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Festival de Jazz de San Sebastián

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30-07-2007 (Elvis Costello & Allen Toussaint) 
Crónica por Jon Pagola

Fotos: Lolo Vasco (www.jazzaldi.com)

A caballo entre el punk y el new wave, el primer disco de Elvis Costello & The Attractions, "My Aim Is True", cumple ahora treinta años. Desde entonces, la conexión entre distintos estilos ha seguido siendo una de las señas de identidad de Costello: pop, rock, reggae y, últimamente, jazz y R&B son los referentes de un músico que, ojo, ha compuesto 315 canciones, según confesó en el glorioso concierto que cerró el Festival de Jazz de San Sebastián. Su compañero de actuación, Allen Toussaint, productor y músico de Nueva Orleans, ha escrito 426. 

Reunir alrededor de una veintena en una noche entre la marabunta de opciones no debe ser tarea fácil. Sin embargo, en el caso de Elvis Costello y Allen Toussant se podría cantar bingo fuera cual fuera la elección. Forman una pareja que a primera vista no pega nada -intergeneracional, para nada paritaria, donde el peso de la actuación se desnivela por el lado de Costello- pero que funciona a las mil maravillas porque, además del corazón de Toussant, se siente la humildad y, sobre todo, la calidad de dos grandes grupos unidos por una causa: la música. Ni más ni menos. 

Se reproduce así el mismo esquema que triunfa en "The River In Reverse", su disco en común: a la banda de los últimos años de Elvis Costello, The Imposters, se le suma la de The Crescent City Horns, el cuarteto de viento que acompaña a Allen Toussaint. Y desde el principio, el resultado es tan brillante y compacto que cuesta una barbaridad elegir una canción por encima de otra. Las de la época de The Attractions suenan ahora igual de vigorosas que hace 25 o 30 años con un toque de veloz soul, como es el caso de "(I Don´t Want To Go To) Chelsea", "Pump It Up", "High Fidelity" y "Clubland". "Watching The Detectives", en cambio, mantiene un parecido latido reagge y "Alison", imperecedera, una de las más bellas canciones de pop que se han compuesto jamás, sigue siendo la cumbre emocional de un concierto de Elvis Costello. 

Los temas de "The River In Reverse" fueron cayendo uno a uno hasta la decena, casi la mitad del repertorio de la noche. De la suave a acaricia de "Nearer To You", a la emotiva "Freedom For The Stallion"; de las bailables "Wonder Woman" y "Emotional Echo" al gospel con sabor de despedida de "The Sharpest Thorn"; y así hasta el final, hasta que casi dos horas después con tres bises incluidos anunciaran que, lo que debería durar eternamente, se había acabado. 

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26-07-2007 Isaac Hayes
Crónica por  Jon Pagola - IndyRock
Isaac Hayes no está para muchos trotes. A sus 63 años -la misma edad que, por ejemplo, un atlético Mick Jagger- le cuesta desplazarse de un sitio para otro, su cavernosa voz se ha desgastado más de la cuenta y ha sustituido la cazadora negra que lleva en la mítica portada del disco "Shaft" (1971) por una gran túnica rosa que le da, suponemos, libertad de movimientos. Cuesta asociar a Hayes con el artista más importante del sello Stax de finales de los sesenta y primeros setenta, con el hombre que revolucionó la música negra en  "Hot Buttered Soul" (1969) con temas que duraban casi veinte minutos, una  osadía en la década en que triunfaban los singles de tres o cuatro minutos de los artistas de Tamla-Motown y Atlantic Records. 

Una vez superado el trauma de la primera impresión, un concierto de Isaac Hayes es un digno espectáculo de música soul. La hora y cuarto escasa que duró su paso por el Festival de Jazz de San Sebastián resultó aceptable para una persona que, seguramente, afronta el final de su carrera. El repertorio reubica sus grandes hits en los momentos más oportunos y la banda que acompaña al de Memphis es lo suficientemente competente como para que el envoltorio pueda cubrir las deficiencias del producto. 

Los músicos brillan más por deméritos de la estrella pero el caso es que funciona, como en el notable solo de batería que se marcó James Robertson justo antes de una sonrojante versión de la archiconocida "I Say a Little Prayer (For You)", digna de aparecer en la próxima banda sonora de Walt Disney. También cuesta entender cómo el cabecilla del sonido Memphis, caracterizado por exuberantes arreglos, se atreva a llevar en una gira tres teclados que reproducen los sonidos de las trompetas, los saxos y las cuerdas de viento, por mucho que suenen asombrosamente bien. 

