio autor, la gente lo hace
suyo, aunque no hayan vivido la misma experiencia. El
desamor y la incomprensión de este sentimiento, pueden ser los
hilos argumentales de este Dramas y Caballeros, en el que la
figura femenina se confirma como un referente continuo para el
artista.
Por temas, destacar “La distancia”, en el que el abanico de los
instrumentos protagonistas en el mismo, lo dotan de un cuerpo
verdaderamente envolvente y del que se intuye, ser todo un éxito.
También nos encontramos con “Relocos y Recuerdos”, en el que
mezcla colores venidos de la rumba y el tango con cierto sabor a
melancolía pero cargada de vibraciones positivas, siendo su final,
de verdadera talla. En “Tonterías” o “Te quiero y Te Odio”, la
calidez del piano, violín y chelo, encuentran el refugio en la
voz.
Y es que para sugerir al lector-oyente, en que se basan cada una
de las canciones así como el gusto que tiene por elaborarlas y
desmenuzarlas con un toque muy personal, no quedaría espacio vacío
en varios folios en blanco. Por último, por su salida del
guión y su calidez en los tiempos, resaltar “Paraíso con gastos
Pagados”, en el que vierte a la formación sonidos venidos del
Reggae. Verdaderamente, una joya de esas que con el tiempo, como
los buenos capricornios, toman la esencia de lo que son y juegan a
ser valedores de una obra póstuma. Enhorabuena Luis,
enhorabuena.
Idealipsticks Radio
Days Rock on Music2009
por Diego Soto-Indyrock
Bien, muy bien. En ocasiones, la sorpresa llena como si de un
directo se tratase al escuchar un trabajo con tanto gancho y
potencia. Personalidad y buen gusto, es lo que tienen estos tíos-
Eva y Jave Ryjlen- para ser capaces de poner a tal altura, un
estilo en demasía poco experimentado. A veces sucios, otras
elegantes, muestran una transparencia en los sonidos digna de
agradecer. Imprimen, pintan, colores, por momentos, rojo burdel en
las aceras que marcan el final del bar de borrachera, así como
aquellos que evocan a noches desenfrenadas pisando el acelerador.
Vamos, una delicia. El movimiento de cadera está asegurado.
¿A qué suenan, o mejor preguntado, a quién se parecen?. Pues a
nadie. Tienen un sonido único. Quizá aquí radique, perdonen
personalice, mi trance con esta formación. Y es que no se les
puede buscar antecesor. Está claro que suenan a otros, en ciertos
cortes puesto que interpretan un estilo, por cierto, Rock garagero
puro y duro, muy secundando. Once temas, de los cuales, los que
cuentan una mano, pueden ser perfectamente temazos de baile y gozo
en las pistas. Entre ellos, “There is no Music at Home”, cuyo
atractivo radica en la repetitiva claqueta, o “Frozen Head”, en el
que pululan las ondas magnéticas del Rock sin complejos.
Del mismo modo, acogen sonidos muy bluseros maquillados con
potentes guitarras que se ponen de manifiesto en “I don´t love me
anymore” o “Bitch and Whore”. Pero aún hay más. Tres son los
tracks que lanzan como piezas de presnetación: “The king has
died”, ( todo un hit, huele a single, Julio Ruiz de Radio
3), incluido en este trabajo, y “Forever” y “He was my
friend”, como pinceladas para el venidero. En definitiva, y sin
complejos, uno de los mejores trabajos de lo que va de campaña.
Frescura y limpios ritmos, hacen un disfrute la escucha continua
de este Radio Days. Enhorabuena.
Ben Lee The Rebirth of
Venus New West Recordx 2009
por Diego Soto- Indyrock
Pop puro y duro, con tintes comerciales que se refugian en una
instrumentación venida de lo más curtido del estilo así como una
lírica, en ocasiones, algo pastelosa, en otras, puede que
aceptable. La composición conjunta puede tener un aprobado, no
alejándose de su anterior trabajo en el que también apostó por
llevar a cabo la construcción de los tracks con sonidos en los que
comibina texturas de Bob Dylan así como en otras, se aleja y se
enfrasca en lo más pink de Elton John.
En temas como, “I Love Pop Music”, deja claro que sus intenciones
son las de secundar un estilo trillado pero con un toque jovial,
muy cercano a las bandas sonoras de Disney, por decir algo.
Está bien producido, emplea buenos colores en temas como “Yoko
ono” o “Boy with a Barbie”, en los que también introuduce texturas
más electrónicas al estilo de Mica. El mejor tema de este trabajo
es “Families Cheating at Board Games”, obra que realmente si
pertenece a las buenas piezas del estilo, en su concepción
moderna. Influencias de Coldplay.
Trece temas gustarán al receptor que se incline por sonidos
venidos de los tracks puestos en radio o en la Mtv, pero que no
encontrán acogida en todos aquellos que prefieran un poco más de
suciedad en el estilo. Puede que sea demasiado pastel. En
definitiva, un disco para escuchar pero que no supone nada nuevo
ni cuanto menos, no inventado. Esperemos que este compositor y
músico, se decante en trabajos venideros, por algo más de
influencias construidas.
Noise Box Locked up in a Human
Body Sunnday Records 2009
por Diego Soto- Indyrock
Elaborada composición con buenos tintes de guitarra y batería, voz
y lírica potente así como las influencias del conservatorio,
pueden ser las principales características del último trabajo de
esta formación murciana. Lo cierto, es que es un verdadero trabajo
de talla y retoque. Quince canciones, abanico en cada tema de
colores y texturas de lo más indagadas así como influencias bien
marcadas de grandes formaciones, permiten acontecer que este
'Locked up in a Human Body', supone una Obra de calidad.
