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Mon Laferte. Foto: Val
Palavecino
Desde pequeña mostró un notable talento para la música, consiguiendo con tan solo trece años una beca para el conservatorio de su ciudad. Pese a esto, prefirió aprender de forma autodidacta y terminó dejándolo. En el 2003 fue una de las ganadoras del programa de cazatalentos Rojo Fama y grabó su primer disco, La chica de rojo, todavía bajo el nombre de Norma Monserrat. Cansada de una carrera que apuntaba hacia lo "teledirigido", decidió mudarse a México, donde se ganaba la vida cantando versiones de temas célebres. En 2009 le diagnosticaron un cáncer tiroideo, que la obligó a retirarse una larga temporada de la música. Una vez recuperada, adoptó el nuevo nombre de Mon Laferte y presentó su álbum Desechable, un recordatorio del inmenso talento de la cantante. Ya en 2015 llegó su "salto a la fama" con Mon Laferte Vol. 1, que consiguió posicionarla en los puestos más altos de la música latinoamericana. En los siguientes álbumes exploró diferentes sonidos como el indie, el pop o una faceta más folclórica; pero en palabras de la propia Laferte, "más que de géneros, la música va de sacudir y hacer sentir".
Captura del videoclip de Tenochtitlán
Y es que Autopoiética es un proceso muy personal, siendo quizás su álbum más introspectivo. Mon Laferte se caracteriza por plasmar sus experiencias vitales en las canciones a modo terapéutico y, en sus propias palabras, prefiere "abrir la herida y sanar que meter la basurita debajo de la alfombra". La cantante lanzó este proyecto tras convertirse en madre y cumplir 40 años, eventos que sin duda influyeron en su exploración sobre la reinvención y la lucha contra los prejuicios de edad y género, así como el feminismo y el empoderamiento femenino, entre otras temáticas presentes en el álbum.
Me gustaría destacar Te juro que volveré, quizás una de las canciones más tristes de su repertorio. En esta nos relata la historia de su vida y partida hacia México, a través de la promesa que les hizo a su madre y abuela sobre volver a Chile tras probar suerte en el extranjero. La abuela de Norma fue quien la introdujo a un ambiente musical y cultural y era una de sus principales motivaciones a la hora de hacerla. A pesar de convertirse en la gran estrella que es hoy en día y haber cumplido su sueño de dedicarse a la música, su abuela lamentablemente falleció antes de verla triunfar y Laferte no pudo cumplir su promesa. "Esta es una canción que habla de mi historia como migrante, es una historia de fracaso; yo le prometo a mi abuela que la voy a traer conmigo cuando las cosas me vayan bien y no lo logro, mi abuela muere antes".
Desde la producción se nos transmite ese sentimiento de impotencia y tristeza de la letra. Si bien es verdad que la cumbia es un género que suele tener temáticas alegres o positivas, en este caso se manipula el tempo y el tono de voz de Laferte para dar esa sensación conmovedora de fracaso. Esta elección se puede interpretar como una metáfora sobre las promesas que les hizo a su madre y abuela, pero que finalmente no pudo llegar a cumplir.
Otro elemento narrativo de vital importancia es la faceta visual del proyecto, diseñada en colaboración con la artista mexicana Bárbara Sánchez-Kane. La provocadora portada nos hace vislumbrar lo transgresor del contenido que veremos en el álbum, además de los videos musicales y visualizers que ayudan aún más a situarnos dentro del mundo de Autopoiética.
Portada de Autopoiética
Aun así, he considerado oportuno dedicarle su propia sección a la producción, aspecto fundamental de este proyecto. En sus anteriores trabajos, la fórmula para crear las canciones era muy de cantautora, apoyándose primero en los instrumentos y sus propias ideas líricas y luego desarrollando los temas; sin embargo, para este álbum decidió darle preferencia a la producción y desarrollar en base a eso.
El precioso y poético visualizer completa la redonda experiencia de esta canción, casi entendiéndose como un "todo" artístico.
Captura del Visualizer de Mew Shiny
Si Tenochtitlán era la introducción perfecta, Casta Diva es a su vez la outro ideal para este proyecto. Norma reveló que esta fue la canción que más le costó del álbum, tanto a nivel musical como lírico. Es una reinterpretación de una de las arias (subgénero solista de la ópera) más conocidas y populares, Casta Diva, de la ópera de Bellini, casualmente llamada Norma. La versión original de la canción es una plegaria a la diosa de la luna, donde la protagonista le suplica por paz y tranquilidad para su pueblo; Laferte, en una versión mucho más terrenal, le confiesa sus debilidades y "defectos", sus imperfecciones. La cantante incorpora la reimaginación también en la producción con el uso de sintetizadores, coros con autotune o un caótico final glitch, que reflejan no únicamente una elección estética, sino también ese caos interno de sensaciones, esa imperfecta pero bella naturaleza humana que Mon Laferte ha ido abrazando a lo largo del álbum. Casta Diva es, sin duda, el caótico y experimental colofón que merece Autopoiética.