Corrieron mejor suerte una de sus mejores canciones, "Walk On By", y la esperada "Shaft", más larga que la versión de estudio, siempre espectacular y sorprendente, que sigue siendo el momento más esperado en un concierto de Hayes. Fue entonces cuando se levantó a duras penas del asiento del piano, se puso de espaldas al público y empezó a dirigir a su banda como lo hacen los directores de orquesta, dejando claro que a quien ha sido capaz de crear una joya no se le puede perder nunca el respeto. 

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25-07-2007 Bryan Ferry
Crónica por  Jon Pagola - IndyRock

Foto:  Lolo Vasco (www.jazzaldi.com)

Es lo que tiene el variado cóctel del Festival de Jazz de San Sebastián. A las nueve y cuarto de la noche Horace Andy, conocido internacionalmente por sus colaboraciones con Massive Attack, arrancaba en la playa de la Zurriola. Justo después de su concierto, Hadouk Trio sorprendía en uno de los laterales del cubo grande del Kursaal al combinar jazz y músicas del mundo, mientras el catalán Flavio Rodríguez se dedicaba al soul y R&B. Uno de los últimos en actuar fue Bryan Ferry, puro rock and roll, se mire por donde se mire.
Las dos primeras canciones -"The In Croad" y "Kiss And Tell"- sirvieron para constatar que los once músicos que poblaban el escenario del cubo grande del Kursaal iban en serio. La de Ferry es una gran familia del Rock and Roll. Leo Abrahams, Chris Spedding y Oliver Thompson tocan la guitarra; Ian Dixon, el saxo; Guy Pratt, el bajo; Amanda Drummond se encarga de los teclados y la viola; Colin Good, del piano; Andrew Newark es batería; y Sarah Brown y Mesha Bryan hacen los coros. 

El resultado de juntar todas estas piezas es sorprendentemente rico y funciona con la precisión de un reloj suizo. El engranaje es perfecto, incluso, en las versiones de Bob Dylan recogidas en su último disco, "Dylanesque", de las que seis fueron interpretadas en directo, incluida una magnifica "The Times They Are a Changin´". Su revisión resulta tan sorprendentemente natural que cualquiera diría que "All Along The Watchtower" y "Knockin´ On Heaven´s Door" han sido escritas por el mismo Ferry.  La inevitable comparación con el descafeinado concierto que dio Dylan el año pasado en Donosita, llega con en una emocionante ejecución de "Positively 4th Street". ¿La copia superando al original? 

Ahora que se está hablando de un posible regreso de Roxy Music, con Brian Eno incluido, sería justo afirmar que Bryan Ferry se encuentra en forma treinta y cuatro años más tarde del primer disco de una banda, "These Foolish Things" (1973). Basta con ver cómo suenan en directo  "Love Is The Drug" y "Hold On (I'm Coming)", gloriosa despedida que hubiera sido perfecta de no haberse repetido el mismo repertorio que días antes ofreció el hombre de la chaqueta de lentejuelas en Valladolid. 

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24-07-2007 (The Skatalites, Gotan Project, Ann Hampton Callaway, Gypsy Swing)
Crónica por  Jon Pagola - IndyRock
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Foto:  Lolo Vasco (www.jazzaldi.com)

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La segunda jornada del Festival de Jazz de San Sebastián fue en realidad la primera. Después del insólito aperitivo del lunes 23 en la explanada del Peine del Viento, los conciertos se desarrollaron en algunos de los escenarios habituales de las últimas ediciones donde la música suena en las inmediaciones del Kursaal, dos modernos cubos construidos por Rafael Moneo. Como marca la norma de la casa, hubo mucho jazz y mucho de otros estilos que no son jazz, entre los que destacó una banda que, en realidad, es una institución dentro y fuera de su país: The Skatalites.
Una hora y cuarto antes, hacia las ocho de la tarde, el escenario Frigo había empezado a rodar con aires de club.  La magnífica voz de Ann Hampton Callaway remite, atención, a  Billie Holliday en algunos momentos, en otros a Sarah Vaughan e incluso a Ella Fitzgerald. No, aquello no era ninguna broma. Mientras, en la carpa de al lado, sonaba jazz manouche más ralentizado de los normal a cargo de Gypsy Swing que, pese al bello acabado de los temas, acababa por hacerse demasiado largo. Más tarde, varios instrumentos de viento anunciaban que en el escenario de la playa de la Zurriola ya estaban The Skatalites, los reyes de la noche, con permiso de Gotan Project. 