El trabajo comienza con una melódica intro, de cambio ascendente
cuyo verdadero atractivo se sustenta en la conexión directa con el
segundo de los tracks, “We are made of Sand”, un buen tema apoyado
en las raíces del Rock con tintes Pop cañero, en el que se puede
intuir la influencia de bandas, en algunos de los compases, de
Smashing Pumpkins. En otro, “Alexandrine Year”, tiran más por el
camino, sobre todo al principio, de los R.E.M, dando paso a
“Another You”, pieza de calidad en la que la voz de Alondra
Bentley, da color a un tema reflexivo.
Y es que se descifra una buena formación por parte de todos sus
integrantes por la cantidad de texturas venidas de otras bandas
predecesoras a ésta, de calidad. Además, la combinación de fuerza
rítmica dada en los anteriormente citados temas o en “Something To
Bury”, es mezclada con pausas bucólicas de “Someone Pay the
Ransom” o la instrumentación cuidada de “Hoax”, en la que buscan
sonidos venidos de los Soundgarden. Estos atributos, no los tiene
cualquier banda. En definitiva, la calidad no entiende de estilos
sino de duro trabajo, y el aquí interpretado, se sale. Buen
disco.
Hatcham
Social “You dig the tunnel I’ll hide the soil” 2009
por Abel Guerola- IndyRock
Hoy en día hay tantas bandas que toman como referencia los ochenta
que a menudo cuesta diferenciar el grano de la paja y discernir
entre lo que es bueno y lo que simplemente se suma al carro del
revivalismo para conseguir notoriedad. Por suerte, los fans de
dicha década hoy pueden estar de enhorabuena; el debut de Hatcham
Social es una maravilla que suena a pop-rock ochentero por los
cuatro costados.
El disco de los londinenses empieza de forma prometedora con
“Crocodile”, un temazo que parece directamente sacado de
cualquiera de los cinco primeros discos de Echo and the Bunnymen.
Y no será la última vez que recuerden a los de Liverpool, ya que
la forma de cantar de Tobias Kidd es claramente deudora de la de
Ian McCulloh. La segunda canción, “Sidewalk”, aparte de tener uno
de los riffs de bajo con más sentimiento que un servidor ha podido
escuchar en bastante tiempo, nos hace intuir que nos encontramos
ante algo grande; sensación que se confirma con los nueve temas
restantes que forman “You dig the tunnel I’ll hide the soil”. Once
canciones en total en las que no hay ni pizca de relleno; once
perlas que suenan a los The Cure de la primera época (a los de
“Jumping someone else’s train” o “Killing an Arab”), a la
distorsión guitarrera de Jesus & Mary Chain y a otros tantos
grupos de la época.
Si se le puede poner alguna pega al debut de Hatcham Social es que
es tan bueno que se hace corto. Con un par de temas más, “You dig
the túnel I’ll hide the soil” hubiera sido insuperable. Aún así,
un debut enorme, especialmente indicado para aquellos que creen
que el mejor disco ochentero de la temporada es el último de The
Killers.
White Lies To Lose My Life
Polydor 2009
por Diego Soto-Indyrock
“Cultos y oscuros cuentos alrededor de ganchos como rascacielos y
coros galopantes perfectos para la radio” (The Guardian), “Todo
está en su sitio, es ambicioso y deliciosamente oscuro. El punto
de referencia se ha elevado” (The Fly). Son algunos de los muchos
comentarios que la prensa especializada está llevando a cabo sobre
esta joven formación inglesa que con este primer disco, dejan
claro que lo suyo no son proyectos a medio gas. Van a por todas y
de qué forma. Este 'To Lose My Life', no es una mera presentación
de lo que quieren o intentan llevar a cabo. Es un disco de alta
calidad debido a su exquisita composición y su potente estilo, el
cual, radica en contar sus historias desde la óptica de tintes
subterráneos, verdaderamente oscuros.
Toda una sorpresa para el mercado del género impuesto por bandas
como Joe Division, U2 o Interpol. Y es que suenan muy bien. En
este álbum debut, ofrecen diez temas que van desde la intachable
“Death”, con el que abren las puertas de este trabajo, hasta los
orquestales “Unfinished Business”,-tema original de 15 minutos
pero que en el disco es acortado- y “The Price of Love”, con el
que cierran de forma elegante toda la Obra.
En otro de los tracks que lleva por nombre “Farewell to the
Fairground”, el sonido a los Depeche Mode resuena por los cuatro
costados del mismo. Y es que el apostar por la oscuridad lírica y
combinarla con texturas venidas de la década de los años 80,
funden su música en una deliciosa mezcla de nostalgia y new age
perfecta. En definitiva, uno de los mejores trabajos de lo que va
de año por su frescura, tablas y ganas de llenar estanterías.
Enhorabuena.
Anarbor Free Your Mind
Hopeless Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Pop-Rock melódico sin muchos remilgos ni virtuosismos. Forma
sencilla de interpretar un estilo cada vez más demandado e
interpretado, sobre todo por bandas americanas venidas de
California. 'Free Your Mind', se compone de siete pistas en las
que se puede intuir que con trabajo duro, en unos años, estarán en
las listas de los festivales del género. Una voz potente,
con personalidad y una batería con suficientes argumentos para
dejar como digno este trabajo, son sus principales
atractivos.
Sus temas con mayor gancho, pueden intuirse como “Where The Wild
Things Are”, tema rabioso de energía 'estudiantil' que se intuye
como éxito de radios comerciales en su campo, o “Halfway Sober' en
el que imprimen sus influencias de bandas como Eagle go Cherry o
Goo Goo Dolls, mediante el predominio de texturas melódicas
exentas de virtuosismo. Le siguen otros tracks, puede que con
menos gancho, valoración subjetiva que va acorde a cada receptor,
como pueden ser 'Always Dirty, Never Clean' y 'Passion for
Publication' cuyo máximo atractivo radica en que maman de grupos
míticos del género como Blink-182 o Sum 41.
En definitiva, no supone el trabajo del año pero si una fresca
aportación con nuevos matices y conceptos a un estilo tan
trillado. Seguramente, publicarán más trabajos.
