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Strawberry Hardcore: Todos vamos a morir (Warner, 2007)
Por Jesús Rojas - IndyRock
El grupo de punk rock melódico que surgiera de las cenizas de los legendarios Def Con Dos vuelve con una nueva bomba musical. Desde la portada a los títulos de las canciones ya se percibe lo que nos vamos a encontrar: un disco de media hora de duración en la que el hardcore californiano se tiñe de bestialidad ibérica.
En esta ocasión, la producción ha corrido a cargo de Dani Alcover (Sindicato del Crimen, Habeas Corpus, La Vacazul,.), con quien ya habían trabajado con anterioridad. El disco suena compacto y lineal y consiguen sonar implacables canciones como "Bebe, fuma y folla", "El ataque de los strikers" o "Los 400 golpes", donde el sarcasmo y el punk rock se funden en uno. Además, bordan piezas como "Ya no hay olas en Mundaka"o "Todos vamos a morir", que cierra este esperado segundo trabajo del quinteto.
Strawberry Hardcore son una de las pocas bandas españolas que practican este género tan sumamente americano y lo hacen sumamente bien, aunque en ocasiones las voces dejan que desear. Cabe señalar que ya son cuatro las veces que el quinteto ha compartido escenario con los míticos Bad Religión, algo de lo que no muchas bandas pueden presumir.
Meko Makafi C.A.K.E.
por Joe McGaha - IndyRock
Meko Makafi es un rapero de San José, California (cerca de San Francisco). Acabo de escuchar su c.d. C.A.K.E., y de verdad, me ha gustado bastante. La música que usa para apoyar sus raps es una mezcla de ritmos, y de grabaciones de todo tipo de instrumentos. Sus letras son bastante típicas del rap, hablando de vivir en el ghetto, y de drogas, pandillas, prostitución, todo lo que la gente pobre usa para sobrevivir en ese ambiente.
Me gusta la manera de que rapea. muy suave, y siguiendo la línea de la música. Me recuerda un poco a Lupe Fiasco, de Chicago, que está ganando mucho éxito ahora mismo (más que nada a través del internet). Creo que Meko tiene un buen futuro, y espero oír más de él muy pronto.
Para más información sobre Meko Makafi en la red: http://www.myspace.com/mekomakafi
Carlos Acebo: Eternas Vidas, 2007, Musice
Por Raül Ruiz - Indyrock
En un mercado cada vez más agresivo, donde solo parecen sobrevivir aquellos que se adaptan a las demandas comerciales que marcan las corrientes, es extraño encontrar músicos que apuestan por su propia sinceridad. El álbum que Carlos Acebo ha grabado es una declaración de intenciones de once temas (diez + un bonus track); once canciones que suenan a rock sureño cantado en castellano, cuyas letras nos hablan de los tópicos avatares de los sentimientos.
La música de Carlos Acebo es fácilmente vinculable a la de rockeros nacionales consagrados que pueden haber actuado como referentes a su manera de componer e interpretar. El reflejo más claro de su estilo lo encontramos en la formación de Carlos Goñi, Revólver. No en vano, ambos cantantes disponen de similar timbre de voz, así como una manera muy emocional de cantar.
Aunque a lo largo del disco encontramos diferentes colaboraciones instrumentales y vocales, este se conforma de una uniformidad sonora de corte individual que le confiere el aire de disco acústico y personal.
A pesar de todo es inevitable encontrarnos con algunos de los tópicos del género en sus letras y acordes.
Post: No sleep, 2007, Junk Records
Por Raül Ruiz - Indyrock
La primera vez que escuché a estos chicos no pude reprimir un ¡guau! interno que sacudió mis neuronas más musicales. Sucedió en el concierto presentación en Barcelona de su primer álbum: No sleep y, para mí, fue una agradable combinación de sorpresa y descubrimiento. Pero ¿qué es lo que convierte el debut discográfico de esta banda mallorquina en un trabajo digno de mención? Pues, siguiendo los costumbristas cánones, lo primero que encontramos es Cielo rojo, un tema enorme, de sonoridad pop enmascarada tras cuerdas de agresividad post-punk y compuesto con una exquisita sencillez lírica castellana. La canción engancha desde el principio, adoptando la intuitiva figura de un posible exitoso single.
Es a partir de la segunda creación cuando el cuarteto se aferra al inglés como medio de expresión verbal, convirtiéndolo en el idioma predominante del disco. Su admiración a grupos como Radiohead (al cual, por cierto, deben mucho), Nirvana o Pixies hayan, quizá, condicionado tal elección. Y, pese a que yo me quedo con Cielo rojo como hit representativo de este álbum, sería una necedad por mi parte no reconocer el mérito de temas tan estupendos como Crowd, Love o Time. Títulos monosílabos para composiciones polifónicas de acertados recursos y combinaciones (en Crowd, por ejemplo, es reseñable la pulcritud de la guitarra emulando a una mandolina).
El disco cierra tal como empezó, con otro tema en castellano: Destellos de ambición. Una solicitud de sinceridad en reprise que deriva en melancólico efecto de lluvia, no apto para escuchar mientras se conduce, según indicaciones del propio libreto. Y a modo de telón y cierre un pequeño regalo instrumental que parece imitar, a través de sus notas musicales, el efecto nostálgico del sonido del aguacero.
Otro tanto a favor que se apunta este No sleep es el interesante diseño del libreto desplegable: una colección de ilustraciones oníricas que emergen de la mente de una silueta en portada, y deambulan adoptando formas y colores convirtiendo el título del álbum en una acertada ironía.
¿Un disco recomendable? Rotundamente "sí".
Amarillo: Vuelve a por mí, 2007, Junk Records
Por Raül Ruiz - Indyrock
La banda que se dio a conocer en el mercado discográfico con Piruetas en el aire, regresa de nuevo al mercado musical con un disco lleno de emoción y sonidos que invitan a la calma y la reflexión: Vuelve a por mí.
Tras la producción del disco encontramos la figura de Jaime Garcia Soriano; el emergente sello que ha editado el disco, Pimpampum Records, debe su origen a la ilusión de poder editar este álbum. ¿Un riesgo? Yo no lo creo. A Jaime García le avalan sus años de experiencia en la música para saber reconocer aquello que contiene oficio (No en vano, Pimpampum Records ha editado también el debut discográfico de Post, nuevo proyecto del que fuese su compañero vocalista en Sexy Sadie).
Catorce son los temas que componen un disco repleto de canciones melódicas de pop apacible. Sus títulos actúan como inequívocos indicadores ante lo que encontraremos en su interior: Lejos de casa, My enemy, Laberintos o Sonrojos son algunos ejemplos representativos. Canciones supeditadas a las marañas del amor y le necesidad del prójimo se expresan con letras sencillas acomodadas entre composiciones de sonoridad afable.
Uno de los "peros" que se le podría achacar a este trabajo es la ausencia de esa punta de cierta originalidad o frescura capaz de permitirle alzar ligeramente la cabeza sobre homónimos y relacionables. Y reconozco que es fácil realizar una afirmación de esta índole conociendo la saturación de oferta y la, cada vez más, acuciante raleza en la demanda; pero justamente es este condicionante el que debería estimular el ingenio de músicos y productores. Aunque también admito que el hecho de contar con 2 personas compartiendo roles de guitarra y voz aporta un contraste capaz de dotar a la banda de su propio distintivo identificable.
De momento, y a expensas de lo que dictamine el tiempo, nos encontramos ante un disco laborado con pulcritud que consigue dignificar el pop-rock independiente al que tanto daño han hecho últimamente los grandes sellos y los intereses comerciales.
Una última nota antes de cerrar el comentario: cuando hayas escuchado la última canción, no pulses "stop" o te perderás una bella versión de Lejos de casa.
Luz oscura: Empezar de cero, 2007, Musicplus
Por Raül Ruiz - Indyrock
Por fin ha visto la luz el disco de la formación que alcanzó fama estatal con su tema LA ESPINA (creación de Fernando Delgado) en el verano de 2005. Y es que muchos meses han pasado desde que los muchachos de Luz Oscura dieran el bombazo sonoro con el tema en cuestión. Pero, como dice el dicho, "más vale tarde que nunca"; pues paciencia y trabajo es lo que se oculta tras una caja de plástico y un libreto de seis páginas.
Empezar de cero no es solo el nombre de un álbum; el contexto de la frase puede adoptarse como una reivindicación de humildad ante el largo camino que se dibuja en el horizonte de la formación madrileña. Pero ¿qué es el rock sino una necesidad de reivindicaciones ante estados de ánimo, sentimientos, injusticias de todo tipo e inconformismo? La fórmula la conocen bien estos chicos, pues los doce temas que componen el disco son una oda al desamor y el fracaso del antihéroe. Y todo ello bajo el escudo enfático del rock que les caracteriza, si bien aportan alguna sorpresa sonora en alguno de sus temas, como el toque funky que ornamenta el tema DESDE EL MAR.
La composición de la gran mayoría de los temas corre a cargo de Fefe, guitarra del grupo. De las ocho canciones que ha elaborado para el CD, destaca entre todas DESDE AQUEL DÍA. El tema es una balada llena de tristeza y sentimiento donde el grupo se desnuda emocionalmente al hablar de María, hermana del integrante del grupo y una de las víctima del trágico atentado terrorista del 11M en Madrid.
En lo que a la presentación se refiere, el disco incluye un par de pistas de video, en las que encontramos el video clip de BAJO MI PIEL y un documental del grupo.
Lucas 15: Lucas 15 (Lloria Discos, 2007)
Por Jesús Rojas - IndyRock
Bajo este nombre tan sumamente bíblico se esconde el nuevo proyecto de Xel Pereda y Nacho Vegas, dos conocidos asturianos de la escena independiente española. En principio, no sorprende que estos dos artistas hayan unido sus fuerzas para crear una nueva vía de escape para sus creaciones. Lo que llama la atención es que se trata de un disco de pop-rock que bebe (y se emborracha) del folk asturiano.
La idea se puede entender de la siguiente manera. Si Tom Waits y Nick Cave consiguen sonar cool aún cuando centran sus composiciones en el folk anglosajón, ¿por qué no podemos hacer nosotros lo mismo con las raíces musicales de nuestra tierra asturiana? El resultado está en disco formado por once cortes que van desde la energía guitarrera de "El Sacaúntos de Allariz" o "El Diciembre, mes glaciar" hasta los pasajes acústicos a la par que poéticos de "Los fayeos de Mayo" y "Con tomillo y romero".
En resumen, es una obra difícil de digerir, aunque supongo que los seguidores de Nacho Vegas y el sector más indie del Principado pueden encontrar algo más de provecho en estas composiciones que el resto de los mortales.
Sons and Daughters: This Gift (Domino, 2007)
por Quim García - IndyRock
Cada canción del nuevo álbum de estos escoceses es la ejemplificación de que la economización de recursos -o lo que es lo mismo, de ideas - no es buena si la llevas al extremo. Cada tema del disco acaba siendo una repetición de él mismo. En minuto y medio ya han presentado el 99 por cierto de la canción. Algo falla. No puede ser que una canción de dos minutos y medio se haga larga. Quizás le ha faltado la osadía de hacer un disco de canciones de minuto y medio. Tener de referencia el "Pink Flag" de Wire en vez del hype de última generación.
Pero no todo es negativo, si dejamos a un lado que sean demasiado repetitivas, las canciones de "This Gift" son buenas, hechas a partir de melodías que se enganchan a la primera. Un álbum a medio camino entre el post-punk y la new wave. Canciones que pueden recordar tanto a B-52's (sobretodo en los coros) como a Kylie Minogue (el estribillo de Darling bien podría ser de la artista australiana) o a los primeros Echo and the Bunnymen. En definitiva, "This Gift" podría haber sido un álbum excelente pero se ha quedado en uno más. Sons and Daughters tienen actitud pero les ha faltado concreción.
Simple Plan Los rostros jóvenes de la escena musical canadiense /por Natacha Nazer Simple Plan vuelve a escena con su tercer trabajo discográfico producido por un equipo de lujo entre los que se encuentran Dave Fortman (Evanescence), Danjahands (T.I., Timbaland, Justin Timberlake), y Max Martin (James Blunt, Avril Lavigne). "When I'm Gone" será la encargada de dar a conocer su álbum homónimo.
A estas alturas decir que la industria discográfica canadiense es un hervidero de buenas canciones y grandes artistas, no sorprende a nadie. Todos escuchamos a grupos como Barenaked Ladies, Arcade Fire o The Dears y fuimos testigos de esa prolijidad musical que tanto les caracteriza. Sin embargo, artistas como Alanis Morisette y Avril Lavigne, aunque extremadamente comerciales y esclavas de todos los charts, han aportado a esa supuesta prolijidad una explosión de energía y estilo propio. Por su parte, Simple Plan, los niños mimados del escaparate actual canadiense, apuestan por canciones que aunque poco originales y escasas de creatividad, se erigen como himnos de esta generación y alcanzan los puestos más alto en los rankings internacionales. Lo cual no es poco decir.
Pierre Bouvier (cantante), Jeff Stinco (guitarra solista), David Desrosiers (bajo y coros), Sebastien Lefebvre (guitarra y coros) y Check Comeau (Batería) comenzarán su gira mundial en Estados Unidos y Europa. Por otro lado, su disco sale hoy a la venta junto con una edición especial CD + DVD que incluye 2 bonus tracks y un DVD con más de una hora de contenido: making of "Simple Plan", beyond the video, video "When I'm Gone", beyond the photoshoot y 4 canciones del concierto que dieron el día de Fin de Año en New York.
Tras el éxito obtenido con "Welcome to my life" el listón se pone muy alto para esta "joven promesa" canadiense, no obstante, un objetivo tan ambicioso se convierte en un desafío necesario para muchos artistas aunque para otros en una presión difícil de sobrellevar. esperemos que para Simple Plan sea un reto justo. www.simpleplan.es
Por fin, un poco de JUSTICE en el mundo
por Muriel Mo - IndyRock
Francia y música electro, un binomio que ya había propuesto perlas de gran cualidad y innovación llamadas: Daft Punk, Air o, más recientemente Poni Hoax. Todos estos grupos han contribuido a fomentar la fama de la "French-Touch", termine utilizado para intentar dar "consistencia" a este fenómeno electro-sexy que dominaba el Hexágono. Por supuesto, los "branchés" de Paris tenían que participar al "mood" y los "live" de nuestros héroes de los "beats" se convirtieron en verdaderos momentos de gracia. Es bastante pensar en el fenómeno Poni Hoax, que en poco tiempo ha logrado captar la atención del mundo artístico de París, y no solamente, con su encantadora Budapest, verdadero éxito musical de los dancefloors.