Casi dos años después de su lanzamiento, Mon Laferte anticipa ya su siguiente proyecto, Femme Fatale. Tanto los sencillos Otra Noche De Llorar y Esto Es Amor, en colaboración con el artista argentino Conociendo Rusia, como sus propias declaraciones, avanzan un álbum influido por el jazz, desde sus vertientes más tradicionales hasta las más experimentales. Será un proyecto a tener en cuenta este año, y todavía a expensas de oírlo, podemos esperar un trabajo emotivo, sincero y que supondrá un ejercicio de experimentación más en el catálogo de la artista; una nueva pincelada en el caótico retrato de Mon Laferte
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AUTOPOIÉTICA: EL CAÓTICO RETRATO DE MON LAFERTE
Aunque a lo largo de su carrera ya ha experimentado incontables veces, con Autopoiética la cantante lleva al extremo su creatividad y muestra su lado más experimental, que sin embargo es más Laferte que nunca.MARTÍN VAYÁ ESCRIG * INDYROCK
29 septiembe 2025
El término autopoiésis apareció por primera vez en 1972, cuando los biólogos chilenos Humberto Maturana y Francisco Varela lo acuñaron al proceso de automantenimiento de las células. Este se define como la capacidad de los sistemas de producirse a sí mismos: "La vida crea vida". El concepto llevaba tiempo pululando por la cabeza de Mon Laferte, la cual era admiradora de los dos científicos. Llevando el concepto a la parte más poética, lo relacionó con su capacidad de reinventarse y regenerarse tanto en la faceta privada como en la musical. Si bien a lo largo de su carrera ya ha experimentado incontables veces, con Autopoiética la cantante lleva al extremo su creatividad y muestra su lado más experimental, que sin embargo es más Laferte que nunca. Antes de entrar de lleno con el proyecto, es oportuno hacer un breve resumen de la carrera de la cantante chilena, y así entender cómo se llega a su octavo álbum de estudio. Norma Monserrat Bustamante Laferte nació el 2 de mayo de 1983, en Viña del Mar.
Desde pequeña mostró un notable talento para la música, consiguiendo con tan solo trece años una beca para el conservatorio de su ciudad. Pese a esto, prefirió aprender de forma autodidacta y terminó dejándolo. En el 2003 fue una de las ganadoras del programa de cazatalentos Rojo Fama y grabó su primer disco, La chica de rojo, todavía bajo el nombre de Norma Monserrat. Cansada de una carrera que apuntaba hacia lo "teledirigido", decidió mudarse a México, donde se ganaba la vida cantando versiones de temas célebres. En 2009 le diagnosticaron un cáncer tiroideo, que la obligó a retirarse una larga temporada de la música. Una vez recuperada, adoptó el nuevo nombre de Mon Laferte y presentó su álbum Desechable, un recordatorio del inmenso talento de la cantante. Ya en 2015 llegó su "salto a la fama" con Mon Laferte Vol. 1, que consiguió posicionarla en los puestos más altos de la música latinoamericana. En los siguientes álbumes exploró diferentes sonidos como el indie, el pop o una faceta más folclórica; pero en palabras de la propia Laferte, "más que de géneros, la música va de sacudir y hacer sentir".