Fleet Foxes: los Ángeles inquietantes
del folk made in USA
por Muriel Mo - IndyRock
Fleet Foxes: ¿Quién se esconde detrás de este nombre extraño? Un
oscuro grupo heavy metal que adora un improbable dios-animal de la
foresta ? Nada más alejado de la realidad. En efecto, los Fleed
Foxes se acercan más de un Bambi que de un lobo salvaje…aunque,
como se sabe, no hay que fiarse de las apariencias.
Originariamente los Foxees se componen de dos tíos de Seattle, dos
compañeros de la escuela que comparten la misma pasión por el folk
de los orígenes. Robin Pecknold y Skyler Skjelset, estos son sus
nombres, admiran casi a un nivel maníaco las estrellas del pasado
como Bob Dylan y Neal Young, figuras impactantes y constantes en
su infancia durante la cual sus padres les inculcaron una fuerte
cultura folk…¡ y hay todavía escépticos que no creen en la
importancia de la educación musical ! Bueno, no empezamos a
polemizar…estaba diciendo que estos dos « duendes » de Seattle
empezaron a componer música juntos, Robin se ocupaba de las
composiciones y Skyler se hacía cargo de la guitarra, con la
ambición de salir dentro poco tiempo un disco de canciones en la
pura tradición folk, es decir sencillas y impactantes, directas
pero al mismo tiempo llenas de melodías ricas, suaves y
fascinantes. Es con esta idea precisa en la mente que editaron por
ellos mismos su primer EP Fleed Foxes. Este primer esfuerzo
musical hubo un éxito increíble a nivel local, recibiendo elogios
por parte de la crítica y del público. Gracias también a Myspace y
al “boca a boca”, los Foxes ganaron una gran notoriedad, aunque su
álbum no existiera todavía...el poder del Net.
El segundo EP Sun Giant salió, en junio 2008, bajo la etiqueta Sub
Pop. Durante este período el grupo incorporó también a J. Tillman,
genio de la batería y de los coros.
Y aquí estamos, Fleet Foxes, su primer álbum, es de verdad lo que
el folk ha producido de mejor en los últimos años. Una mezcla
innovadora de folk-rock armónico que recuerda a los grandes
grupos vocales de los ’60 como Samuel and Garfunkel o Crosby Still
& Nash y folk tradicional, un poco extraño, como los Fairport
Convention. Las armonías de este primer álbum parecen salir de
otro mundo, lejano y secreto y las melodías encajadas las unas
dentro de las otras, crean un ambiente pastoral y caluroso salido
directamente de los sueños secretos de un niño. No hay que olvidar
que Robin tiene solamente 22 años y es por eso que la madurez de
sus composiciones choca de manera tan fuerte, como si hubiera
vivido de verdad en una época lejana, incontaminada y salvaje. El
secreto y la fuerza de Fleet Foxes se encuentran en las voces
celestes y en su búsqueda de sencillez. De echo, los tres admiran
el folk inglés tradicional justamente porqué se compone de una
sola y única estrofa. El poder es lo de las palabras, no hay que
añadir más, no hay que intentar llenar los vacíos con melodías
inútiles. El significado de los textos es muy importante y lleva a
la luz la pasión que tienen por la naturaleza, por los espacios
incontaminados que permiten soñar.
Bueno, que añadir más, Fleet Foxes es de verdad una joya preciosa,
un conjunto de melancolía y ganas de vivir… ¡Que disfrutéis sin
moderación!
Fake
Problems It´s Great to be Alive SideOneDummy
Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
Rock festivo y circense. Estos americanos parecen tener claro que
su forma de trabajar debe estar asentada en el positivismo
melódico y la composición cargada de variaciones que van desde lo
más sosegado a la explosión instrumental y vocal con bases del
himno. Un estilo a Kusturica pero con texturas más bien venidas
del Rock y del Rock&Roll. Un trabajo en el que sobresale la
voz principal de Chris Farren quien imprime personalidad y fuerza
a la formación. Doce temas que caminan entre las sombras del juego
de texturas poco empleadas con la inclusión del triángulo y otros
elementos de percusión y de la suavidad el folclore, se intuye, de
países mediterráneos y del Este. También la introducción de
trombón y trompeta, les permiten jugar con otros sonidos que dan
paso a temas que básicamente sonarían de otra forma mucho más
simple. Aquí radica su inesperado trabajo. En la sorpresa continúa
y bien llevada. ‘Don´t worry baby’, es un himno de la cabeza a los
pies, pegadizo y con variedad de colores que dan fe de la
influencia circense anteriormente citada. ‘Diamonds Rings’, en el
que se mezclan las influencias de The Ramones o de David Bowie,
acontecen a vibraciones que se encuadran dentro de un marco de
taberna y alcohol. En otros temas como ‘Alligator Assesinator’, en
el que juegan a interpretar un acelerado Country-Rock con gran
estilo o ‘There are times’, puede que el más completo por su
diversidad cromática y protagonismo del viento madera, el nivel de
esta formación queda más que demostrado. Buen rollo y mucho gusto
.
Alis “Cuando el sol nos de calambre" 2009
por Abel Guerola -IndyRock
Tres discos en tres años demuestran que si
de algo puede presumir Pachi Delgado, nombre que se esconde tras
el pseudónimo de Alis, es de ser un músico prolífico como pocos
en la actualidad. Tras un disco de debut homónimo y “Mínimo
(segundo acto)”, el artista jienense publica ahora “Cuando el
sol no de calambre”, un álbum (con un título bastante feo, todo
hay que decirlo) en el que Pachi ha querido dar una pequeña
vuelta de tuerca a su sonido pop-rock.
La verdad es que el disco empieza
pisando fuerte con la sorprendente “Entren, pasen y beban”.
Sorprendente por que la canción se mueve en un registro alegre y
vitalista casi inédito hasta ahora en la música de Alis, y
también por que tiene un riff de guitarra y unos “lalalas” en el
estribillo que son dignos de cualquier grupo español de los 60.