Una pregunta sale ahora espontánea ¿Todo se resume a una simple cuestión de moda? ¿Francia ha logrado producir nuevos grupos electro innovadores después de esta "primera" French-Touch? La respuesta a esta pregunta músico-existencial se resume justamente a un nombre: Justice, grupo que, diez años después de los Daft Punk, ha sabido imponerse en el panorama musical francés e internacional como una de las novedades electro más intrigantes de la nueva generación. ¡Y entonces, gracias Francia para darnos todavía la posibilidad de mover nuestros "slim" al ritmo infernal de tus decibel! Hacía ya algunos meses que en el Hexágono se hablaba discretamente de un nuevo grupo electro que prometía grandes cosas, pero bueno, como ya lo sabemos, ¡nunca confiar en las palabras, sólo los hechos cuentan! "+", primera obra de Justice, nos permite justamente juzgar el fenómeno para, al final, darnos cuenta de las potencialidades de estos nuevos paladinos de la justicia universal. ¿Esto significa que la French-Touch ha hecho nuevas victimas? Por supuesto, y en efecto Justice nos propone, con su primero álbum, una mezcla perfecta de ritmos obsesivos-lascivos de tendencia rock que nos hacen pensar en Air o Saez, y elementos casi lúdicos que nos llevan hasta nuestra niñez. Es bastante citar la súper conocida D.A.N.C.E, donde un coro de niños inquietantes, casi inhumanos, repite obsesivamente la misma frase. Al final, un "trip" alucinógeno hecho de contaminaciones rumorosas y de sintetizadores ácidos que nunca se paran. Lo que diferencia Justice de los otros grupos electro actuales es justamente esta mezcla entre ingenuidad e inquietud, sueño y pesadilla. El forro del álbum, negro con una cruz oro, ya nos da una idea del universo de estos "frenchies", universo hecho de sonidos a la "Alicia en el País de la maravillas" y ritmos casi tribales que se pueden encontrar también en otras formaciones musicales como por ejemplo los canadienses de Holy Fuck. Durante sus conciertos, que se han convertidos en verdaderos fenómenos, logran crear una atmósfera hipnótica y enérgica que atrapa inmediatamente las miradas de sus adoradores hasta una inmensa cruz fosforescente que domina la mesa de grabación ¡Una verdadera performance! Finalmente un signo que nos hace confiar en una Justicia superior dominada por la música.
British Sea Power: Do you like rock music? (Rough Trade/Sinnamon, 2008)
por Quim García - IndyRock
Escuchar un disco - y ya van tres- de esta banda inglesa siempre es una buena opción. Incluso a pesar de que con el paso del tiempo hayan sacrificado la calidad de las composiciones en favor de un sonido cada vez más perfecto. Es cierto que las canciones de su primer disco ("The Decline of British Sea Power", 2003) eran más brillantes, pero lo han sabido suplir con una profesionalidad dentro del estudio digna de mención. Canciones que podrían considerarse menores ahora ganan en detalles, consiguiendo que cada escucha se convierta en una experiencia. Técnicamente se les puede reprochar más bien poco: han buscado sonar más rockeros que en discos anteriores sin perder las coordenadas características de la banda y lo han conseguido. El primer aviso ya lo dan con el título. Todo un acierto: una declaración de principios y la mejor carta de presentación posible, porqué a quien le guste el rock acertará con este disco que es la confirmación de que British Sea Power es de esos grupos con personalidad propia, consiguiendo siempre un sonido personal. "Do you like rock music?" suena a rock, pero al rock visto desde el punto de vista de la banda de Cumbria (Inglaterra). Una visión única.
RSK: Corriendo Las Calles, 2007, Musicplus
Por Raül Ruiz - Indyrock
Naturales de Tarragona, los miembros de RSK se inician con este disco dentro del mercado profesional. De ello se ha encargado Musicplus, un sello joven que ha decidido comenzar su andadura musical apostando por nuevos valores musicales.
La banda catalana ataja, de esta manera, un peldaño más dentro de su progresión musical; pues más de nueve son los años que lleva subiendo y bajando escenarios a ritmo de rock. Y es que RSK son, ante todo, un grupo de rockeros auténticos. Ellos han nacido, crecido y vivido "en el barrio", mamando los problemas reales de la clase media/proletaria de esta sociedad. Por eso, cuando uno escucha Corriendo las calles identifica sus inquietudes musicales como protestas y reivindicaciones sinceras. Los once temas que componen el disco no hablan de Chanel, cocaína y Don Perignon; ninguno de ellos necesita maquillar las emociones entre bastidores de dificultades artificiales. Temas como Mil pateras, Sin mirar atrás o Lolo reflejan en sus letras problemas tan reales como de actualidad; y esto, en un mercado dominado por fariseos y mercenarios de notas variables, es de agradecer.
En definitiva, el trabajo de este quinteto es un claro ejemplo de que los sonidos contundentes y las turbaciones humanas coexisten en un mismo plano, aunque tenga este el color del asfalto y el aroma de una jornada laboral.
Aeropuerto: El aspecto del alma (Closer, 2007)
por Quim García - IndyRock
Las etiquetas y las comparaciones a veces sólo dejan ver un árbol en vez de todo el bosque. A Aeropuerto se les ha comparado con bandas shoegazer (My Bloody Valentine, Ride) y con otras como Spacemen 3. Pero su registro es más amplio, o más limitado, depende como se mire y hasta donde se quiera llegar. ¿Entonces, se pueden oír rastros de esos grupos en su primer disco, "El Aspecto del Alma"? Sí. Es cierto que tienen cierto apego por los pedales de efectos y a los sonidos ambientales o psicodélicos, pero también es un disco de pop-rock del de toda la vida.
El debut de estos barceloneses es de aquellos que se deja escuchar pese a que en algunos momentos puede llegar a dejarte indiferente. Un álbum a medio camino entre lo tradicional (muchas canciones tienen un aire pop, sobre todo en las partes cantadas) y lo experimental (las partes instrumentales con las que acaban las canciones son lo mejor del disco). Precismante es en ese último aspecto donde donde realmente sobresalen, demostrando lo que son capaces de hacer y lo que podrían llegar a conseguir.
Lástima que, para algunos, el "El Aspecto de Alma" se haya quedado corto.
The Smokers: Still giving (Lengua Armada, 2007)
Por Jesús Rojas - IndyRock
Nos encontramos ante una obra de importancia capital en los desérticos terrenos del hard rock estatal. Se trata del segundo trabajo de The Smokers, que siguen dando caña a raudales como demostraron en ese impecable debut titulado "Giving up".
Si antes se caracterizaban por ese rock duro de herencia ochentera, inspirado en bandas como Guns N Roses o Motley Crüe, ahora se atreven además en ahondar en los terrenos del rock sureño, llegando a recordar a The Black Crowes en cortes como "Rock star" o "Time", que parecen haber sido facturados muy lejos de la península ibérica. Los de Estepona han conseguido bordar un trabajo compacto plagado de riffs incendiarios y mucho sentimiento.
El primer corte con que nos topamos es toda una declaración de principios que ya utilizaron Quireboys hace seis años. "This is rock and roll" transmite pura energía, al igual que "Out of control" o "Desires", que suenan avasalladores de principio a fin. La banda liderada por Gaspar Gil suena más sólida que nunca bajo la producción de Sergio Cascales (una eminencia en el underground malagueño).
A lo largo de tres cuartos de hora se van sucediendo medios tiempos de toda la vida con pasajes más melódicos y otros llenos de rabia y contundencia. Ante todo, estamos ante un disco poco previsible en el que The Smokers lo dan todo y buena muestra de ello son canciones como la vertiginosa "The talent" o "Blast the radio", que rebosa auténtico honky tonk por los cuatro costados. No es uno de los mejores trabajos del año, es una de las obras más importantes del rock ibérico de todos los tiempos, y no exagero.
Okkervil River The Stage Names Jagjaguwar 2007
por Mauri Edo - IndyRock
Tras el exitoso Black Sheep Boy, editado en 2005, los tejanos Okkervil River vuelven a la escena del folk-rock independiente con The Stage Names. Se trata del sexto álbum de estudio de este grupo, que se encuentra actualmente en gira de presentación mundial del mismo. Precisamente es esta gira la que los traerá a España, concretamente al Primavera Sound Festival, en mayo de 2008.
The Stage Names ofrece un inicio arrollador, con tres temas de bandera como son Our life is not a movie or maybe, Unless it's kicks y A hand to take hold of the scene, dónde la lírica inspirada y punzante de Will Sheff se acopla perfectamente al entorno sureño que tan bien sabe generar la banda. En ese mismo ambiente de contrabajo, banjo y trompeta, pero con menos revoluciones, entramos en el ecuador del trabajo destacando por encima de todo A girl in port, oda al amor y desamor, a las relaciones incompletas que se acumulan en el bagaje vital y que dejan un regusto amargo al recordarlas. La dinámica de "storyteller" se mantiene hasta la última canción del disco, John Allyn Smith Sails, en la que Sheff se las ingenia con maestría para insertar el estribillo de la archiconocida en el sector Sloop John B, como homenaje velado (o no tanto) a los Beach Boys y al poeta John Berryman, que inspiró ambas canciones.
The Stage Names es un disco de rock con muchas etiquetas adicionales posibles (folk, country, alternativo...) pero rock con contenido al fin y al cabo, y su presentación (en el Primavera Sound 2008) es un directo que esperamos con gran interés.
Amigos Imaginarios: El Maestro de Houdini (Banjo Records, 2007)
por Quim García - IndyRock
Segundo disco de este grupo que en principio sólo tenía que acompañar de gira a Santi Campos para la presentación de su disco en solitario de 2005, titulado precisamente "Amigos Imaginarios". Al final, a Santi le gustó tanto la experiencia que desde entonces ha ido eliminando progresivamente su nombre de las portadas hasta culminar en "El Maestro de Houdini", donde ya sólo se hace referencia a "Amigos Imaginarios".
Con "El Maestro de Houdini" consiguen sintetizar las ideas del anterior disco "El invierno Secreto" en 37 minutos, 20 menos que su antecesor. Esta contención en el minutaje del álbum lo hace mejorar notablemente. Pero la concisión no es la única virtud de este álbum. También es más variado, con más registros, incluso con alguna que otra canción apta para radiofórmulas. En total 10 canciones atemporales que beben más de la tradición norteamericana que de cualquier otro sitio. "Chistes raros" es grande, todo un himno inmediato, "Aprendiendo a Volar" un maravilloso ejercicio de americana, "Una Educación Católica" toda una lección sobre como hacer canciones y la canción que da nombre al disco la combinación perfecta entre lo épico y lo íntimo.
Sin duda, este es un disco que pese a ser ya del año pasado seguro estará presente durante el 2008. Mientras llegan las novedades de este año, escuchar "El Maestro de Houdini" es una de las mejores opciones para seguir esperando.
The Rumble Strips: Girls and Weather (Universal, 2007)
por Quim García - IndyRock
El primer disco de The Rumble Strips es como un soplo de aire fresco especialmente indicado para la resaca post-transcendental de algún que otro grupo. Estos cuatro ingleses liderados por Charlie Waller proponen una música animada -festiva- que retoma la herencia de los Dexys Midnight Runners y la vuelve a poner de moda veinte años después. Incluso más de una canción de "Girls and Weather" podría estar en alguno de los discos que los Runners hicieron en la década de los ochenta.
Pese a que en el primer verso del disco Waller lo niega ("I ain't got no soul") lo cierto es que no sólo él, sino las canciones del disco tienen un gran poso de soul. La fórmula es simple: batería, bajo, un poco de guitarra, trompeta, saxofón, mucho ritmo y mucha melodía). Sencilla pero a la vez también peligrosa, demasiado encorsetada. La suerte es que la jugada les ha salido a la perfección. Las canciones son buenas. Más de la mitad de las canciones del disco han salido como single, ya sea como presentación de "Girls and Weather" o anteriores a la grabación del disco ("Motorcycle" y "No Soul" salieron como sencillo hace un par de años). Las que no han tenido la suerte de salir como singles podrían haberlo hecho tranquilamente, porque todas las canciones de "Girls and Weather" tienen alma de hit festivalero. Seguro que este verano tendremos oportunidad de verlos en alguno. Será entonces la excusa perfecta para disfrutar.
Division Day: Beartrap Island (Eenie Meenie, 2007)
por Quim García - IndyRock
Hay que estar atentos al futuro de la banda formada por Rohner Segnitz, Seb Bailey, Keys Ryan y Kevin Lenhart porque son capaces de hacer cosas excepcionales. Como por ejemplo debutar dos veces. La primera en 2006, cuando se autoeditaron su primer álbum. La segunda hace dos meses, cuando la discográfica Eenie Meenie reeditaba Beartrap Island, un disco para aquellos que buscan una pequeña sorpresa. Una joya a escala, de aquellas que llegan sin hacer mucho ruido y que, precisamente por eso, sorprenden.
Beartrap Island es un disco frágil, sobretodo cuando los ritmos se ralentizan y la música se hace más ligera, creando una sensación de vacío. Y cuando más se asoma uno al abismo más poder de atracción tiene. Por contra, cuando se pisa terreno seguro y las gruitarras se endurecen y aceleran se pierde parte de la magia del disco. La única excepción es "Reversible", quizás porque consiguen juntar las dos caras del disco. Una más eléctrica (y más floja) con otra más intimista donde, ahí sí, uno encuentra la auténtica belleza del debut de División Day, un grupo que ha hecho un buen disco, el cual, con sus aciertos y errores, supone un primer paso en firme hacía algo mejor.