Temáticas del proyecto
Tenochtitlán, sencillo del álbum y primera canción del tracklist, es la introducción perfecta para adentrarnos en el caótico y bello mundo de Autopoiética. Apenas unos segundos de canción bastan para notar que nos encontramos ante algo nuevo, algo fresco para Laferte. Con una tétrica instrumental de trip-hop a lo Portishead, chops vocales o el uso del autotune, se nos avecina ya lo plenamente experimental que va a ser este proyecto musical. No solo es una introducción que define el álbum a nivel sonoro, sino también a nivel simbólico. Tenochtitlán, actual Ciudad de México, fue la capital y centro religioso del imperio azteca. Ya desde su fundación vemos el marcado componente religioso de esta, que fue fundada atendiendo a motivos sagrados más que lógicos (un águila que cazó una serpiente, señal anunciada por una deidad, fue el motivo por el que construyeron la ciudad manualmente en una zona llena de lagos y no en una más accesible). Laferte nos presenta una canción que habla sobre la crítica social y el juicio público, y lo relaciona de forma sublime con el título: ¿Cómo es posible que en la actualidad nuestros valores sigan marcados por una mentalidad propia de hace milenios, muchas veces condicionados por antiguos valores religiosos? Este será uno de los principales leitmotivs del álbum, explorado en otros temas como Levítico 20:9, referencia religiosa directa. Esta canción es un claro ejemplo de la temática de resistencia frente a antiguas estructuras de poder y algunas de sus arcaicas normas que persisten en la sociedad.Captura del videoclip de Tenochtitlán
Y es que Autopoiética es un proceso muy personal, siendo quizás su álbum más introspectivo. Mon Laferte se caracteriza por plasmar sus experiencias vitales en las canciones a modo terapéutico y, en sus propias palabras, prefiere "abrir la herida y sanar que meter la basurita debajo de la alfombra". La cantante lanzó este proyecto tras convertirse en madre y cumplir 40 años, eventos que sin duda influyeron en su exploración sobre la reinvención y la lucha contra los prejuicios de edad y género, así como el feminismo y el empoderamiento femenino, entre otras temáticas presentes en el álbum.
Me gustaría destacar Te juro que volveré, quizás una de las canciones más tristes de su repertorio. En esta nos relata la historia de su vida y partida hacia México, a través de la promesa que les hizo a su madre y abuela sobre volver a Chile tras probar suerte en el extranjero. La abuela de Norma fue quien la introdujo a un ambiente musical y cultural y era una de sus principales motivaciones a la hora de hacerla. A pesar de convertirse en la gran estrella que es hoy en día y haber cumplido su sueño de dedicarse a la música, su abuela lamentablemente falleció antes de verla triunfar y Laferte no pudo cumplir su promesa. "Esta es una canción que habla de mi historia como migrante, es una historia de fracaso; yo le prometo a mi abuela que la voy a traer conmigo cuando las cosas me vayan bien y no lo logro, mi abuela muere antes".
Desde la producción se nos transmite ese sentimiento de impotencia y tristeza de la letra. Si bien es verdad que la cumbia es un género que suele tener temáticas alegres o positivas, en este caso se manipula el tempo y el tono de voz de Laferte para dar esa sensación conmovedora de fracaso. Esta elección se puede interpretar como una metáfora sobre las promesas que les hizo a su madre y abuela, pero que finalmente no pudo llegar a cumplir.
Otro elemento narrativo de vital importancia es la faceta visual del proyecto, diseñada en colaboración con la artista mexicana Bárbara Sánchez-Kane. La provocadora portada nos hace vislumbrar lo transgresor del contenido que veremos en el álbum, además de los videos musicales y visualizers que ayudan aún más a situarnos dentro del mundo de Autopoiética.
Producción
A lo largo del artículo ya he mencionado algunos "juegos" en la producción, que muchas veces acompañan directamente a la temática de las canciones y afectan a la sensación que nos provocan, siendo casi imposible hablar de ambos aspectos de forma aislada.Aun así, he considerado oportuno dedicarle su propia sección a la producción, aspecto fundamental de este proyecto. En sus anteriores trabajos, la fórmula para crear las canciones era muy de cantautora, apoyándose primero en los instrumentos y sus propias ideas líricas y luego desarrollando los temas; sin embargo, para este álbum decidió darle preferencia a la producción y desarrollar en base a eso.
Autopoiética es,
de lejos, el álbum más arriesgado y el pico creativo de Mon
Laferte. Es un collage muy variado (casi de forma abrumadora), que
refleja esa idea
de reinvención y
autopoiesis. Nos
encontramos ante géneros
de base más
innovadores, como el trip-hop,
el pop más experimental, un reggaetón alternativo o una
canción dance; pero también con piezas de un corte más
clásico, cada una con su particular giro. El álbum está lleno
de sorpresas y toques distintivos únicos, siendo su escucha un
auténtico viaje sonoro por el mundo autopoiético de Laferte.