Para colmo, la letra del tema es un claro homenaje al
“Bienvenidos” de Miguel Ríos. Tras esta apertura, que seguro que
es la encargada de abrir también los directos, se suceden varias
canciones que ofrecen como principal novedad un mayor uso de los
teclados y de los sintetizadores en los arreglos, que a pesar de
esto siguen girando en torno a la voz de Pachi, cuyo timbre
emotivo (y un poco irritante a veces) es la principal seña de
identidad de su música.
A nivel lírico, “Cuando el sol nos de
calambre” también ofrece algunas novedades. Pachi Delgado ha
intentado enriquecer sus letras acentuando aun más su tendencia
a incluir referencias cinematográficas en sus versos. Tanto es
así, que en menos de cuarenta minutos de música se menciona a
Errol Flynn, a Chaplin, a Harold Lloyd, a Búster Keaton, a
Buñuel, a Almodóvar y al “Barbero de Sweeney Todd” de Tim
Burton. Sin embargo, y aunque han mejorado algo respecto a sus
dos primeros discos, siguen siendo lo más flojo dentro de la
música de Alis; ya que el jienense mantiene intacta su facultad
para incluir de vez en cuando versos que provocan vergüenza
ajena. El álbum se cierra con “Liverpool” (un homenaje un tanto
tópico a los Beatles) que sirve de punto y final a un disco
bastante correcto, pero que está un peldaño por debajo de su
grabación anterior
XKrude Del Último día
Black Bunker Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
El sonido que llegan a tener estos jienenses en éste, su tercer
álbum, no tiene nada que envidiar al de las grandes formaciones
del género, ya no sólo del panorama nacional, sino también del
internacional. Con reminiscencias venidas de grupos como Fear
Factory, Sepultura o Ktulu, componen una obra de arte. Enlace de
los tracks, título cuyas iniciales componen a su vez, el nombre
del trabajo, potentísma batería con ciertos aires al profesor,
Mike Mangini así como una completa adecuación de los tiempos de un
estilo realmente difícil de llevarlo a la práctica con tal
brillantez.
La voz (Litox) es también, digna de mención. Primero por su
facilidad en la interpretación de los registros. Segundo, porque
dota de mucha personalidad a la obra . Y por último, por su
torrente que en temas como 'Otro', rompe cristales. Por su parte,
las guitarras sobrevuelan la perfección. No buscan el
reconocimiento, sino ser el mejor canal para las potentes batería
y voz. Y que decir del bajo. Sin él, en una formación como ésta,
no sonaría tan oscuro.
Los temas- sinceramente todos valen la pena- más llamativos
podrían ser 'El Camino', con el que realmente abren este trabajo
debido a la semi- intro 'Después de todo', y en el que la batería
marca su protagonismo con un excelente, doble bombo. De la misma
forma, se podría citar a otros como 'Transformando Realidades',
puede que el más completo por su duración y aguante durante más de
seis minutos, y 'Únicamente' o 'Libre', ambos con una tralla
que hace recordar a los S.A.
Por último, el detallazo de la obra, viene marcado por un solo de
chelo y violín, en 'Antes del Fin', que además de su profunda
lírica, ofrece un sobremayúsculo empleo del conjunto que parece
darlo todo para el despedir Del Último Día. Realmente, exquisito.
Enhorabuena y gracias.
PAL Error de
Fábrica Limbo Starr 2009
por Diego Soto-Indyrock
Buen grupo de inusitadas reminicescias en la construida
construcción de canciones de Rock&Roll moderno. Y es que su
fuerte es el buen hacer al que tenido que llegar para sacar este
nuevo trabajo debido a su exquisito sonido. Buenas letras, un
interesante empleo de las guitarras y una voz con suficiente
personalidad para tirar de este carro fabricado en la atmósfera
del error, son los atributos que presenta esta banda en este
último trabajo.
Once son los temas que lo conforman. La mayoría de sus texturas
van desde el vibrante universo de la mezcla de sonidos venidos del
citado Rock&Roll, Blues y pop, contaminados en ciertos
compases de colores venidos de lo latino como en 'Intertoto', tema
que cierra el disco. También dan acogida a al puro sonido de la
carretera como en 'Libre Mercado', muy cinematográfico.
Si bien es cierto que en otros como 'Presencia Nómada' se
aventuran por la senda de la cuerda locura de combinar sonidos, en
la sombra, venidos de una depurada electrónica, casi
imperceptible, pero con mucha fuerza constructiva. En definitiva,
un trabajo convincente, de completo y defendido estilo de entender
un género. Enhorabuena.
Nestor Mir y las Potencias del Este La
Nuit Subatomique Malatesta Records 2009
por Diego Soto- Indyrock
Gran disco. Completo, equilibrado y muy bien construido, Nestor
Mir lanza su último trabajo junto a una banda, Las Potencias del
Este, realmente que suena muy bien. Nueve temas que van desde el
Pop de cantautor de 'Ces Hommes Intouchables' hasta el toque a lo
Dylan en 'Etoile Lointaine'. Uno de sus grandes atractivos o
atributos, como se quiera calificar, es la interpretación en uno
de los idiomas más dados a la elegancia en cualquiera de sus
interpretativas vertientes musicales: el francés.
En realidad es un disco en el que sin salirse de los márgenes de
lo expuesto, tienen cabida variadas texturas que amenizan y de que
forma la activa escucha. 'Le vals de Morfini', es un claro
ejemplo. Balada exquisita, de principio a final, con un clímax de
refinada elaboración e interpretación que enriquece en gran medida
la visita de los siguientes tracks.
También es interesante uno de los temas que ya cierran el trabajo.
Lleva por nombre 'Rita Berger'. En este, el gran atractivo es la
preciosa voz de Carolina Otero que de la mano de la
instrumentación, camina hacia el efectivo mundo del blues. El
trabajo lo cierra el tema que da nombre al disco, 'La nuit
Subatomique', simplemente un bonito tema que cierra el círculo de
este redondo trabajo. Seguramente, sea una de las sorpresas del
año, y si no al tiempo. Enhorabuena.