Yeasayer: All Hour Cymbals (We are free, 2007)
por Quim García - IndyRock
Todo lo antiguo vuelve. Se quiera o no. El truco está en ser los primeros en recuperar -o parecer que se recupera- algo que se creía olvidado. Eso es lo que han hecho los cuatro miembros de Yeasayer. Tomar de punto de partida unos ritmos tribales, aderezarlos con unos coros de varias partes del mundo y darles un toque de experimentación electrónica y de guitarra con reverb . El resultado es un disco de una música con tendencia a lo etéreo, que se deja escuchar y que por momentos llega a hacer vibrar. Pero en el fondo no suena nuevo. Llegando a parecer en ocasiones un disco de la época en que la filosofía new age estaba más de moda.
La gracia del disco está en ese toque de electrónica más contemporánea. Por una parte es lo que hace que se pueda escuchar con agrado y por otra lo entronca directamente con el panorama indie actual. Por que si no, en vez de actuar en salas de música alternativas tocarían en festivales de world music. Y es que pese a las guitarras, a los teclados y a la electrónica "All Hour Cymbals" es más un disco para respirar aroma de incienso en la oscuridad que para bailar en la discoteca. Eso sí, para respirar incienso está bastante bien.
The Last Army "The Last Army", 2007
Por Raül Ruiz - Indyrock
Este potente quinteto inglés nos presenta su primer disco compuesto por ocho temas tan divergentes como adictivos. Definiéndose a sí mismos como "trovadores pre-apocalípticos", los británicos emplean un rock sobrio y fosco para expresar sus inquietudes sociales y existenciales.
Si hay algo que sus canciones eluden a la perfección es la indiferencia del oyente. Las letras, tan directas como inclementes, disfrazan su crudeza bajo la calidez cadenciosa de la voz de Rebekah. Esto queda claramente reflejado en temas como Dead, donde la base rítmica se asemeja a una canción infantil de distorsión tenebrosa, y los coros cantícos ceremoniales de algún ritual arcaico. O Broken Down In London Town donde la voz de Rebekah narra una historia bilingüística, combinando el francés con el inglés sobre un fondo acordeónico de chanson que nos transporta a los cafés de París.
Otra de las bazas a su favor es la presentación del álbum. Una lujosa y original composición de 2 discos, con cuatro canciones cada uno, escogiendo el negro sobre blanco para uno de ellos, y el blanco sobre negro para el otro.
Este año tuvimos la posibilidad de verles en directo por nuestro país, no desaprovechando la oportunidad Julio Ruiz de entrevistarles para Radio Tres. Si la justicia impera en este caso, The Last Army no tardará en ampliar su nombre y fama con este disco. Será entonces cuando, quizá, volvamos a verles por estos lares.
Lek Mun "Infra Leve", 2007, Aloud Music Ltd
Por Raül Ruiz - Indyrock
Semifinalistas en el Proyecto Demo 2007, Lek Mun se estrena por fin en el mercado discográfico con la edición de su primer disco: Infra Leve. Un trabajo cuya calidad aflora en el tema apertura, Sailors, y que se mantiene hasta la finalización de los otros nueve. Nada hallaremos esporádico en él, la fortuna no ha salpicado de forma azarosa esta creación; si dijese lo contrario estaría pecando de injusto ante una gran labor de ingenio, arte y, sin duda, laboriosidad. No en vano, el equipo humano de Lek Mun lo forman músicos consagrados. Repasemos: Dani y Laura son la columna vertebral de Maple, Edu fue teclado de La Habitación Roja, mientras que Ander hace sonar su bajo en la formación de funk Five Mix Colors. Junto a ellos, Francesc se encarga de templar una guitarra que se convierte casi en una segunda voz en este álbum. Pero, precisamente, de voz es de lo que menos carecen los temas; ello es responsabilidad de Laura, ayudada de su garganta y sensibilidad. Y es que Infra Leve es puro sentimiento narrado; los temas se suceden como caricias sonoras convertidas en lullabies para adultos; la voz de Laura parece susurrarnos cada canción al oído, concediendo al oyente la sensación de una dedicación exclusiva.
La composición de los temas es el otro pilar fundamental de Infra Leve. Cualquier barco necesita un mar para poder navegar. Los cuatro chicos mecen a la perfección los tonos de su compañera en relajantes estructuras melódicas de una profesionalidad nada desdeñable. Incluso en las canciones donde la base rítmica de las mismas les obliga a acelerarse (Plans, Round Trip, Waiting & Action), a uno no le abandona ese estado de serenidad que transmite el disco.
Una auténtica delicia de diez temas, de los cuales ya pudimos saborear algún avance con My own weakness y Let the phone ring.
Recomendación personal: al llegar al último tema (el único en castellano), intentar escucharlo con los ojos cerrados y con algún aroma agradable embriagando la estancia. Se trata de una creación sonora tan exquisita que merece la pena saborearla.
Another Kind of Death. Sleepless every night. Underhill Records. 2007
Por Jesús S. - IndyRock
No resulta extraño que el título de primera figura nacional de ese estilo aun bastante desconocido para muchos como es el mathcore recaiga sobre estos cinco perturbadores seres. Velocidad matálica y buenas dosis de punk espídico son los elementos básicos de la música de los gamberros Another Kind of Death. Tampoco es de extrañar que el título del album haga referencia al insomnio: nadie en su sano juicio podrá dormir a pierna suelta tras escuchar de cabo a rabo un trabajo agresivo, duro y de dificil digestión para quien no esté habituado a este tipo de sonidos, de hecho sólo dan -relativamente- tregua en un par de temas algo más pausados pero igualmente densos. Aun así, el disco crece tras varias escuchas y acaba por entrar a fondo a base de buenos trallazos que terminan clavándose como dagas. Potentes como quien más, AKOD son una turbina ultraexcitada que desde la inicial "Car crash" (descriptivo título) dejan bien claro que van a por todo y todos.
Subterranean Kids "Early days", 2007, BCore
Por Raül Ruiz - Indyrock
De la mano de BCore nos llega algo que muchos anhelábamos desde hace tiempo: la recopilación definitiva de Subterranean Kids.
Estos cuatro chicos revolucionaron la escena punk estatal durante la mitad de los ochenta, siendo los primeros en adaptar el Hardcore americano y hacerlo algo nuestro.
Poco más de veinte años después, se nos ofrece la oportunidad de conseguir en un mismo recopilatorio, y de forma remasterizada, sus dos 12" Los ojos de la víctima y Hasta el final así como sus primera maqueta Subterranean Hardcore.
Con una presentación en digipack de lujo y un libreto repleto de fotos de la época, dentro del disco encontraremos otra grata sorpresa: un código para la descarga gratuita de 6 temas inéditos y sus letras.
Sin duda se trata de una grata noticia para punks, mitómanos, nostálgicos y todos aquellos que deseen conservar y/o revivir un punto de inflexión imborrable dentro de la historia musical de este Estado.
The Unit "The Unit", 2007
Por Raül Ruiz - Indyrock
Desde la ciudad condal nos llega el EP debut de The Unit. La presentación de esta banda catalana la componen seis temas de rock psicodélico interpretados en inglés.
Ya en el primer tema, Devil is around, descubrimos unas guitarras que flirtean con el funky escudando la voz de Iván Soulster, cantante de la formación. Leyendo el apodo que acompaña a su nombre es fácil adivinar la clara influencia musical que adopta en sus interpretaciones.
Y es que bajo la influencia de grandes mitos del rock como Led Zeppelín, los Rolling o The Stones Roses, el grupo consolida el álbum dentro de un tono meridiano, evidenciando sus claras intenciones.
Recién incorporados a Madforit Management los barcelonenses prodigarán su música más allá de su comunidad autónoma.
Mürfila "Miss Lios", 2007, Boom Tv
Por Raül Ruiz - Indyrock
Mar Ofelia, o lo que es lo mismo, Mürfila nos presenta su segundo disco después de Vamos a hacer pupita.
Este nuevo trabajo comenzó a grabarse en abril del 2006 en Sentir Estudios. Un año más tarde Miss Lios ve la luz con diez temas inéditos escritos por Mar y arreglados por Aurelio Morata, corazón de Aurelio y los Vagabundos.
El disco arranca con Me pones, una declaración sincera de gustos, mitomanía y reproches. En una línea similar se encuentran los temas Money y Tiempo para. Siempre dentro de su sensualidad e imagen de mujer decidida y autosuficiente, el disco cambia el tono de sus intenciones después del tercer tema: Que fluya lo cursi. Es a partir de aquí cuando las canciones adoptan un perfil más intimista y emocional, mutando los deseos y apetencias por necesidades y anhelos.
A caballo entre lo alternativo y lo comercial, la cantante nos ofrece un LP donde entremezcla temas bailables, muy en la línea musical actual, con otros más templados llenos de sensualidad premeditada.
Miss Lios incluye también videoclips de los temas: Caliente y Me pones.
Nisei "Continents", 2007, BCore
Por Raül Ruiz - Indyrock
El 10 de diciembre salió a la venta el segundo álbum de los catalanes Nisei, tras More Light.
Los de Vilassar de Mar han realizado una apuesta importante en este nuevo proyecto y es que, sin perder la entidad musical que les hace fijar su horizonte en los sonidos post hardcore americanos de Chicago y Washington, olvidan el lenguaje anglosajón en sus letras para reivindicar el catalán como lengua válida y oficiosa dentro del género. Diez temas íntegramente en esta lengua reafirman sus identidad e intenciones, entre los cuales existe la cabida del coqueteo con otras naturalezas musicales, como ahora el garaje en el tema Tortuga o las reminiscencias setenteras que tanto les gustan.
No en vano, la banda ha participado este año en el Primavera Sound y en el BAM.
Otro punto que despierta el interés de este álbum es que ha sido masterizado por Bob Weston en su flamante estudio Chicago Mastering Service.
Asimismo, siguiendo una actual tendencia retro, es posible conseguir el álbum en vinilo, dentro de una edición limitada de 180 gramos.
Patrick Watson "Close to Paradise" SECRET CITY RECORDS 2007
La sorpresa canadiense que nos acerca al paraíso.
por Juan Gallardo - Indyrock
Tal y como Michael Moore nos recuerda continuamente a los americanos y americanos de adopción, la respuesta para todo siempre está en Canadá.
Patrick Watson, líder de la banda Patrick Watson (todavía me acuerdo de cuando Pau Donés se hacía llamar "Jarabe de Palo") derrocha su talento en "Close to Paradise" su segundo álbum, aunque el primero en editarse internacionalmente.
Cuando hablo de talento, en el caso de Watson, me refiero a su extraordinaria voz y su inteligencia a la hora de usarla, llegando a las alturas de Jeff Buckley, recordando a Antony and the Johnsons en ocasiones, y desenvolviéndose como pez en el agua a través de varias octavas, saltando del contralto al falsete como si cualquier cosa. Pero no es solo el tono, aparte de la impresionante técnica, consigue no caer descansar en el virtuosismo desapasionado, su voz consigue ser personal, hiriente, inconformista pero sobre todo: esperanzada.
Cuando hablo de talento me refiero también a la capacidad de componer canciones como Luscious Life, la mejor canción que he escuchado en años, original y rompedora, polvo de estrellas y rodearla de joyas que solo muestran su belleza y esplendor tras la cuarta o quinta escucha, atmósferas que suenan a Bjork en ocasiones, coros de los mejores Beatles, guitarras que suenan a los 60, 70, 90, el siglo 21 y más allá, amenazando el virtuosismo al piano de Watson, desde el pop más sesentero hasta la experimentación electrónica pasando por el jazz, canciones de taberna, de circo ambulante.
Cuando hablo de talento no puedo dejar de referirme al buen hacer al rodearse de músicos que, seguramente sin llegar al talento de Watson, no se limitan a musicalizar lo que les dan, si no que dan a cada instrumento un espacio propio en el maravilloso universo sónico que ofrecen las canciones de "Close to Paradise"
Grande-Marlaska: El momento de hacer (Tres pies, 2007)
por Quim García - IndyRock
No es casualidad que el trío formado por Roberto Herreros, Malela y Pepo Márquez se llamara Garzón en sus inicios. No es casualidad que el juez de la Audiencia Nacional amenazara con demandarlos. Y no es casualidad que ahora se llamen Grande-Marlaska. Su intención desde el primer momento fue reivindicar la música como un medio donde expresar unos ideales. Quedó claro con su primer EP ("Otra fuerza", Yoyó Industrias/Grabaciones en el Mar, 2005) y lo vuelve a quedar ahora con su primer disco. Desde la primera frase. Llegó el día, escoged la posición/llegó la hora, despertad/es el momento de hacer. Pues bien, ellos han escogido el pop. Un pop acústico donde de tanto en tanto se cuela una guitarra eléctrica o una trompeta. Incluso hay espacio para el rock'n'roll ("Turno de réplica") y el indie ("Caza menor") pero lo que realmente define el sonido de Grande-Marlaska es la manera de tocar la guitarra de Roberto.Y ahí radica una de las grandes virtudes de Grande-Marlaska. "El momento de hacer" se convierte en un manual de como utilizar la guitarra acústica sin caer en lo soporífero ni en lo fácil. Si a eso le sumamos una melodías sencillas pero efectivas con unas letras que se mueven entre lo personal y lo reivindicativo, y una sección rítmica más que solvente nos da como resultado un disco aparentemente con pocas pretensiones, pero de gran calidad.
Ray Davies: Working Man's Cafe (V2, 2007)
por Quim García - IndyRock
Ray Davies ha conseguido que su nuevo disco esté en miles de hogares del Reino Unido antes de que saliera oficialmente a la venta. La fórmula, sencilla: regalarlo con el periódico de los domingos el día antes de que se pudiera comprar en las tiendas. Declaración de princpios para Davies, maniobra comercial para el periódico (The Sunday Times). Pero el hecho es que Davies no sólo ha acertado con la publicidad, también con el título. Sus canciones se podrían escuchar en cualquier cafetería. Justo después de un tema de Mark Knopfler y antes de un single de Paul McCartney. Canciones que no están mal pero a las que les falta la brillantez de antaño. Davies, como la mayoría de compositores que superan la cincuentena, ha optado por la vía autoindulgente. El resultado es un disco más lento y menos variado que el anterior (Others People's Lives , V2, 2006). Aun hay destellos de destreza del que fuera líder de una de las mejores bandas de los 60's, como por ejemplo la habilidad de Ray para contar historias y retratar la sociedad, pero el resultado general no acaba de convencer. Demasiado igual a discos ya escuchados. Demasiado cercano a las radiofórmulas nostálgicas. Unos se decantan por clasificarlo como rock adulto, otros prefieren directamente no llamarlo. Working man's café es la constatación de que las revoluciones se hacen de joven.