Es imposible abarcar todos y cada uno de los matices del proyecto, y en este caso, una escucha vale más que mil palabras. Aun así, me gustaría comentar una de las canciones más destacadas y mi favorita del álbum. Mew Shiny es una balada pop experimental con una muy cuidada producción, que recuerda a Björk tanto por el estilo innovador como por el uso del inglés y su pronunciación. Un emotivo solo de guitarra después del segundo estribillo eleva aún más el sentimiento de la canción. El tema es de nuevo un proceso personal basado en la propia experiencia de Laferte. Al tener a su hijo —comenta la cantante—, tanto ella como su pareja se centraron de lleno en ser papás y "olvidaron" cuidar su relación. En la canción nos relata la sensación angustiosa de sentirse invisible para la persona a la que amas pese a tus constantes esfuerzos por ella. El título, un tipo de Pokémon muy raro y difícil de encontrar, hace referencia a este sentimiento de impotencia frente a tu valor como persona e incluso tu autoestima. "Olvidamos que éramos pareja cuando nació nuestro hijo. Solo éramos mamá y papá. Intenté hacer cosas para que me viera; me arreglé; él también hizo cosas, pero no funcionó. La canción grita: 'Soy un Mew Shiny' — ¡soy un ejemplar difícil de encontrar! Estoy aquí para ti, y no me estás viendo."
Es imposible abarcar todos y cada uno de los matices del proyecto, y en este caso, una escucha vale más que mil palabras. Aun así, me gustaría comentar una de las canciones más destacadas y mi favorita del álbum. Mew Shiny es una balada pop experimental con una muy cuidada producción, que recuerda a Björk tanto por el estilo innovador como por el uso del inglés y su pronunciación. Un emotivo solo de guitarra después del segundo estribillo eleva aún más el sentimiento de la canción. El tema es de nuevo un proceso personal basado en la propia experiencia de Laferte. Al tener a su hijo —comenta la cantante—, tanto ella como su pareja se centraron de lleno en ser papás y "olvidaron" cuidar su relación. En la canción nos relata la sensación angustiosa de sentirse invisible para la persona a la que amas pese a tus constantes esfuerzos por ella. El título, un tipo de Pokémon muy raro y difícil de encontrar, hace referencia a este sentimiento de impotencia frente a tu valor como persona e incluso tu autoestima. "Olvidamos que éramos pareja cuando nació nuestro hijo. Solo éramos mamá y papá. Intenté hacer cosas para que me viera; me arreglé; él también hizo cosas, pero no funcionó. La canción grita: 'Soy un Mew Shiny' — ¡soy un ejemplar difícil de encontrar! Estoy aquí para ti, y no me estás viendo."
El precioso y poético visualizer completa la redonda experiencia de esta canción, casi entendiéndose como un "todo" artístico.
Captura del Visualizer de Mew Shiny
Si Tenochtitlán era la introducción perfecta, Casta Diva es a su vez la outro ideal para este proyecto. Norma reveló que esta fue la canción que más le costó del álbum, tanto a nivel musical como lírico. Es una reinterpretación de una de las arias (subgénero solista de la ópera) más conocidas y populares, Casta Diva, de la ópera de Bellini, casualmente llamada Norma. La versión original de la canción es una plegaria a la diosa de la luna, donde la protagonista le suplica por paz y tranquilidad para su pueblo; Laferte, en una versión mucho más terrenal, le confiesa sus debilidades y "defectos", sus imperfecciones. La cantante incorpora la reimaginación también en la producción con el uso de sintetizadores, coros con autotune o un caótico final glitch, que reflejan no únicamente una elección estética, sino también ese caos interno de sensaciones, esa imperfecta pero bella naturaleza humana que Mon Laferte ha ido abrazando a lo largo del álbum. Casta Diva es, sin duda, el caótico y experimental colofón que merece Autopoiética.
Recepción y futuro
Si bien la cantante consiguió llevarse con este proyecto su quinto Grammy Latino a mejor álbum de música alternativa y ser nominada al de Rock Latino o Alternativo en los Grammy's, el proyecto ha quedado un poco opacado por otra propuesta similar en la escena de la música hispana, Motomami. Proyectos diferentes, sí, pero que comparten ese afán de cambio y experimentación que hace relacionarlos casi de forma inconsciente. Considero que Autopoiética es un gran álbum y merece mucho más reconocimiento del que —al menos en el mainstream— recibe.Casi dos años después de su lanzamiento, Mon Laferte anticipa ya su siguiente proyecto, Femme Fatale. Tanto los sencillos Otra Noche De Llorar y Esto Es Amor, en colaboración con el artista argentino Conociendo Rusia, como sus propias declaraciones, avanzan un álbum influido por el jazz, desde sus vertientes más tradicionales hasta las más experimentales. Será un proyecto a tener en cuenta este año, y todavía a expensas de oírlo, podemos esperar un trabajo emotivo, sincero y que supondrá un ejercicio de experimentación más en el catálogo de la artista; una nueva pincelada en el caótico retrato de Mon Laferte
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