The Handsome Family Honey
Moon Houston Party 2009
por Diego Soto- Indyrock
Calma y más calma. Disco compuesto para disfrutar del pasar de los
días junto al tocadiscos. Música para trabajar, para crear, para
ver pasar la vida, para escuchar y saborear las texturas y colores
de esta formación que lanza este Honey Moon, noveno trabajo, como
un trabajo íntimo y sosegado, alejándose de su quehacer hasta
ahora y dando paso a la reflexión.
Doce temas, doce historias llenas de amor y pasión cuya frescura y
buen hacer no deja indiferente en ninguno de sus compases. La voz
característica de Bret Sparks( vocals, guitars and keyboards) es
acompañada, acompasada por la fantástica Rennie Sparks( bass
vocals) y el teclista Mike Werner. Un country relajado, sin
artificios ni filtros que en ocasiones es combinado con el
Bluegrass más suave. Palabras y acordes al aire que en un tono
realmente terapeútico.
Temas como 'The Loneliness of Magnets', 'Junebugs' y ''Love is
like', se enfrascan en la línea más melódica mientras que otros
como 'A Thousand Diamond Rings' o 'Wild Wood', se aventuran en
sonidos más dinámicos con reminiscencias de Bruce Springsteen.
Cierto es que han cambiado- ya son más de trece años publicando-
desde sus prometedores comienzos con ese buen disco llamado Odessa
(Carrot Top, 1995), pero continúan maravillando con su delicado
tratamiento del estilo. No hace falta hablar más alto para que las
palabras sirvan para convencer.
Desde 2006 no se sabía nada de ellos (Last Days of wonder) y por
fin han vuelto, con un muy buen disco bajo el brazo. Una formación
que encandila desde sus primeros acordes por su simple composición
pero intensa interpretación.
The Chimestry Set
Alchemy*101 Skittelebrau 2009
por Diego Soto-Indyrock
Han vuelto y de que forma, una de las mejores formaciones de pop
psicodélico de los últimos decenios. En este último trabajo, van a
saco con la mezcla de voces y guitarras con claras reminiscencias
de finales de los años 70 de la Gran Bretaña más alocada. Seis
temas dinámicos, frescos y con mucho color.
'Seeing upside down', tema de arte compositivo hasta la médula. La
introducción está compuesta con texturas de la década
anteriormente citada y guitarras de principios de los 90, con
mucho gancho y positivo desbordante. En otras como en 'Look to the
Sky', se pone de manifiesto la psicodelia que llevan en la sangre.
Teclados a los que solo le falta llevar la bandera con ciertos
matices al puro estilo del mítico Syd Barret (Pink Floyd) y que
ahonda en la buena idea construyéndola hasta el final.
Del mismo modo pero con distinta forma y construcción componen 'If
Rome Was Meant to Fall', en el que se pone de manifiesto la
elegancia a la hora de poner en práctica el rollo psicodélico y
'Silver Birch'. Mi himno íntimo, una oda al recuerdo, con un
cambio que deja la piel de gallina. En definitiva, toda una obra
circular, que tiene pinta de acontecer trabajos en el futuro a
corto plazo de la misma o mejor calidad.
Los Flojos - «A duras penas» - CD
2009 Locomotive
Por Juan Enrique Gómez / IndyRock
La verdad es que se agradece. Un grupo que no oculta sus
intenciones y no le duelen prendas en decir que sólo pretenden
divertir y crear una música que recuerde vivencias con un buen
toque de humor. Hacerte pasar un buen rato, y punto. Eso dicen.
Pop rock divertido con un impresionante toque de humor total. Los
Flojos, con su trabajo «a estas alturas», al que suman la cletilla
«al mal tiempo... un poco de cachondeo», dan esquinazo a la crisis
y recuerdan los momentos de cubatas, ligues de juventud, y diez
años de escenarios cargando y descargando amplis y el incordio de
los platos y cajas del batera. Diez temas en los que cuentan
historias sencillas, como aquella noche de ligue que acabó en la
comisaría, el recuerdo a aquellos que al final, han tenido hijos,
e incluso canciones dedicadas a perversiones sexuales que «al
principio no te gustan y al final te dan rollo», dicen estos
chicos. Una banda formada por Eduardo Verdú, Jaime álvarez, Daniel
Calderón y Pablo Lorio, que comenzaron en 1996 con el nombre de
Karamandú. Este nuevo disco es el primer larga duración, tras dos
Eps, Los Flojos y Maracana. Un grupo que ha recorrido mil y una
salas y que esperan tener un hueco en los mejores festivales de
este país.
Slowlee
Cojo Aire Animal Crackers Records 2009
por Diego Soto- Indyrock
Desde su primer disco en solitario en 2004. «Chupado», este
gallego daba señales de que algo bueno estaba en su cabeza. En
este trabajo, para el que ha contado con la colaboración de VGA En
Llamas, Marte o Sentinel, ente otros, se ha volcado y ha sacado
una energía que desde su single 'Cojo Aire', deja claro de
antemano que la buena lírica, mezclas y gusto por las bases del
soul, son parte de su forma de interpretar el género.
Su aportación más sentida o percibida puede ser la de claridad de
los elementos que conforman este buen conjunto Cojo Aire. Puede
que haya tracks que actúen por separado como 'Eslou parte 2' o
'Solo es música', pero en globalmente, es un trabajo medido de
letra por letra. Señalar 'Somos Siglas', en la que realiza una
suntuosa relación de lo que significa el vivir en el quehacer
diario en el asfalto de la urbe, o 'No more lies' en la que
Sentinel lleva a cabo una verdadera obra de arte.
Un buen trabajo en el que la constancia y el duro esfuerzo,
parecen haber sido sus aliados. Seguramente refleje las verdades
que para él y los suyos significa su profesión. Seguir con energía
es la mejor medicina.