Shotter's Nation, Babyshambles 2007
por Muriel Mo - IndyRock
Pete Doherty: se odia o se ama, no hay otras posibilidades...su influencia es como una enfermedad extraña, un veneno peligroso. Como dicho, este veneno puede ser mortal o, al contrario, puede provocar una dependencia que no se elimina tan fácilmente. Está claro que la presencia constante, en los tabloides ingleses, de sus "aventuras" sentimentales y jurídicas, no hace que su popularidad en el mundo de la música suba hasta las estrellas. Pete es la representación misma del "cliché" sexo, droga y rock&roll: una dependencia incontrolable al crack, una ex novia súper Modelo, una gana constante de provocación...todo lo que se puede esperar encontrar en el "manual de la perfecta Rock Star". El problema es que, a causa de esta súper mediatización, Pit se ha vuelto en la parodia de si mismo. En efecto, su popularidad está más atada a sus "dependencias" que a su música y su credibilidad como artista ha caído hasta los límites más bajos. Los tabloides ingleses están obsesionados con su persona, como si tuvieran que inculpar a alguien para esconder los "vicios" de un montón de hipócritas..."peoples" incluidos. ¿No es esta una contradicción? Acusar y después hacer lo mismo...¡pero en secreto, evitando los ojos indiscretos de los "paparazzi"! Esta no es, evidentemente, una apología de la droga, y no es absolutamente para justificar la actitud de Doherty, pero bueno, hay que ser realistas y considerar los vicios de una sociedad en su totalidad, perdida en el culto de la perfección y de la superficialidad. Pete es más que la muñeca junky de Kate Moss y Shotter's Nation es la prueba de su talento, a pesar de los gossips, de la droga o de sus problemas sentimentales.
Ya el título nos muestra el camino: Shotter's Nation, traducido literalmente: nación de los dealers, referencia directa al mundo de las drogas, universo que Pete conoce muy bien y que le obsesiona desde demasiado tiempo. Pero, hay que tener cuidado, porqué esta no quiere ser una glorificación de la auto destrucción, al contrario, quiere ser pura representación de la realidad, realidad difícil de aceptar, pero siempre realidad. Esta segunda obra de Babyshambles está construida por pequeños pedazos de existencia, momentos íntimos a flor de piel que muestran el talento de songwriter de Doherty, talento ya explotado durante la memorable época de los Libertines. Pete prefiere explicarse gracias a la música, dar una muestra de su "mundo interior", de sus ambiciones y de sus miedos gracias a la escritura...pero, como sucede a menudo cuando se habla de Doherty, su actitud es, a veces, contradictoria, una mezcla de compasión (actitud de victima) y autodestrucción (goza del sentimiento de poder dado por las drogas). "Carry Up The Morning", primera canción de Shotter's Nation, propone una pop calibrada y enérgica típica de Doherty, una delicia, se continua con "Delivery", una bomba para los dancefloors, una pura joya que nos da una gana irresistible de bailar...increíble! "Crumb Begging Baghead" nos da una muestra de la creatividad de Pete, proponiendo un universo más siquedélico, con respeto a las otras canciones, más directo, casi brutal. En "Unstookie Titled" Doherty empuja la provocación hasta la auto citación, reproponiendo el "ponte" de "Fuck Forever". "The lost Art Of Morder" cierra el CD y nos muestra un Pete sin artificios, sencillo y impactante...sublime!
Shotter's Nation se puede considerar como la continuación del primer CD de Babyshambles Down in Albion, pero portador de una carga suplementaria de coherencia y ganas de hacer. Esta segunda obra está totalmente controlada, desde el comienzo hasta el final, como si Pete quisiera contar una historia, la historia de su vida, al mismo tiempo terrible y fascinante. Shotter's Nation es un Down in Albion, pero sin las canciones un poco pesadas de este último, canciones que le daban un aura incoherente, inestable. Shotter's Nation corrige el problema y muestra el talento de Doherty, proponiendo algunos momentos de pura intimidad, momentos privilegiados, sublimes, que tocan el corazón.
Los Chicos: Launching rockets (Rock is Pain, 2007)
por Jesús Rojas- IndyRock
El tercer disco de los madrileños ve la luz a través de Rock is Pain, un joven sello que ha apostado por Los Chicos para su primer lanzamiento. Los que no hayan tenido el placer de degustar el explosivo cóctel de la banda que cuenta con los gemelos Antonio y Gerardo, sólo decirles que ellos mismos definen la ecuación que hace posible su sonido de la siguiente manera: Rock and Roll + Rhythm & Blues + Soul + Punk + Pub-rock + Country + Cerveza = FIESTA. Eso es en lo que deriva cada concierto del sexteto.
Hasta ahora, en el estudio, no conseguían transmitir toda la energía desplegada en sus shows y de ahí la publicación de "Launching rockets" el disco que mejor capta el potencial en vivo de esta banda. Buena muestra de esta decisión es "Alive", el corte que abre el disco con la misma energía y atmósfera sudorípara que se respira en sus espectáculos. Ellos son la banda favorita de Beck en territorio nacional y han compartido escenario con bandas de la talla de The Pirates, Southern Culture On The Skids o Paul Collins, con cuya voz han tenido el placer de contar en "Play it for real".
A lo largo de 15 cortes despliegan su devoción por el rock and roll puro, el que fabricaban en su día artistas como Credence Clearwater Revival o Bo Didley, tan diferentes y tan necesarios a la vez. Se atreven con el rockabilly en "Los Chicos Party Boogie", el punk surfero en "Vision", el country-rock en "Sheep attack" y el rhythm and blues sesentero en "You are my sign".
El nuevo trabajo de Los Chicos no sólo está a la altura de "Shakin & Prayin" y "Fat spark!", sino que se encumbra como su mejor grabación hasta el momento, convenciendo al personal con una portentosa base rítmica que absorbe lo mejor del rock and roll desde su nacimiento en 1954.
Tarik y la fábrica de colores: El hueso y la carne (Mushroom Pillow, 2007)
por Quim García - IndyRock
Todo parece encajar ya perfectamente. Todos los elementos dispersos por "Sequentialee" (Mushroom Pillow, 2005) se han cohesionado y articulado en las 10 canciones que se esconden en "El hueso y la carne". Para conseguirlo, Álvaro Muñoz ha renegado de la luminosidad del disco anterior para entregarse a una sonoridad más obscura y densa. El resultado es un disco que supera a su antecesor a base de canciones certeras, donde el caos controlado de las guitarras no impide que las melodías fluyan libremente. Se conjugan así dos de los elementos más característicos de Álvaro, el pop británico de los 60 y 70 ("Tiene que pasar", "Vuelta a los colores") y el indie más contemporáneo ("Tormenta esta noche"). Y entremedio un par de homenajes. El primero a The Velvet Underground en la introducción de "Anticipo". El segundo rinde tributo a "Spiders (Kidsmoke)" de Wilco, o lo que es lo mismo al grupo alemán Neu!, en "Nadador", canción que cierra el estupendo disco de un artista que, de haber nacido en otro país estaría mucho más considerado. Cruel realidad.
The Jubes, desnudar el alma
Por J. E. Gómez / IndyRock Magazine
Intensidad, sensaciones desde lo más profundo de tu ser, sinceridad y almas desnudas. Es la clave de la música de The Jubes, un dúo de creadores que logra dar un paso más allá del pop para convertirlo en el medio para expresar sentimientos cargados de intimidad y giros poéticos. The Jubes es la unión de un músico y compositor español, afincado en Houston (Texas), un creador que en España lideraba una de las bandas de pop-rock más personales de la geografía hispana, Street Spirit, y Gerald Thurmond, un norteamericano curtido en decenas de locales de blues, pop, rock, jazz, junto a músicos y bandas como Tina Allen Group, TunaPilot y Bankshot. En Houston mezclan sus personalidades para dar vida a las canciones de The Jubes, una sugestiva mezcla de temas en español e inglés, todos ellos enraizados en el brit pop, el indie y en la más profunda canción de autor. The Jubes juega con el jazz, la experimentación, incluso el folk y la nueva "chanson" francesa... Sensaciones que emergen de guitarras cálidas, cargadas de crescendos, que envuelven la susurante y rasgada voz de Juan Gallardo, repleta de armonías, matices y fuerza expresiva. The Jubes son atmósferas densas, momentos íntimos en la penumbra.
Puta Lokura "Puta Lokura... Y su puta madre", 2007
Por Raül Ruiz - Indyrock
Power pop, Ska punk, Power punk, Emo core, Punk core, Punk pop. Demasiados términos, demasiados estilos y una sobredosis de conceptos que no sirven más que para edulcorar el punk o acelerar el pop. ¿Pero que sucede con el punk de toda la vida? Y me refiero a aquel que se pronuncia tal como se escribe, con "u"; nuestro punk, el de nuestras comunidades, el que apareció a principios de los 80, viviéndolo algunos, mamándolo otros y descubriéndolo los más tardíos. El punk, en su pura esencia, no solo es música, es una actitud, una negación a una sociedad no escogida, una elección de vida o la única puerta de salida. Y es curioso que inmersos en el, hasta el momento, siglo más consumista de todos, existan apuestas valientes como Puta Lokura. En su EP debut, estos cuatro chicos muestran su rabia e inconformismo social a través de cinco temas llenos de rabia, repulsa, denuncia y condena.
Lástima que los temas vuelvan a ser los de siempre: corrupción en el poder, exaltación del antimilitarismo, drogas, sexo... La savia nueva debería protestar por los problemas actuales, sin olvidarnos de mirar de soslayo al pasado, por supuesto. Pero protestar de forma genérica sin golpear sobre objetivos definidos acarrea el peligro de filtrar en tu mente la frase "más de lo mismo" entre canción y canción. Porque el punk debe ser contundente y acarrear una reacción o, por lo menos, un cosquilleo de replanteamiento existencial; y es esa falta de contundencia de lo que quizá peque "Puta Lokura... Y su puta madre", tanto en sus letras como en su interpretación. Pero es un disco franco, surgido por la necesidad de chillar ¡despierta! a esa parte del cerebro que nos tienen adormecida a base de productos de última generación y bienestares materiales; esto, por mi parte, ya es digno de admiración y respeto.
Demos una oportunidad a este disco, a esta formación y dejemos que maduren en su progresión musical y humana. Tal como dicen ellos en su tema "Zókala": Dándole tiempo al tiempo sé que encontraré mi puesto.
Johnny Casino and The Secrets. New clothes old shoes. (Off the hip records) 2007
Por Jesús S. - IndyRock
En terminos de rock and roll, Australia ha parecido a veces, un apéndice en el tiempo del clásico sonido de ciudades americanas. Desde el clasicismo de Meomphis, pasando por los ecos de Detroit hasta llegar al feeling negro de Philadelphia, la que conocemos como música genuinamente americana ha tenido en ciudades como Sydney o Melbourne ecos a través de infinidad de bandas que, mirando al norte, han tendido un cable hacia la tierra de las oportunidades y la fast food. Johnny Casino va de este palo. Tanto con su ex-banda Asteroid B-612 como en este nuevo periplo con nueva formación, su punto de vista se situa en esos parametros: rock and roll con todas las letras, arraigado en el country-rock por momentos, pero siempre electrificado con maestría. Letras de carretera y polvo. Jugadas ganadoras de black-jack, mujeres fatales y millas delante del morro de tu Buick serían los elementos perfectos para acompañar a su música. Un viaje, insisto, ultra-recomendable para todo aquel que ame la música de gente desde Berry a Mitch Ryder pasando por Gram Parsons y por supuesto Bob Dylan, del que Johnny ofrece una gloriosa revisión del mítico "Ballad of a thin man" en una especie de orgía entre guitarras y vientos que se te clava en el alma. En definitiva, un disco fresco y hecho con el corazón, que además Casino y los suyos podrán defender en directo en una extensa gira por nuestro país. como para perderselos.
City Sleeps. Not an angel (SPV -Trustkill) 2007
Por Jesús S. - IndyRock
Angustia, dudas existenciales, soledad y mucha tralla es la apuesta de estos chicos, nuevos exponentes de esa corriente de metal alternativo moderno que los viejos rockeros a veces no podemos o no queremos apreciar pero que está creando una industria alrededor que hace que al menos sea interesante de tener en cuenta. City Sleeps, por tanto, se suben al carro de lo que ahora más buscan los A&R americanos; musicalmente tiran un tanto de lo que más se estila (a saber, introducciones épicas, riffs de guitarra pesados, y base rítmica modelo taladradora) pero logran salir airosos del trance gracias a unos temas al menos bien construidos y en ocasiones bastante interesantes, como son "Prototype" y "Matilda". A la hora de levantar el pie del pedal de sitorsión ofrecen medios tiempos resultones como "I can´t make you love me". En definitiva, juventud y fuerza de la mano de una banda americana leal a unos principios y con ganas de destacar.
Sick City Nightlife (SPV-Trustkill) 2007
por Jesús S. -IndyRock
Sick City es una joven banda canadiense formada por cinco jóvenes procedentes de una escena a veces deconocida para el gran público pero localmente importante. Dando el salto de Canadá al resto del planeta, Sick City han apostado fuerte desde 2005, reuniendo fuerzas y medios para presentar al gran público un trabajo sólido. Practican un hardcore melódico poco arriesgado y carente de agresividad, pero con un potencial inmenso de cara al "target" al que va destinado, un público joven que busca la inmediatez de un sonido que lleva ya unos cuantos años arrasando en los high-school americanos. Con "Nightlife", SC demuestran saber moverse en ese terreno, a través de intros dramáticas, bases contundentes y potencia guitarrera, lo que les ha permitido ya elevar su estatus y girar por los Estados Unidos.