Pájaro Sunrise
Done/Undone Lovemonk 2009
por Diego Soto-Indyrock
En el primer disco lanzado allá por el 2006 bajo el título de
'Pájaro Sunrise'(Lovemonk) el grupo creó el remedio a la peligrosa
enfermedad de la prensa especializada de criticar lo
incuestionable. Los puso a todos de acuerdo. El primer trabajo era
bueno. En este segundo, lo íntimo y el positivismo- se podría
decir que Done y Undone secundan estos apelativos respectivamente-
se funden en 22 temas llenos de esfuerzo y trabajo consiguiendo
texturas con base en el Pop que suscitan un recuerdo a los grandes
como Simon&Garfunkel, por ejemplo.
Una verdadera delicia en la que se combinan texturas típicas del
género con otras reminiscencias del Soul y matices de la
electrónica más depurada, es decir, sin el redoble cansino al que
suelen acudir muchas formaciones de pop moderno. Una atmósfera
tranquila que deja al receptor un gusto de buen manjar, depurado
hasta la médula, de un antes y un después.
Sacar un disco en sí ya es una empresa que- según están las
cosas- no parece ser fácil de poner en práctica. Pero sin encima
son 22 tracks en uno, la cosa se pone difícil para igualar este
trabajo. Esto lo ha conseguido esta formación con un tiempo de dos
años en los que han sacado lo mejor que tienen dentro por ofrecer
un muy buen resultado. Temas como Disabled, The things you cherish
most, Young&free o Hungry heart son un simple recuento de lo
que pueden significar los mejores temas del disco. En definitiva,
un buen vino reserva para disfrutar a solas o en muy buena
compañía. Enhorabuena.
Póg
Mo Thón Oztopo Guztien Gainetik Babel Msk
2009
por Diego Soto- Indyrock
Ya está aquí el segundo trabajo de esta buena formación vasca. Con
nuevos matices, puede que más cuidados que en su primer álbum
'Itzalitako argi bakoitzeko' (Babelmusik, 2006), presentan un
completo abanico de texturas y sonidos más depurados con toques
venidos del trash y el hardcore más refinado. No hace falta
chillar para ser escuchado.
Toda la obra en sí es circular empezando con el potente Ulda y
terminando con el apoteósico Foza. Doce temas en los que se nota
la producción e influencias de músicos que han colaborado en este
nuevo trabajo como el pianista Aitor Abio. Docena de temas,
cantados todos ellos en vasco, que resultan un buen soplido de
aire fresco en un estilo sobrecargado de influencias venidas de la
norteamérica más comercial.
Sin embargo, Póg Mo Thón sorprenden una vez más a propios extraños
por varios motivos. En primer lugar, su buen sonido, cuidado muy
elaborado. Por otra parte, ser fiel a sus creencias de que cantar
en su idioma es algo que no puede ser reprochado, sino todo lo
contrario- o acaso se entiende todo lo cantado en inglés- debe ser
apoyado. Y por último, su buen hacer en el estudio pero también en
el escenario donde no dejan ni un átomo de grasa en el
cuerpo.
Entre los temas más potentes del trabajo se menta a Pharma, Ptrest
argazkirako o Heria Eraiki. Temazos de alta calidad y buen color
que están haciendo este grupo un referente del género en nuestro
país.
Zapata
Zapata Autoproducción 2009
por Diego Soto- Indyrock
Rock&Roll fresco, limpio y con mensaje. Atributos
pormenorizados para englobar la gran variedad de texturas que
emplea el grupo, buen grupo. En primer lugar, resaltar el poder de
la voz principal. Toda una declaración de elegancia
reivindicativa- no hace falta mentar a la madre de nadie- mediante
la que dicen las cosas que muchos piensan pero que no ponen en
práctica. Segundo. El contagio de las canciones tras su escucha.
De pronto, se conoce sin darse cuenta el estribillo de sus letras.
Y tercero. Batería de calidad apoyada en una buena guitarra
protagonista y un bajo con voz propia.
Es debido añadir que sobresalen en la composición, de menos a más,
llegando a los puntos de las canciones en los que hay que dar la
cara sin esconderse. Todo lo contrario. Sin estorbarse, enjuagan
una mezcla que en algunos momentos resulta muy relajante. Como una
buena cerveza fría. Como ese tema que te atrapa todo el día. Y es
que esta Obra tiene temas que contagian de verdad. 'Apuesta
de perdedor', en el que se evidencia lo anteriormente citado de
progresivo clímax y un final con mucha garra.
En otros como 'Algo contigo' expresan sus preferencias por lo puro
del estilo sin arquetipos ni estéticas vacías. Afrontan el tema de
manera clásica, algo que es de agradecer- en muchos de los grupos
que desarrollan su género se pierden más en lo que creen que dicen
de ellos que realmente que en lo interpretado- en el panorama
actual.
Continuando se encuentra con 'Música de fondo', auténtica balada
en la que se siente que la voz principal no puede ser otra para
que el traje de luces brille con frescura. A continuación, se
presenta 'Morir por mí', el cierre de este trabajo que merece la
pena escucharlo. Tiene una conclusión digna de mención, con
estirpe de gran formación. Enhorabuena.
The
Nines '9 O'clock'
por Diego Soto- Indyrock
Que estos chicos no hayan triunfado con mayúsculas en el touring
europeo tiene su razón en la procedencia: España. Seguramente si
se llamasen Michael, Terry o Clifford y vinieran de Oxford, ya
sería uno de los grupos del año en el panorama del Brit Pop. El
caso es que es un muy buen trabajo. No se quedan en el simple
argumento de componer sino que van más allá intentando que hasta
lo que parece no oírse tenga la misma importancia que lo que
resuena. Así debe ser.
Tras escuchar, detenidamente, toda la obra, suscita la asimilación
lógica de la reminiscencias de las que el grupo se influye. Oasis
o texturas de The Beatles. Pero en un abrir y cerrar de ojos uno
se da cuenta de que tienen su estilo propio gracias al tratamiento
ingenioso con el que combinan las guitarras y los teclados. Algo
que tiene su gran significado y personalidad.
Se intuye formación de conservatorio pues emplean texturas y
colores de refinado uso. Esto se intuye en tracks como 'The
Rising', 'I´m Craying though i´m still young'- quizá el mejor tema
del trabajo en el que se siente la figura del Elton John creativo
e influencias de los Supertramp en alguno de sus compases- o 'You
know, I know', pues el peso de las mismas es llevado por un
teclado de calidad.
En otros como en 'Little Bird'- lírica con matices poéticos- o
'Catch the Moon', es en los que se puede respirar el puro rollo de
los Beatles de los finales. En definitiva, una obra que pasa de
ser una simple expectativa escéptica al comienzo, para convertirse
en una escucha segura en las tardes que acontecen noches con
derroche. Enhorabuena.
Captan Obvio
por Diego Soto- Indyrock
Banda: Captan Obvio. Procedencia: Venezuela. Estilo: Frank Zappa.
Trabajo: experimentación bestial. Dos son las alusiones que deben
de hacerse respecto a la formación. Una. Graban su primer trabajo
en un solo día consiguiendo un que los fallos que pueda haber sean
verdaderos detalles, quizá improvisados, permitiendo un sonido de
lo más cercano a la vanguardia. Y dos. Su imaginería en cuanto a
texturas y colores, es todo un deleite.
Siete temas. Siete piezas compuestas en clave jazzística que
suponen una nueva forma de interpretar la fusión de sonidos
venidos de la experimentación instrumental de teclados, guitarras
y bajo. Citar que la calidad del batería es digna de
reconocimiento y que no se entiende como ésta se guarda en muchas
ocasiones, en los cajones de las productoras y discográficas. Son
gente joven, con ganas y aires frescos, muy frescos, cargados de
una inusitada experimentación en el compás de los tiempos.
Y es que mediante la combinación de guitarras al más puro estilo
sin depurar con el amalgama de elementos escasos con los que
cuenta la formación- se nota que no hay arreglos ni filtros,
únicamente el puro sonido de un ensayo- componen un disco que
antes que nada es innovador y verdaderamente de frescura
esquizofrénica. Una atmósfera de la que es difícil salir sin que
toque la fibra sensible.
Temas como 'De lo interior salió algo', 'Bajaron de todos los
lados' o 'Revolution of the Tortels', por sí solos generan una
vibración de novedosa y radiante experimentación. Seguramente
grupos como The Tribal Tech o Fantomas se llenarían de orgullo por
ver que músicos que son conocidos sólo en su reducido ámbito
local, consiguen llevar a cabo texturas que fueron incentivadas
por ellos, grandes músicos. Esperemos den el salto a Europa, pues
será un placer ver su puesta en escena. Enhorabuena y ánimo.
Dos
Mil Locos Un Otoño Más Village Green Records
2009
por Diego Soto- Indyrock
Tras las distintas texturas acogidas por la formación en los
'Experimento C14', esta formación que cuida todas y cada una de
las piezas que interpreta, llega su nuevo trabajo 'Un otoño más',
del que se puede calificar de buen EP. Cinco son sus canciones en
las que combinan hábilmente el buen tratamiento de las guitarras
en clave de Rock español con influencias de los grandes del
Rock&Blues mediante una buena conjunción de lo
instrumental.
Por temas, el álbum comienza con el track 'Un otoño más', que
preside el disco y del que se citan como elementos más destacados
el ambiente creado desde el plano vocal y la buena aceptación-
cada uno de los instrumentos en su sitio, no se molestan- de la
parte instrumental por guiar los distintos colores por el que
camina el mismo. Le siguen 'Desconocido', el cual, tras escucharlo
permite una valoración positiva de las guitarras, aunque gustaría
mayor número de solos a la guitarra.
'Adiós', en el que adoptan texturas parecidas a las empleadas como
Iván Ferreiro, 'Cien años de Soledad', por el que demuestran su
valía instrumental y 'En el Principio', del que podemos decir que
puede ser el mejor track del disco gracias a su cambio a sonidos
más cercanos al blues, configuran en su totalidad un álbum que
supone un adelanto alentador de una banda de la que se espera,
tenga cuerda para rato.
Backflip: Dead Man In Barcelona,
2009, Hang the Dj!
Por Raül Ruiz - Indyrock
Tras su anterior proyecto MATAME YA, el ex miembro de SICK OF
NAMES, Jorge Ochoa, nos presenta su nueva aventura musical. De la
mano del sello independiente catalán "Hang the Dj!", el artista
nos descubre su vertiente más electrónica a través de un EP de 5
temas llenos de frescura y movilidad. Las composiciones,
interpretadas íntegramente en inglés, invitan a la expansión en un
momento social que bien lo necesita; "Welcome to the party",
canción que abre el álbum, emplea su título a modo de declaración
de intenciones al respecto. Junto a los otros cuatro cortes que
componen el álbum, conforma un ligero trabajo de Club que invita
al baile y, por qué no decirlo, al optimismo.
Un tanto a su favor, en lo que a la calidad se refiere, es el
hecho de contar con la producción de Eric Fuentes, cantante y
vocalista de THE UNFINISHED SYMPATHY.
Eric
Fuentes: Bahía Paraiso, 2009, Hang the Dj!
Por Raül Ruiz - Indyrock
Segundo disco en solitario de unos de los baluartes de THE
UNFINISHED SYMPATHY, tras su anterior trabajo: "Descarrilant". Más
de 10 años han pasado desde entonces, demasiados quizá para los
seguidores de la vertiente más subjetiva del músico. Pero, tras
escuchar el álbum reiteradamente, puedo asegurar que la espera de
su público habrá valido la pena. Y eso que no me importa admitir
que nunca he seguido muy de cerca la carrera de TUS; hecho que no
hace otra cosa que reforzar mi consideración hacia este
trabajo.
BAHÍA PARAISO es un homenaje musical a las composiciones
electrónicas de los 80. El tono reprise que constituye la base del
mismo, le dota de una sensación de elegancia sonora que responde a
un magnifico trabajo de masterización. Sus 10 temas convergen en
una homogeneidad a nivel compositivo donde el eclecticismo de las
influencias del artista enriquecen el resultado final.