Fiction Plane Left side of the brain 2007
por Jesús S. -IndyRock
Segundo disco de esta banda inglesa marcada por un dato que a priori no debería valer de nada: está encabezada por Joe Sumner, hijo de Gordon Sumner, más conocido por Sting. El hecho de que el con las letras del nombre de esta banda podamos componer "Infant Police" podría ser de también de relevancia. Pero no nos equivoquemos. Fiction Plane, dejando de un lado parentescos y el indudable espaldarazo que supone tener un progenitor en el mainstream musical, poco se parece al trio recién reunido. Practican un rock vigoroso, lleno de buenas melodías. La voz de Joe es a ratos parecida a la de su padre, pero también recuerda a la de Bono en sus inicios. El disco mantiene un buen nivel compositivo. Un segundo trabajo que está llegando más lejos gracias a la inmediatez de temas como "Death machine"o el single "Two sisters". Claro, que el hecho de estar girando con The Police, también ayuda. Aunque insisto, deberán ser juzgados por sus méritos estrictamente musicales, que no son pocos.
Axel Rudi Pell . Diamonds unlocked (SPV) 2007
por Jesús S. -IndyRock
Siguiendo la moda de los discos de versiones, Axel Rudi Pell nos propone con el suyo un curioso viaje por las tres últimas décadas del rock, pasado por su visión, particular e interesada, pero propia y legítima al menos. El logro ha sido reconvertir al estilo del guitarrista alemán piezas en principio difíciles de encajar como el "Bautiful day" de Bono y Cia. o "In the air tonight" de Phil Collins, dos extravaganzas bien resueltas que conviven con himnos metaleros de gente más afín a Axel, como pueden ser "Warrior" de Riot" o "Rock the nation" de Montrose. Sin ambargo, lejos de vitaminizarlo, resta electricidad al "Love Gun" de Kiss, convirtiéndolo en una intensa balada acústica, que se situa junto "Heartbreaker" de Free y "Won´t get fooled again" de los Who entre lo mejor del album. Interesante y didáctico, perfecto para las masas metaleras que no pueden ver dos metros más allá del terreno que pisan.
King Khan & The Shrines What Is? (Bloody Mary) 2007
por Jesús S. -IndyRock
Realmente incendiario este disco. Mezclando en un mismo concepto punk, soul, psicodelia, serie-B y mucho sentido del humor, King Khan (de ascendencia india) y sus amigos los Shrines nos ofrecen en "What is?" una fiesta sonora donde todo cabe, acompañada de una pista en video donde podemos constatar las locuras de este tipo amén de verle sobre un escenario, su entorno natural. Temas que enganchan a la primera como "I wanna be a girl" o "No regrets", y que navegan por todos esos mares que he mencionado. Inmediatos y frenéticos en ocasiones, con la personalidad y energía de King Khan al timón, esa suerte de cruce entre Screaming Jay Hawkins y Sid Vicious que lo pone todo patas arriba, como han podido presenciar muchos en sus incendiarios conciertos por nuestro país, al que volverá en 2008 para regocijo de sus fieles. Catarsis colectiva asegurada. Más información sobre fechas, próximamente en la página de conciertos de IndyRock.
Les Savy Fav: Let's stay friends (French Kiss, 2007)
por Quim García - IndyRock
Lo más normal en los tiempos que corren es encontrarse con un disco que empieza fuerte y poco a poco se va desvaneciendo. En cambio el cuarto disco de estudio de Les Savy Fav es de aquellos que van de menos a más y que además mejora a cada escucha que se realiza. Let's stay friends no es un disco inmediato, se necesita tiempo para poder apreciar la propuesta de esta banda norteamericana. Y eso a pesar de que, en apariencia, se podría calificar este disco como un ejercicio de estilo. El resultado de juntar elementos del punk y del post-hardcore, adaptarlos al 2007 y aderezarlos con pop, mucho pop. Aunque no lo parezca detrás de la urgencia guitarrera, detrás de los riff más contundentes hay más pop en Let's stay friends de lo que aparenta.
Pese a todo, da la sensación de que en ocasiones la fórmula no ha salido bien. Algunas canciones se quedan ancladas en el pasado, repitiendoclichés ya conocidos. En cambio, cuando más actuales se vuelven las canciones más brilla el disco. Por suerte son la mayoría, presentándose así como una hoja de ruta para posibles discos futuros. Un camino que, de seguirlo, seguro que nos dará más de una alegría.
Pigmy Miniaturas Junk Records 2007
por Vanessa Prado - IndyRock
Son ya muchos años para Vicente Maciá "Willy" desde que empezara en el mundo de la música con Carrots, banda que cosechara éxitos en su día en sus nueve años de trayectoria. Ahora Pigmy (sobre nombre adoptado porque así le llama su familia) edita disco, de la mano de Junk Records, y lo hace para traernos canciones llenas de sencillez y buen pop. Se lee entre líneas las influencias de Simon & Garfunkel o Cat Stevens ("Miento menos" podría ser un buen ejemplo, aunque hay muchos más) y los ecos de ese pop antiguo y nostálgico de voces claras y cándidos arreglos. Queda siempre presente el peso de los sonidos de los sesenta para transformarlo en temas que adaptan el folk más consciente y la psicodelia más sensata. Grandes temas como "Piedras y Guisantes", con letras costumbristas y evocaciones a una realidad que se enriquece con metáforas transparentes. Un disco que se enmarca en el pop más humilde y espontáneo, pero con un carácter intimista y sincero, sin grandes pretensiones, pero no por ello menos exigente con una escena que últimamente adolece de propuestas como estas. Pigmy nos canta y nos cuenta fragmentos de su personal manera de ver el mundo, pero lo hace con estilo (los arreglos de "Válsamo", geniales) y con una calma y un sosiego que nos transporta a estados de ánimo que, si bien no son nuevos, sí que los teníamos olvidados.
Suite "Piezas contentas" (Astro Discos, 2007)
Por Jesús Rojas - IndyRock
Dos catalanes, un mallorquín y un sevillano. No es un chiste, es la nueva apuesta de Astro Discos. Se trata de una banda de rock en castellano que se sale de la normativa que hasta ahora ha utilizado la discográfica madrileña.
No quieren ni oír hablar de pop, lo suyo es el rock, como rezaba en su día aquel himno de los desaparecidos Barón Rojo. El caso es que Suite se muestran naturales y directos, haciendo la música que les gusta y sin ocultar sus pelos en el pecho (la portada no tiene desperdicio). Sus influencias van desde Bolan o Bowie hasta Wilco y canciones como "La gran ciudad" o "Suite" dejan el pabellón bien alto para tratarse de un debut.
Hay que señalar que los componentes de la banda vienen de otros proyectos musicales que han tenido más o menos repercusión: El Diablo en el Ojo, Pinball, Carrots, Smack Dab y Bunbury. A lo largo de los once cortes que encontramos en "Piezas contentas", uno se deja llevar por el rock psicodélico de alto contenido melódico ("Virginie"), las atmósferas acústicas ("Regalo de Reyes") y el rock de toda la vida ("Duque dellate", "Habitación drill").
Una grata sorpresa la de Suite, que ya forman parte de ese nuevo resurgir del rock de lírica ibérica y sonido anglosajón. Además, detalle a tener en cuenta, en la producción ha estado Sir Paco Loco, que ya tiene una obra de lujo más que sumar a su pedazo de trayectoria, como productor y como músico.
Beirut: The Flying Club Cup (Ba Da Bing!, 2007)
por Quim García - IndyRock
Acordeones, ukeleles, mandolinas, celestas, buzuquis, trompetas, violines y órganos. Esta es sólo un parte de los instrumentos que aparecen en The Flying Club Cup. La lista completa es mucho mas larga. Y todo porque Zach Condon, líder e impulsor de Beirut, ha decidido ir contracorriente. Si la mayoría de músicos tienden a miran hacia la tradición norteamericana Condon lo hace en dirección opuesta. Con la vista puesta en el viejo continente, el artista de Alburquerque (Nuevo México) se abastece, principalmente, del folclore de la Europa del Este y lo combina con algunos guiños -eso sí, pocos- de la música pop.
De esta manera, Beirut se ha convertido en un "rara avis" dentro del panorama independiente. Su propuesta tiene más de lo que ahora se llama "músicas del mundo" que de música alternativa. Pero en la actualidad, un disco como el de Beirut sólo tiene sitio en una discográfica pequeña. Y gracias a ellas tenemos la oportunidad de disfrutar de una pequeña joya titulada The Flying Club Cup.
Escuchar el segundo disco de Beirut es como hacer un viaje sin salir de casa. La primera parada, obligatoria, es la portada del disco: toda una declaración de principios. Una vez contemplada uno ya puede intuir lo que va a suceder en los siguientes 40 minutos. A partir de aquí el trayecto es personal, cada uno irá a lugares diferentes. Unos llegarán más lejos que otros debido a que a mitad del disco hay un momento de confusión, donde aparece la duda de si Condon no estará sobreexplotando su fórmula. Es entonces cuando algún viajero decidirá volver a casa. Pero los que aguanten hasta el final verán que, en el último tramo, el disco revive, provocando que la imaginación vuelva a ir a lugares remotos, a tiempos pasados y después, en el momento del silencio final, ésta volverá a su lugar, al siglo XXI.
Manna "Sister", - Suomen Musiikki Oy - 2007
Por Raül Ruiz - Indyrock
Existen voces que invitan a la calma, a la reflexión, a la introspección. Suelen ser voces que anhelamos escuchar susurrando nuestro nombre en mitad de una noche fría y solitaria; voces que suenan a narraciones extraordinarias de princesas melancólicas y perdedores metidos a héroes; voces huérfanas adoptadas por Morfeo mientras vela nuestros sueños; voces ideales para guiar caricias, besos y roces. La voz de la cantante finlandesa Manna es una de ellas.
Con la nostalgia armoniosa de una Dolores O'Riordan de escala minoritaria, la cantante de Helsinki nos presenta "Sister", un trabajo de diez temas interpretados en inglés cuya fuerza radica, paradójicamente, en la serenidad que transmiten.
A excepción de los temas Stars, Sing for you e In the book of love, las letras del resto de canciones que completan el disco son obra de la propia cantante, la cual, incluso, se encarga de la total composición del tema que da nombre al LP: Sister; una creación muy personal, donde la intérprete nos habla de la necesidad de sentirnos protegidos y queridos.
También hay que destacar Just for tonight¸ donde el cantante Ville Valo, lider de HIM, colabora en forma de dueto vocal.
Pero si optamos por no detenernos en estas reseñas y decidimos sumergirnos en las prácticas de "rascar e indagar" continuaremos descubriendo temas igual de interesantes, tales como Ending and Leaving, Lost o, el citado anteriormente, Stars: una belleza auditiva donde la voz de Manna se mueve de forma cromática y enarmónica, convirtiendo este en una savia elección de apertura del disco.
Sobrio trabajo debut de una cantante que esperamos disponga de las oportunidades que su música merece.
Nadadora "Hablaremos del miedo" (Jabalina Música, 2007)
por Vanessa Prado - IndyRock
Nuevo disco del sexteto gallego, Nadadora, y consolidamos referentes para el pop en castellano. "Hablaremos del miedo" (lástima que Aramburu se haya retirado, quizá con Nadadora será con quien le echaremos más de menos, y seguramente no por casualidad) lleva al oyente por los caminos que ya recorrieran sus anteriores trabajos, ese pop de matices y estribillos, de viajes por el túnel de la desolación o por la nostalgia teñida de invierno. Nadadora siguen recorriendo la senda que les ha consagrado ya como una de las bandas de pop nacionales, aunque quizá ahora se alejan de la frágil quietud de antaño para sumergirse en ambientes más épicos en los que las bases rítmicas tiene más presencia y donde las voces parecen exigir en vez de sugerir (el estribillo de "Tú y cuantos como tú", por ejemplo, podría ser una buena bronca convertida en canción). Ahora son más crudos, también más crueles, tanto en las letras como en la manera de envolverlas, y se nota que han hecho banda: leves cambios que matizan ese sonido Galaxie 500 tan atribuido y que, en según qué momentos, tiene mayor o menor justificación. Aparecen por primera vez en sus grabaciones los instrumentos de cuerda y viento ("Frágil" o "Al final (todo arde)" cuentan con una producción instrumental novedosa en los gallegos) y las guitarras dejan paso a los pianos y a las melodías vocales en algunos temas, aunque no en todos ("La forma" o "A=B=C" quizá abusan de cierta electricidad nerviosa). Grabado en los estudios Círculo Polar de O Grove, y masterizado por Alan Douches (que hizo lo propio con artistas como Galaxia 500, Damon and Naomi, o Anthony and the Jonhsons, entre otros) en los estudios West West Side Music de Nueva York. Parece que hay un cambio de intención, no en el resultado final, porque Nadadora siguen gustando igual, aunque sí en el modo de reconstruir y reinventar los colores con los que llenan ese paisaje que sigue oliendo a norte y a tristeza. Sin duda, uno de los lanzamientos del año.