Temas como "Some people were born old" enlazan con maestría la
fuerza del acústico, el empleo contenido de los samplers, y la
modulación vocal a la hora de enfatizar letras trabajadas. Géneros
como el folk también se ven representados en "My fix is out",
aunque la esencia new wave es la que acomoda la uniformidad del
disco.
Para su publicación, al artista ha optado por el formato digital,
empleando la plataforma web de su sello "Hang the Dj!" en la
distribución del mismo.
Steve Wilson
Insurgentes Kscope 2009
por Diego Soto-Indyrock
Como venido de la soterrada oscuridad, emergen sonidos bajo tierra
que por su fuerza llegan a lo más alto. Nueve temas, nueve
historias en las que Steve Wilson, sumerge su última creación.
Toda una obra maestra de composición contemporánea, que fácilmente
podría ser el oscar a la mejor banda sonora. Todo un elenco de
texturas y colores dignas de los grandes compositores quién mezcla
lo más íntimo, tirando a lo minimalista, con el estruendo caótico
cercano al mundo de Gyorgy Sandor Ligeti. Un experimento
instrumental basado no en el causa y posterior posible error, sino
en la enhiesta opción del seguro acierto.
El comienzo se asienta en un tema,'Harmony Korine', cuya atmósfera
se asemeja a la de grupos como Tool o Porcupine Tree, y del que se
menta principalmente el empleo en la fina batería y la distorsión
de la guitarra. Y es que este disco combina lo industrial, más
oscuro tirando a Dub, con las melodías de componente clásico e
incluso sinfónico. Delicia.
Al mentado tema le siguen otros en los que la intensidad así como
la angustia creada en temas como 'Veneno para las Hadas' o 'No
twilight within the courts of the sun' cuya composición está
cargada de matices, detalles, que demuestran que hasta el sonido
más hueco es parte integrante de Insurgentes.
The
Gambas Alegría Social Maldito Records 2009
por Diego Soto- Indyrock
La alegría debería ser el constante diario por el que la humanidad
se moviese ¿Quimera?. Puede que sí. Lo que ocurre es que aún
existen artistas, como The Gambas, para los que hacer bailar y
sentir que mediante la música, su música, pueden aportar una pizca
de gracia a corazones a los que por el movimiento tan Cool de hoy,
se les empieza a apagar la llama. Y es que la aventura, que no es
poca, de escuchar toda la obra de este álbum debut, «Alegría
Social», contagia hasta la médula, como una enfermedad del
baile para la que no existe cura, y de pronto, un halo de comparsa
y buen rollo, inunda la escucha.
Son ocho los que forman la aventura de este grupo, siendo otros
quince temas, temazos, los que componen todo el trabajo. Y es que
desde 'Honrado y Pobre', historia que nos acerca al presente más
puro al contar las vicisitudes en la que nos encontramos bajo la
llamada crisis económica, hasta 'Bolinga', 'Vamos a lo que vamos'
o 'Baila', en los que el esqueleto se mueve por sí solo mediante
ritmos de lo más diversos pero que en conjunto conforman un mismo
estilo: Rocksteady, dirigen una obra de alto copete.
¿Fórmula?. Mucho mucho color y más. Un citado Rocksteady combinado
con un fino Ska y un alegre Reggae. Es de agradecer, y no se
miente, que la lírica de las canciones de grupos del estilo a The
Gambas, sea potente e inteligente. Si continúan así y no se
pierden en el sonido rave en el que se desvirtúa la grandeza de
muchas formaciones, esta banda sera un seguro reclamo.
Hoey
&The Mussels A Daemon Dozen Labatelkueyo
Records 2009
por Diego Soto - Indyrock
No caben apelativos para calificar el trabajo de esta formación.
Todo ello es un soplo de aire puro, refrescante. Una de esas
sorpresas que los amantes de lo sencillo con sentimiento
disfrutarán hasta la saciedad. Y es que solamente es el segundo
trabajo de estos cracks- dos vascos y dos irlandeses- que saben lo
que necesita la buena música, en este caso, un Rock con
sentimiento limpio. No hacen falta alardes ni revestimientos; en
la sencillez sentida que busca Hoey&The Mussels, se
encuentra el alma pura del arte sin apellidos ni falsas
vestiduras.
Desde el primer tema al último, la atmósfera crea una paz en la
que se siente el disfrute de un buen disco, masticándolo despacio,
saboreando los detalles, algo que parecía haberse perdido. Pero
no. Todo ocurre por algo y que éstos hayan llegado en este
instante, tendrá su razón de peso en el momento en el que el mundo
les escuche. Quedarse con un tema es difícil pues la altura de la
composición global del disco es perfectamente homogénea en cuanto
a la calidad.
El trabajo empieza con 'The Highway´s Looking Blue', con un clímax
en el que la textura de las guitarras, es todo un acierto
permitiendo que el final del tema, ya fundido, sea de la altura de
los grandes del género. No sin ir más lejos se encuentra su
continuador track, 'Free Again', en el que el colorido del Tom
Waits más auténtico ronda en el ambiente. Del mismo modo, 'Aegean
Sea Shanty', en el que la inclusión de los teclados hábilmente
dirigidos así como de la armónica, generan un puro Rock&Roll
de lírica cargada de energía, profunda, como 'My Own Favourite
Scarab Tale' o 'Any Time', se enmarcan dentro dentro de un
universo en el que para vivir se necesita disfrutar
reflexionando.
Tanto 'Morb' como 'Gonna Howl', quizá los temas a destacar
por su colorido empleo de los instrumentos. El segundo genera una
sensación de vaquero en las noches salvajes de pasión. Un
verdadero blues. La Obra se termina con una clase bestial,
mediante un duelo de voz y piano en el que fluyen de la mano hasta
dormirse. Enhorabuena y gracias.