Daniel Drexler. Valorar el vacío
Por J.E. Gómez / IndyRock
Folk,rock y electrónica. Una Sugestiva mezcla de sonidos para convencer al mundo de que el vacío tiene su espacio creativo positivista. Es la idea que lanza Daniel Drexler en su ultimo Trabajo Living in Confort lnc. Un disco cargado de espontaneidad que se ha sido posible al grabar de forma simultánea todos los músicos, como si se tratase de un directo en el que los músicos se dejan llevar por sus sentimientos Drexler ha contado con la producción de Matías Cella como productor y la masterización de Mario Brever. Este trabajo de Drexler, medico y creador de canciones, ha sido publicado por Factoría Autor. Una forma especial de sumergirse en el universo de este músico nacido en Montevideo
Desechos lncorruptibles
Promo Sapiens CD
Por J .E. Gòmez , lndyRock
Mantienen su esencia, su particular forma de hacer las cosas, de crear canciones. Desechos vuelve con un segundo disco más decidido y personal, cargado de aires de reggae, rock, funk y rebeldía. Desechos es una banda de Madrid formada por músicos de Hechos Contra el Decoro, que se decidieron a experimentar con otros ritmos y crear una cocktelera musical muy especial. Ahora lanzan su álbum Dos y Medio con la productora Homo Sapiens. Un disco en el que colaboran Javier Ruibal, Bebe dj Daem y Willy Lopez, un trabajo càagado de sonidos de vientos inconfundibles y un particular estilo incorruptible. www.promosapiens.net
As I Lay Dying, An Ocean Between Us (Metal Blade Europe) 2007
por Jesús S. -IndyRock
Herederos de una estirpe de bandas que hacen del metal extremo y el death bandera, As I Lay Dying es una de las bandas de moda entre los metalheads del área de San Diego. Tras un puñado de discos menores, preparan una especie de asalto internacional de la mano de Metal Blade. Liderados por Tim Lambesis, los californianos muestran sus uñas en este nuevo lanzamiento, "An ocean between us", en el que redundan en su temática pseudo-religiosa e infecciosos himnos que a pesar de la presunta inaccesibilidad de la voz de Lambesis terminan siempre enganchando con guitarras poderosas y estribillos demoledores, cuya prueba son temas como "I never wanted" y el que da título al disco. Eso sí, cuando te despistas te clavan otros incendiarios y rapidísimos, de los que se apoderan los alaridos del personal. Imagino que Europa está preparada para el asalto de As I Lay Dying, no creo que acepten un no por respuesta.
Oceansize Frames (Superball Music) 2007
por Jesús S. -IndyRock
Densidad e intensidad. Dos variables en las que estos cinco músicos ingleses, son auténticos expertos. Oceansize deambulan entre el indie-rock más arty y el sinfonismo más recalcitrante, lo que da como resultado un jugoso experimento sonoro en el que nada es previsible. "Frames" está compuesto por ocho temas largos que abundan en la autocomplacencia instrumental, con ligeras aportaciones vocales. Una amalgama de sonidos en los que demuestran estar muy en forma. Desde posiciones más tranquilas y cadentes hasta en pasajes más potentes donde incluso llegan a recordar a Rush, pasando por teatrales transiciones que te traen a la cabeza a los Genesis de Gabriel. Todo ello muy puesto al día y a la vez encauzado hacia el mercado independiente. Posiblemente no revitalicen la escena progresiva, pero al menos seguro que levantan la curiosidad de alguien que todavía no conozca las fuentes de las que beben. Mención especial a la producción, que hace aun más por un trabajo bastante digno que no dejará a nadie indiferente, y a la aportación gráfica de Robin Finck (Nine Inch Nails, Guns N´Roses), con bonitos dibujos a tinta que encajan como perfecto envoltorio para la música, especial y apasionada de una banda cada vez más a tener en cuenta.
Heaven & Hell. Live. 2007
por Jesús S. -IndyRock
¡Demonios! Dio de vuelta con Iommy y compañía. Nueva jugada de marketing cojonudísima. Existen hoy en día cada vez más bandas tributo, y no seré yo el que se queje de ello. Pero que mejor tributo para una época y unos discos que repetir la historia, volver a confiar en ese pequeño genio que es Ronnie James Dio para da vida de nuevo a himnos de Sabbath que no tiene ningún sentido oir en voz de Ozzy. Y este es el testimonio sonoro de una de las giras más deseadas de los últimos tiempos. Una banda veterana y sabia, completada con Vinny Appice de nuevo a la batería (Bill Ward parecía que iba a estar, pero al final se cayó del proyecto). Como siempre, reinan las guitarras de Iommy, genio zurdo donde los haya, y la voz de Dio, perfecta como está demostrando en los últimos años. Pero por encima de todo, unas canciones históricas que forman un set-list no apto para aquellos que perdieron el hilo a Sabbath con la salida de Ozzy. Centrado, por tanto en los dos grandes discos de la era Dio, "Heaven & Hell" y"The Mob Rules". Dos piezas imprescindibles que vuelven a cobrar vida de manera gloriosa, y que podemos disfrutar en todo su esplendor en este directo, especial no sólo por su contenido, sino por haber sido registrado en un sitio lleno de magia como es el neoyorquino Radio City Music Hall.
Souler Más allá de los setenta
"The Record Player" CD-Batiendo Records 2007-08-24
Por J. E. Gómez / IndyRock
Suena en decenas de discotecas y garitos. Lo remezclan los Djs como base fundamental para hacer bailar y disfrutar a sus clientes-espectadores, pero casi nadie es consciente de que esos remix tienen una base tremendamente sólida en canciones creadas en los sesenta y setenta, enraizadas en el soul más clásico, en el pop sencillo y entrañable de los inicios de la modernidad. Por eso, cuando aparece un disco que no se dedica a mezclar esta música, sino a crearla y lanzarla a los cuatro vientos, sin ataduras y sin complejos, debemos darle la bienvenida. Eso es lo que ha hecho Souler, con un primer trabajo 'larga duración', que bajo el título "The Record Player", ha lanzado al mercado con el sello Batiendo Records. Son diez temas con sen timiento, enraizados en el soul y el pop, con matices de la más pura psicodelia. Listos para dejarte llevar a pistas de baile, e incluso a atmósferas intimistas en rincones plagados de oscuridad. Souler ha contado con un magnífico elenco de músicos, como Jordi Gas, Valen Nieto, Carles Oliver, Xavi Rejia y Javi Redondo. Un disco para disfrutar también en largas horas de carretera.
Area 62 "Quien soy" Maldito Records 07
por Miguel Angel Alejo - IndyRock
Entradas épicas con toques electrónicos para recibir 11 tema este Quien soy (Maldito Records, 07), CD debut de los canarios, ahora afincados en tierras catalanas, Area 62. Contundencia musical, entrando en el mu metal electrónico donde Área 62 se mueve con soltura. Se denota que este quinteto tenía que vomitar todos estos temas para dar carpetazo para iniciar a dar pasos por nuevos campos compositivos.
Los temas quedan redondos -claro como el CD- aunque en una escucha continuada queda un poco monótono. Las letras, cantadas en castellano, nos trasladan a lados reflexivos negros de la mente y, como indica la misma portada, "marioneta de un ser superior".
Incapaz, rompe algo ese ritmo monótono comentado, para que las guitarras rujan a todo en Genocidio en Sao Paolo, en el que colabora Mart (Estirpe). Cierra el CD A por ti, tema instrumental, tema perfecto para hacer válido el refrán: Los últimos siempre serán los primeros. Es toda una declaración de intenciones a menos fuerza, lo que hace de A por ti, ideal para abrir bolos, para calentar motores. Esperanzador CD de debut de esta banda que no habrá que perder de vista. El CD se completa con un video del tema Dolor.
Matt Jennings " Two Become One" 2007
Por Joe McGaha - IndyRock
Matt Jennings es un cantautor del estado de Minnesota, EEUU. Su nuevo c.d., Two Become One (Dos se hacen uno) es bastante interesante. Toca la guitarra con influencias de guitarra española, y su manera de cantar se parece algo a algunos cantantes reggae, así que se nota que tiene influencias de muchas partes. La primera canción del c.d. se titula The tortoise and the hair (o sea, La Tortuga y El Conejo), como la vieja fábula. Dice "yo soy la tortuga, y tu eres el conejo. Corra cuanto quieras, que yo voy a ganar". Total, me ha gustado bastante este c.d. Una cosa que me interesó es que también escribe y canta canciones en español. Se nota que todavía está aprendiendo, pero me encanta saber que un artista estadounidense tenga interés por cantar en otros idiomas (que somos bastante conocidos como gente xenófoba, que solamente se enfoca en nuestra propia cultura). Si te gusta Jack Johnson, o Ben Harper, creo que te va a gustar Matt Jennings.
Silvania Campo de espirales / árboles / secuencias posibles 2007
Por Joe McGaha - IndyRock
Silvania es un grupo de música electrónica, compuesto de peruanos afincados en España que se especializan en manipular sonido para hacer un tipo de música que a veces es más sonido que música. A mí me fascina este c.d., porque es más como una obra de teatro que un c.d. de música. Yo tenía un profesor hace años que me dijo que música no es más que sonido manipulado en tiempo. Yo no estoy exactamente de acuerdo con eso, porque creo que es necesario que el compositor comunique algo con su música, sea un sentimiento, o una creencia, algo. Pues yo creo que Silvania sí comunica algo.al escuchar su c.d., yo sentí que era más que un experimento de sonido.
Hay varios artistas que han jugado con la música electrónica de esa forma.me recuerdan un poco al grupo francés Air (¿es que ellos siguen grabando?), que también me gustó bastante. Yo no tengo la menor idea de cómo serían sus actuaciones en vivo (parece que tienen varias por España), pero al escuchar su c.d., creo que me gustaría ir a algún concierto de Silvania a ver como es.Para más información sobre Silvania en la red: http://www.silvaniaweb.com
33cl, Esperanza para el rock
"La siembra" - CD - Music Bus - Warner - 2007
El trabajo continuado, el empeño en mantener tus ideas suele dar buenos frutos, incluso en el mundo del rock and roll. Es lo que ha ocurrido con una de las mejores bandas de R&R made in Catalunya. Se llaman 33cl, que después de tres años desde su primer disco, lanzan un segundo trabajo donde han consolidado su sonido. Con el título "La siembra", presentan una colección de once temas que tienen un denominador común, ser once buenas canciones, algo no demasiado habitual en el panorama roquero hispano. Desde ritmos contundentes, cargados de durerza extrema hasta melodías intimistas y seductoras, siempre con la voz de Felipe Recio, que ha madurado y se desgarra, mucho más que en sus primeros tiempos, allá en 1999, cuando se forma la banda tras unirse sus miembros para dar un concierto. 33cl pueden estar ante su lanzamiento definitico. Music Bus y Warner han decidido apostar por ellos. Estamos ante una nueva esperanza del rock, más aún si sus canciones se influencian en grandes del rock como Barricada. Si las grandes compañías apuestan, es que quizá no todo esté perdido en esto de la música. 33cl pueden ser un eslabón clave en la recuperación.
The Horrors "Strange House" (Universal / Sinnamon) 2007
por David López - IndyRock
A pesar de todas las polémicas, el primer punto a favor es que The Horrors, en ningún momento, intentan ocultar unas influencias que no sólo son evidentes sino que merecen todos los honores. Desde la actitud más salvaje del Nick Cave de The Birthday Party hasta el garage rock sexy tipo serie B de clásicos como The Cramps. A esto se le añade unas abundantes gotitas de punk oscuro y fantasmagórico (benditos sean esos hammonds de ultratumba), con toda su parafernalia y estética, y ya tenemos el debut más comentado de la temporada. Y esto sin olvidar el trío fantástico que produce: ni más ni menos que Alan Moulder (My Bloody Valentine), Ben Hillier (Depeche Mode) y Jim Sclavunos (batería de los Bad Seeds). ¿Y las canciones? Pues realmente mentiría si dijera que el disco no me ha gustado. Abren con una potentísima versión del "Jack the Ripper" de toda una leyenda de la talla de Screaming Lord Sutch para deambular entre hits sin concesiones como el famoso "Sheena is a parasite". Sí, sí, el mismo que vienen vendiendo como "la razón por la cual Chris Cunningham regresó a la dirección de clips". Un clip que sin constituir una pieza mayor (no, aquí no hay otro "Come to daddy") resulta sugerente aunque sólo sea por disfrutar de los bailes psicóticos de Samantha Morton. Destacable también en el conjunto del álbum son "Gloves" o como hubiese sido el encuentro de Jim Morrison con las luminarias del horror rock británico, la sinuosa y pegadiza melodía de "She is the new thing", o la instrumental "Gil Sleeping quote , banda sonora ideal de tu película favorita de terror de hace unas décadas. Peor o mejor, con sus logros y sus errores, "Strange House" es un divertimento sin más pretensión que el puro disfrute, que diría Lars von Trier. Así que al menos merece una oportunidad desprejuiciada.
Bonde Do Role "With Lasers" (Domino / Pias) 2007
por David López - IndyRock
Los brasileños Bonde Do Role se presentan como otros oportunistas de turno a raíz del éxito de sus compatriotas Cansei de Ser Sexy, que al menos podían argumentar con canciones vigorosas y directas destinadas a electrificar las pistas de baile con todo su potencial erótico-festivo. "With Lasers" retoma todos los puntos cardinales del sonido de la banda de Sub Pop pero situándolo en la delgada línea que separa un trabajo bien hecho del espíritu más cutre y vergonzosamente aprovechado. Aunque vengan con la presentación que supone estar producidos por Diplo (pareja y productor de M.I.A.), este disco combina con total desfachatez electrónica de saldo, riffs que rozan lo paródico, aires bossanova carentes de brillantez y una absoluta falta de personalidad, propia de los plagios tan poco respetuosos como escasos en su visión de futuro. Un hype que debería hundirse en el peor de los olvidos sin merecer más comentarios al respecto.
Nelson Bragg - Day Into Night 2007
Por Joe McGaha - IndyRock
Nelson Bragg tocaba batería para Brian Wilson, y se nota la influencia del famoso líder de los Beach Boys. Su música está llena de armonías bonitas, con una buena mezcla de guitarra y otros instrumentos tradicionales. El cd consiste de dos secciones - Día (las primeras seis canciónes) y Noche (las últimas seis canciones). Creo que prefiero Noche a Día, especialmente la primera canción, Death of Caroline (Muerte de Carolina), que tiene buenas letras, y buena melodía. Yo recomendaría este cd especialmente a cualquier fan de rock suave. Muy bien compuesto.
Nico : Reina de los alquimistas « The Frozen Borderline, 1968-1970 »
por Muriel (Mo)
Al final alguien abrió los ojos y decidió poner de relieve el trabajo de una artista demasiado olvidada, víctima inconsciente de sus propios fantasmas. El artista en cuestión es Nico, icono de la Factory de Andy Warhol, voz angustiada de la Velvet Underground y sobre todo músico polivalente que contribuyó, con su personalidad lunar, al nacimiento de una nueva manera de hacer música, punto de partida y inspiración del movimiento New wave de los '80. Su trabajo influyó de manera significativa muchos músicos, pero también cineastas; en efecto, Nico vivió una intensa relación sentimental y artística de 10 años con el cineasta francés Philippe Garrel. La dama alemana creó la banda sonora para muchas de las películas del artista, como por ejemplo « Elle a passé tant d'heures sous les Sunlights » o la más conocida « la cicatrice intérieure », es precisamente este último fantástico trabajo que Nico utilizó como inspiración para su álbum « Desertshore ». La reedición, por parte de Elektra, nos permite descubrir esta joya de rock místico que quedó bastante desconocida. El « coffret » reúne también otra obra mayor del artista intitulada « The Marble Index », álbum fundamental pues le permitió emanciparse verdaderamente de sus « mentores » (Reed, Browne, Dylan,.) y volverse en una verdadera artista, libre y orgullosa de su trabajo. Con este album Nico se libera del pesado apellido de Musa y empieza un trabajo de introspección que le llevará muy lejos, hasta un universo onírico, de casi locura, que nunca le dejará escapar. Nuestra valquiria siempre intentó exprimir su verdadera naturaleza, humana y artística y es precisamente « The Marble Index » el espejo de sus ambiciones, de sus deseos escondidos. El milagro fue posible gracias también a la colaboración de un compañero de siempre, John Cale, que añadió al álbum este toque inquietante y ancestral que siempre vivió en el alma de la Diva pero que nunca antes había podido exprimirse. Otro empuje fundamental es debido al nacimiento de un nuevo amor, el de Nico con su harmonium y es precisamente gracias a este instrumento que Nico empezó a crear sus propias canciones y a encontrar su libertad. En efecto esta primera parte de su vida durante la cual el artista dio a la luz su primer álbum « Chelsea girl » ya se ha terminado y « The Marble Index » pone las bases de una nueva época llena de dificultades, de noches frías y de largas tournées. Raramente en el panorama musical alguien se aventuró tan lejos, sin hacer concesiones a la industria musical e intentando existir aislado del maintream, también enfrentando algunos momentos verdaderamente difíciles donde su vida misma estaba en peligro. Nico siempre vivió libre y es gracias a esta libertad que podemos escuchar joyas como « The Marble Index » y « Desertshore ». Esta reedición es importante bajo diferentes puntos de vista, primero el de mantener viva la memoria de este artista singular, ancestral que se volverá el modelo de toda aquella parte del mercado musical que sobrevive con dificultad y muchos esfuerzos. « Desertshore » pone también de relieve la facilidad con la cual Nico se movía al interior del panorama artístico. La Diva fue una artista polivalente quien sabía crear una relación entre imágenes y música que iba más allá de las convenciones. En efecto, su relación con Garrel le permitió exprimir este talento y crear algunas de las bandas sonoras más impactantes de la historia del cine. En las películas de Garrel la música no se limita a subrayar las imágenes sino que baila con ellas y hace nacer un universo paralelo sin reglas aparentes. La canción « Le petit chevalier », nenia cantada por su hijo Ari con una voz tan ingenua pero al mismo tiempo inquietante nos enseña la fragilidad misma de la vida y pone las bases para una reflexión más amplia sobre el sentido de la palabra « existir » en un mundo donde es la ley del más fuerte que domina. Otra canción « Jenitor of lunacy », dedica póstuma a Brian Jones, subraya con fuerza esta idea de « ausencia », de « precariedad » y de búsqueda de respuestas. La voz de Nico nunca ha estado tan poderosa y frágil al mismo tiempo y nunca su arte ha estado tan influyente. Entonces, descubrimos o redescubrimos este artista que tanto ha dado y que tanto merece recibir, dejémosle vivir a través de nuestra memoria y dejemos que su música viaje todavía a través de nosotros.
The Sewergrooves Rock N´Roll Receiver. (Wild Kingdom Records) 2007
Por Jesús S.- IndyRock
Vuelven los Sewergrooves después de un periodo de convulsiones internas (saldado con la salida de Robert, batería fundador) tras el cual la formación ha mutado a cuarteto, y lo hacen con un disco fresco y directo. Alta energía sin pausa por parte de una banda que surgió al cobijo de Hellacopters y que beben de fuentes más o menos similares, a saber, desde MC5 a Nomads pasando por todo lo bueno del rock más puro de los 70. Los suecos apuestan por una producción cruda y despojada de toda truculencia, de hecho ello se definen como "una banda sucia de rock and roll". Temas rápidos y vigorosos, donde las guitarras arrasan al resto de instrumentos dejándolos en un segundo plano. La inicial "She´s a punk" ya pone sobre aviso de lo que se traen entre manos: guitarras a todo trapo para canciones inmediatas que se nutren de watios para dar como resultado una colección de trallazos a medida de todo amante del punk, el garaje y en definitiva del rock sin concesiones.
The DT¨S. Filthy Habits. (Get Hip- Dock) 2007
Por Jesús S.- IndyRock
En España nos estamos acostumbrando a acoger con los brazos abiertos a formaciones de fuera que hacen un rock and roll inmediato muy querido por esa minúscula parte de la población que somos los rockeros, contados por decenas (y no por miles) en pequeños y conmovedores conciertos que el gran consumidor no conoce. En ese circuito se mueve esta banda. "Filthy habits" es el regreso de los DT´s, muy conocidos, comno digo, por haberse pateado la piel de toro unas cuantas veces y por contar con buenos amigos en nuestro país. Ahora vuelven con un disco que sin aportar nada especial suena fresco y contundente con su perfecta mezcla de soul y rock en la onda de los BellRays, comparación odiosa pero evidente. También, como estos, cuentan con voz femenina. Diana Young-Blanchard aporta un toque especial a canciones que suenan a clásicos de la Motown o Stax pasados de vueltas en su justa medida.. En algunos cortes suenan a puro AC/DC etapa Bon Scott pasados por la turmix con dejes a lo Joplin. Una apuesta interesante que viene a reflejar el buen momento que atraviesa una banda que además ha contado con la producción nada menos que de Jack Endino, que pone coherencia en la grabación y consigue equilibar la balanza entre las históricas influencias y un sonido actual.
Type O Negative Dead Again/ 2007
por Jesús S. - IndyRock Las huestes de Peter Steele están de vuelta con un nuevo y profundo compendio de metal oscuro y paralizante, tanto o más como la fria y malévola mirada de Rasputín en una de las mejores portadas de los últimos años. Siguiendo con su personal concepción de la vida y la música, el oscuro talento de Steele pare en este nuevo álbum otro buen puñado de grises y perversas canciones que arrancan con la que da título al disco y que deja claro lo que espera el oyente en la próxima hora. Hazte una idea de lo que te espera, con títulos como "Muerto otra vez", "Helloween en el cielo" o "Ella me quemó"...Tan contundentes como góticos y, hasta cierto punto, carnavalescos, Type O revitalizan un estilo y ponen al día puntos de vista tan atractivos como escorados al lado menos accesible del rock del nuevo siglo. La pesadez de las guitarras a lo largo de temas como "The profits of doom" y "She burned me down" espesan aun más las retorcidas letras de un Steele que deja a iconos del burlesque-rock moderno como Marilyn Manson a la altura del betún. En conclusión, un excelente trabajo apto para cualquier osado que por un motivo u otro quiera sumergirse de lleno en el mejor metal moderno que quepa imaginar.
Portastatic "Be still please" (Merge/Acuarela) 2007
por David López - IndyRock
Podemos estar más que contentos. Mac McCaughan, el que fuera líder de los maravillosos Superchunk y dueño del imprescindible sello Merge (ni más ni menos que la casa de Arcade Fire), nos regala por fin un disco bajo Portastatic que merece todas nuestras reverencias. Tras "Bright Ideas", nestro héroe lo fi vuelve a deleitar en "Be still please" con un combinado irresistible de voces evocadoras y sutiles; preciosos arreglos de cuerda y piano; melodías atemporales que a veces se presentan vitales, otras resultan melancólicas; y sobre todo ese sorprendente torrencial compositivo entre el indie rock y el pop más personal que ya nos hizo vibrar en la época de Superchunk. Sabia es la decisión de abrir con "Sour Shores", poderoso matrimonio de estribillo enérgico y memorables cuerdas que con "Black Buttons" se toma un deliciosa pausa con dos invitadas de excepción, Laura Cantrell y Annie Hayden, que conceden sus privilegiadas voces a una pieza de inigualable belleza. McCaughan lo mismo retrotrae el legado de su banda previa en cortes guitarreros como "Your Blanks" o ese absoluto hit potencial que es la pegadiza "I'm in love (with Arthur Dove)", que se atreve con un pequeño experimento con aires de bossa nova como "Sweetness and Light" o pequeñas subidas que actuan como sinceros recordatorios del indie-emo característico de los últimos Death Cab for Cutie en "Like a Pearl". Para completar la jugada, la edición europea viene acompañada de tres bonus tracks, dos demos y una emocionante versión de "And I was a boy from school", el conocido single de Hot Chip que en manos de McCaughan suena a clásico instantáneo. Lo dicho, el disco que estás deseando colocar junto a tus CDs de Pernice Brothers, Yo La Tengo, Built to Spill y, por supuesto, Superchunk.
Alioth - 12 Historias Autoeditados - CD - 2007
Por Jesús Rojas
Disco de presentación de este grupo madrileño de heavy metal que ha contado con la producción del respetado Manolo Arias (Ñu, Niágara, Bella Bestia,.) y que ha tenido que recorrer muchos kilómetros hasta conseguir esa impecable masterización en los estudios Finnvox (Helsinki).
Para conocer su historia, sólo hay que dejar sonar el corte "Alioth", donde la filosofía de la banda queda resumida a la perfección. En conjunto, una docena de composiciones redondas donde los sueños se convierten en los protagonistas. No podía ser de otra manera, ya que este trabajo es el sueño que llevaban tanto tiempo persiguiendo, ahora sólo falta que se les reconozca como se merecen, como una banda de heavy metal española que, sin abandonar lo genuino del género, aportan una lírica sobresaliente y una contundencia sonora aplastante.
Sin duda, ha merecido la pena este largo viaje, ya que estas doce historias consiguen convencer por sí solas, gracias a una contundente base rítmica y unas muy trabajadas letras, que ponen de sobresalto el buen estado del heavy metal en España. Pero no todo es doble bombo y riffs cortantes como los de "Perros de Pavlov", "Volver a nacer" o "Caminos imposibles", con unos destellos que recuerdan a los mejores Iron Maiden esta última.
Algunas de las historias, como "Sueña" se convierten en esenciales dentro de la amalgama de cortes metálicos. Las guitarras eléctricas comparten protagonismo con las acústicas y la voz de Álvaro Sánchez se hace la dueña del momento. Y especial atención merece esa despedida titulada "Madera de encina", con unas letras profundas, de las que consiguen llegar dentro. Melancolía acústica cuya finalidad es enmarcar un trabajo realmente bueno.
Neomenia, rock estilístico
"Luna Nueva" - CD- Locomotive Records - 2007
Por J. E. Gómez / IndyRock Rifs incansables, percusiones atronadoras, melodías del mejor metal clásico. Neomenia es una nueva banda que ha recuperado las esencias de lo que se llamó el rock de Vallecas, rock de barrio, incansable, sugerente, aglutinador de estilos, y enraizados en bandas como Topo,. Obús, Boikot. A pesar de que en su zona de influencia se mezclan los sondios multiétnicos, Neomenia se ha decantado por el hard más contundente. Trallas incansables para arropar una voz suave y potente a la vez, cargada de aires de baladas metaleras. Con la escudería Locomotive Records, Neomenia han creado "Luna Nueva", once ntemas sin desperdicio, de rock sin concesiones y cargado de estilismo, guitarras progresivas y bases de impacto. Rock sin más, potente, cargado de energía y letras que te acercan a la realidad de las calles.
The Jai Alai Savant "Flight of the Bass Delegate" (City Slang/Sinnamon Records) 2007
por David López - IndyRock
El debut largo de The Jai Alai Savant, el nuevo proyecto del hiperactivo Ralph Darden, recuerda, en su primera escucha, a los mejores momentos de la escudería Hellcat y la época dorada del punk/ska californiano. Afortunadamente recuperan la frescura de aquellos trabajos con una nueva entrega de competente fusión punk, hardcore y reggae rock. La potente "Arcane Theories" es una especie de bomba punk ska pasada por el filtro Dischord que no desmerece al sonido Washington; "Scarlett Johansson why don't you love me" demuestra sus facilidades para adoptar cierto carisma pop; "Sugar Free" es pura perversión de The Police; "The Low Frequent Sea" actúa como recordario de la escena británica; "White on White Crime" se alza a ritmo de los vientos levantando una explosiva descarga festiva a lo MU330; "When I Grow Up" revela un auténtico hit punk rock que recuerda a Wheatus; mientras que "30's in the Thousands" y "Datamassagana" defienden toda una declaración de versatilidad aprovechando los medios tiempos y el marasmo instrumental. No deberían sorprendernos pues las palabras de Cedrid Bistec-Zavala, cabeza visible de The Mars Volta (su compañero Omar Rodriguez fue el primero en publicar material de The Jai Alai Savant) al referirse a los directos de la banda: "La mezcla de Ralph de dub y punk al estilo D.F. me hizo pensar en Elvis Costello haciendo reggae o en el bisnieto de Bad Brains". Casi nada.
Yes Boss "Look Busy" (Dance to the Radio/Sinnamon Records) 2007
por David López - IndyRock
La generación que idolatra la aportación de Chuck Taylor al mundo del calzado puede temblar desde hoy mismo. La hiriente "Indie Kids", uno de los más irreverentes y brutales hits de la temporada a ritmo de garage surcado por bajos y guitarras, tiene la culpa de todo. Y sus autores, Yes Boss, parece que están aquí para quedarse un buen rato. Noah Brown y Gavin Lawson son los dos nombres que se ocultan bajo Yess Boss, sorprendente dúo de Leeds que supone la primera aportación grime al sello Dance to the Radio. Independientemente de la conveniencia de la etiqueta, "Look Busy" promete muy buenos momentos para los fans de la inconformista escena británica. Sumergidos de lleno en los retratos del "Trainspotting" de Irvine Welsh, Yes Boss combinan el arsenal sónico y las atmósferas densas con la chulería y la punzante crítica social que actúa como duro puñetazo en el estómago. A veces suenan crepusculares ("Troublin'"), otras ambientales y oscuros ("Hospital Time"). Lo mismo demuestran que pueden ser agresivos y bailables a lo Audio Bullys ("NYB") o hacen temblar al mismísimo Mike Skinner experimentando con épicos episodios clásicos ("Meet the Boss", "Blow Dart"). La electro "Tongues in Knots" los une a Tom Russia (alias Whiskas, líder de los afamados ¡Forward Russia! y capo del sello que militan) y "They think it's all over" y la oculta "War Boss" podrían ser la banda sonora de los jóvenes alienados de los suburbios británicos. Garage y electro urbano y desgarrado para los decepcionados con el último trabajo de The Streets, que encontrarán en "Look Busy" una obra sincera y áspera que bien merece la escucha.
The Tellers "The Tellers" (62TV Records/ Sinnamon Records) 2007
por David López - IndyRock
The Tellers, o lo que es lo mismo, Ben Baillieux-Beynon y Charles Blistin, podrían ser próximamente los nuevos héroes de MySpace (y es que el descubrimiento de Cansei de Ser Sexy no es una casualidad entre un millón). Nuestros protagonistas, dos jovencitos belgas, han conseguido saltar de Internet a una discográfica como tantos otros, pero desde luego bien armados con un puñado de maravillosas canciones pop-folk y una propuesta en principio humilde que demuestra que Conor Orberst no es el único que tiene valor para subirse a un escenario empuñando únicamente una guitarra. Melodías alegres, tiernas y desenfadadas que recurren por igual a los primeros Violent Femmes ("More", "Second Category") o a un Pete Doherty abandonando los Babyshambles para dedicarse en exclusiva a la guitarra acústica ("Girls of Russia"). Incluso "Jacknife" parece una versión relajada de algún tema rock a la francesa de Carayos. Siete relatos narrados por una voz difícilmente olvidable, siete canciones breves pero ensoñadoras, atemporales y siempre muy agradables que parecen un homenaje sincero a las cosas bellas (pero sencillas) de la vida, y que reclaman una pronta continuación. Un dulce para paladares exquisitos.
Dartz! "This is my ship" (Xtramile/Aloud Music) 2007
por David López - IndyRock
En un año donde se producirá el relanzamiento o el definitivo descalabro del revival post punk (de momento la primera cosecha marcha bastante bien a la espera del nuevo álbum de Franz Ferdinand), los británicos Dartz! se presentan con ganas de comerse su trozo del pastel. Menos bailable de lo que podría esperarse, afortunadamente evitan caer en los peores clichés (sólo hay que escuchar la aburrida reválida de The Rakes) y amplian sus miras enriqueciendo sus argumentos. Como si de una superbanda se tratase, el sonido Dartz! se alimenta de la rabia contenida de los ya desaparecidos Q and not U, los juegos vocales de Blink 182 y el talante del nuevo punk pop inglés de The Futureheads en una especie de remedo de los Radio 4 menos esquivos y los clásicos del punk norteamericano/europeo. "Network!, Network! Network!" o "Once, Twice, Again!" suenan a lo más llamativo del catálogo de Burning Heart, "Teaching me to dance" es su particular invitación al baile donde los vientos, las percusiones y los ritmos post punk hallan su mejor fusión y "Prego Triangolos" es ese radiante single que nos recuerda lo salvajes que fueron Q and not U. Ojalá y el éxito de sus primeros singles les acompañe y crezcan musicalmente superando la delicada frontera de la embestida temporal. Por el momento, disfrutemos desprejuiciados de este "This is my ship" y procuremos no perdernos sus directos, de los que sólo se hablan maravillas.
!!! "Myth Takes", Warp (2007)
por David López - IndyRock
"Myth Takes", la nueva vuelta de tuerca de !!!, retoma y amplia hasta límites insospechados el legado rítmico y directo de su antecesor "Louden Up Now", demostrando que este monstruo de múltiples cabezas capitaneado por Nic Offer tiene mucho que decir aún. Que nadie se engañe. Aquí encontrarán el
arrebatador punk funk que los definió durante un tiempo o las percusiones latinoamericanas y los ritmos machacones que marcan la locura de sus directos. Pero !!! renuncian a su planteamiento más caótico (y fresco) y se toman más en serio que nunca el trabajo con las guitarras mientras enriquecen el menú de la casa con todo tipo de sorpresas: el sonido Madchester y el vibrante ambiente de La Hacienda, fiebre del sábado noche a rebosar de falsetes, disco, excitantes voces femeninas y puro sexo, la primitiva catarsis instrumental y electrónica del underground neoyorkino, sugerentes experimentos vocales y nuevos registros en el formato, ya sea
partiendo de los vientos o el piano. Si "Heart of Hearts" es el perfecto single que nos invita a ser juguetones en el rincón más oscuro del local de Tony Wilson, "All My Heroes Are Weirdos" y "Must Be The Moon" son la frenética y absorbente traslación discográfica de la muralla sonora y salvaje que representa verlos en concierto, prolongando su minutaje y su sacudida hasta el éxtasis, mientras que "Yadnus", "A New Name" y "Sweet Life" sonrojarán por su versatilidad atemporal bebiendo de la relectura soul, pop o discoglam. Y para rematar una gozada de ritmo y riqueza multiinstrumental como "Break in Case of Anything" o la bajada y posterior crescendo de "Infinifold". Una bomba de diez pildorazos a punto de estallar, imprescindible banda sonora para sudar y desgastar la suela de las zapatillas en el centro de la pista.
Middian Age Eternal. (Mastertrax) 2007
por David López - IndyRock
En un panorama donde la nueva guardia del postmetal porta la única esperanza de innovación y amplitud de horizontes (sólo hay que dejarse tentar por la obra de Isis, Neurosis o Pelican), Middian se presentan como esos viejos conocidos que intentan aportar novedad a una escena algo estancada. Si Middian es un nombre nuevo no lo es el de sus componentes, de los que sobresale Mike Scheidt, líder de los ya desaparecidos y añorados YOB. Precisamente Middian recuperan la línea doom de YOB pero enriquecida y más abierta a nuevas influencias. El tratamiento de la voz llevado a la catástasis, el trabajo en la prolongación de ritmos pesados, la brusquedad de sus quiebros, así como la densidad oscura y atmosférica de sus texturas melódicas (tan cercana por momentos a la vía compositiva del stoner) conforman un debut áspero e intenso no apto para todos los públicos. Muy interesante y recomendable
Klaxons, "Myth of the Near Future" 2007
por David López - IndyRock
Los hijos de la generación NME llevan una buena temporada comprobando como la luminaria de la prensa musical inglesa no deja de bombardear y modificar gustos y estilos de vida a ritmo de los hypes de la temporada. Si parecía que con Franz Ferdinand y Artic Monkeys se acababa el mundo, la veterana revista se ha sacado un nuevo as de la manga. Acostumbrados previamente a todos los posts posibles (del post-rock al post-metal), "new rave" ha sido la afortunada etiqueta que aparente y satisfactoriamente ha acogido en su seno a la nueva ola de bandas británicas dispuestas a romper el esquema en el que sin lugar a dudas habrían quedado estereotipadas por su simple pertenencia nacional. Aunque los posibles integrantes del nuevo pelotón de listillos de la pandilla se haya burlado tajantemente de la denominación, parece que hasta cierto punto encajó en un nuevo estado de cosas para los cachorros del post-punk y el dance rock. Al menos, en esta ocasión, nuestros protagonistas tienen una buena defensa que ofrecer.
Y es que lo de Klaxons suena extraño por la singularidad de la propuesta. Jamie Reynolds (voces, bajo), Simon Taylor (voces, guitarra) y James Righton (voces, teclados) robaron su nombre del Manifiesto Futurista de Marinetti, admiran la valentía de Liars, reivindican la electrónica más descacharrante de principios de los noventa, se apropian del legado literario de J.G. Ballard o William Burroughs, pueblan sus textos de referencias a Aleister Crowley y Alfred Jarry, y sus clips rebosan humor marciano y vestuario importado directamente del armario de Cassette Playa. ¡Qué se puede decir de unos tipos que se atreven con relecturas de Paul Oakenfold o Kicks Like A Mule (de los que han retomado "The Bouncer", uno de los clásicos del acid house británico)! Pero nada de esto sería importante si no se hubiesen presentado en sociedad con un disco bárbaro bajo el brazo. "Myth of the Near Future" es la carta de presentación de una de las grandes bazas musicales de este temprano 2007 tras una serie de singles de los que marcan época. Desde la aparición de "Gravity's Rainbow" en una edición casera de 500 vinilos hasta su fichaje por la multinacional Polydor todo ha sido un crescendo imparable. De los festivales de Leeds y Reading a agotar todo el papel disponible para su gira actual. Pero, ¿qué hace diferentes a Klaxons dentro del maremágnum de bandas que registra la escena actual?
Producido por James Ford (uno de los artífices de los desenfrenados Simian Mobile Disco, próximo highlight de la temporada), "Myth of the Near Future" sabe conjugar perfectamente el pop más personal, la electrónica desquiciada, el rock bailable revientapistas y el descaro de unos Test Icicles ya desaparecidos. El reciclaje inteligente es la única opción para explicar la adicción provocada por "Atlantis to Interzone" o "Magick", tan solo dos pequeñas porciones de su particular universo fluorescente del que esperamos no escapar en mucho tiempo. Ojalá y pronto podamos disfrutar en España una vez más de su atronador directo. Aunque por el momento mejor dejarles avisados y recomendarles no visitar su web si sufren de epilepsia. Es lo que tiene la nostalgia retro
Prin'La Lá, en estado puro
"Esto es Prin'La Laá" - CD 2007 / Eureka
Por J. E. Gómez / IndyRock
Pop en estado puro, canciones sencillas, extraídas directamente de territorios de cuentos y leyendas, de corazones infantiles. Un viaje por la nostalgia de días de aulas, libros de aventuras, novelas de amor y deseos de experiencias aún por llegar, es lo que muestra Prin'La Lá, un grupo formado por tres chicas cordobesas, Macarena, Isabel y Blanca (8, 14 y 18 años), que ha sorprendido gratamente en los ambientes más indies e incluso a los puristas del pop. Son voces sencillas con instrumentación acústica, guitarras, organos, metales, percusiones... y todo ello en una especial sinfonía minimalista y letras de vivencias cercanas. Aunque ahora muestran su primer larga duración, ya habían sorprendido hace dos años con singles realmente encantadores. Curiosamente este trío, que podría considerarse fruto de una operación de márketing, en realidad fue un descubrimiento del cantante de Flow, Fernando Vacas. Con un mínimo de interés en su lanzamiento, las chicas podrían convertirse en uno de los grandes fenómenos de lo indie en este país.
Psyopus. Our puzzling encounters considered. (Mastertrax) 2007
Por Jesús S.-IndyRock
La ¿música? contenida en este trabajo de los neoyorkinos Psyopus se acerca peligrosamente a la paranoia y la irrealidad. Capaces de generar dolor de cabeza instantáneo, lo suyo es el grind metal, un género extremo como pocos, que tuvo su momento a mediados de los noventa y que se encuentra inmerso, en mi opinión, en una crisis de talentos que lo saquen de la mediocridad en la que está ahogándose. Este disco es claro ejemplo del momento actual del metal más acelerado: mucho ruido (demasiado!) y pocas nueces. Aun así, como es normal en este tipo de subgébneros, la escucha puede complacer al oyente habituado a este tipo de salvajadas. Siendo generosos, podemos destacar sin embargo cierto aire progresivo, que se ve aun así enmarañado entre tanto caos y velocidad.Para los más curiosos, decir que en la banda milita el guitarrista Arpmandude, compañero de Hank Williams III en Superjoint Ritual.
The End. Elementary (Mastertrax) 2007
por Jesús S.- IndyRock
Si hay una palabra tópica y mil veces utilizada en la historia de las reseñas de música heavy, esa es "apisonadora". Pero por más sobado que esté el término, sigue siendo el más descriptivo a la hora de definir el sonido de ciertas bandas. The End entran en esa categoría, y por poner algo de originalidad, podemos decir que suenan como una fabrica de apisonadoras. Fuertes, profundos y agresivos, sus riffs y sus desarrollos progresivos pueden machacarte las neuronas a base de bien. La voz de Aaron Wolf puede remitir en los arrebatos más poderosos a la de un Max Cavalera de los buenos tiempos, pero la música de la banda, al menos en este "Elementary" va por derroteros más apegados al metal moderno. En sus surcos la agresividad cohabita con cierto sentido de la melodía (ojo a ese "The never ever aftermath") que hace que no pierdas de vista las profundas letras , agobiadas e introspectivas, lamentos acompañados de una producción de lujo que sorprenderá a todo aquél que se acerque a un disco que puede marcar un antes y un después en la progresión de una banda venida de la nada y dispuesta a instalarse en los corazones más metaleros del viejo continente.
Dee Rangers. Five spanish minutes. (Screaming Apple - I Wanna) 2007
por Jesús S.- IndyRock
Grabando.con esta palabra comienza "You gotta understand", tema que abre el disco de Dee Rangers, unos veteranos que desde Suecia nos presentan una colección de canciones sencillas, grabadas en Gijón de la mano del mismísimo Jorge "Explosion", construidas sobre la base sólida del rock británico de los 60, con pinceladas de psicodelia y mucho sonido garaje, acentuado por un farfisa que no da tregua. No son tan descaradamente buenos como unos Cynics pero están en camino de convertirse en referencia obligada del nuevo garaje. Lo bueno de este disco es que si te dicen que es de una banda sixties que no controlas, te lo crees igualmente. La producción es intencionadamente sucia, sólo falta que se escuche la aguja recorriendo los surcos de un imaginario vinilo. Doce preciosas tomas que conforman un álbum que estos suecos presentarán por nuestro país el próximo mes de Marzo. Para amantes de Sonics, Lyres, Electric Prunes y demás capitostes del género.
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