Conviene recordarlo: sin ellos, la historia de Jamaica hubiera sido otra. Inventaron el ska, el rock steady y el reggae y desde entonces el nombre de la isla está estrechamente relacionado a la música. Bob Marley, Peter Tosh, Bunny Wailer,  Toots and the Maytals o Lee Perry han grabado con el grupo para el mítico sello Studio One. Compusieron el himno de su país. Y llevan más de cuarenta años en activo, pese a haber sufrido sustanciales cambios en la formación inicial: sólo Lloyd Knibb, Lester Sterling y Doreen Shaffer siguen desde 1964, el año que marca sus primeras grabaciones y su inminente despegue internacional. El resto de la banda está compuesta por artistas que se han ido incorporando en  posteriores reuniones. La pregunta es, ¿se mantiene el espíritu? ¿Han cambiado? 

The Skatalites conserva en 2007 los ingredientes de siempre, pero inteligentemente dosificados en tres partes. La primera -totalmente instrumental, más homogénea y menos excitante- alterna grandes clásicos de su repertorio más ska ("Occupation", "Two For One") con otras canciones no tan conocidas. En la segunda parte, Doreen Shaffer irrumpe en escena y su voz introduce elementos de jazz y de soul encadenando algunos de los momentos más dulces de la banda: "Simmer down", "Sugar Sugar" y "When I Fall In Love". El final, con el público definitivamente entregado, está reservado para la gloria de la pachanga de pedigrí con un doblete compuesto por ese himno futbolístico reconvertido que se llama "Guns of Navarone" y una de sus grandes joyas, "Phoenix City". Según la organización del Heineken Donostia Jazzaldia, Gotan Project acogió mil personas más que los jamaicanos (9.500 frente a 8.500), pero ya nada iba a ser lo mismo. 

23-07-2007 (Wagon Cookin´ + Amama Luisa Brass Band + DJ Philippe Cohen Solal)

Crónica por Jon Pagola
Fotos: Lolo Vasco (www.jazzaldi.com)

El Festival de Jazz de San Sebastián presume de acoger propuestas que en otros muchos lugares serían irreconciliables. Pocos sitios pueden reunir en una misma semana sonidos tan dispares como los de Bryan Ferry (pop), Isaac Hayes (soul), The Skatalites (ska), Chick Corea (jazz) y Matthew Herbert (electrónica). Sí, el núcleo duro del programa sigue girando alrededor del jazz, pero aquí no hay barreras. Es una de las marcas que la distingue de sus hermanos festivales de Getxo y Vitoria; más ortodoxos, mejor vistos en ciertos sectores del circuito internacional y, definitivamente, más reacios a abrirse a otros estilos musicales pese a algunos tímidos y extraños cambios de rumbo como el concierto que dio Norah Jones el pasado sábado en el pabellón vitoriano de Mendizorroza. 
Otro sello inequívocamente donostiarra es el abanico de escenarios que se esparcen por toda la ciudad. Este año, además de los ya clásicos recintos de los aledaños del Kursaal, la playa de la Zurriola, la plaza de la Trinidad de la Parte Vieja y el club Altxerri, se le suman dos nuevas incorporaciones: el reformado teatro Victoria Eugenia y la explanada del Peine del Viento, un rincón mágico, casi escondido, al final de la Bahía de la Concha. Coincidiendo con el 30 aniversario de la escultura de Eduardo Chillida,  el 42º Heineken Donostia Jazzaldia  arrancó la noche del lunes en este insólito espacio con un programa, de nuevo, lleno de sorpresas donde lo que comúnmente se conoce como jazz apenas apareció y que supo a aperitivo de lo que queda por ver de aquí al domingo. 

 
Uno de los grupos que refleja el espíritu transversal del Jazzaldia es Wagon Cookin´, el dúo de Pamplona compuesto por los hermanos Xavier y Luis Garayalde: partiendo de la cultura del jazz su música se expande por una bailable fusión de house, música latina, soul y toques brasileños, lo que ellos mismos han denominado como neosuollatinhouse. Amama Luisa Brass Band fueron los encargados de abrirles paso, nunca mejor dicho. La veterana orquesta callejera recorrió el centro de la ciudad interpretando viejos clásicos de la música negra, al estilo de las antiguas bandas de Nueva Orleans, hasta que alrededor de las nueve de la noche llegaron a los alrededores del Peine del Viento. 

 
El experimento navarro gana puntos en directo -mucho más orgánico y, por qué no, cálido-  gracias a la presencia de una gran banda. A Xavier (programaciones y samplers) y Luis (batería) se le incorporan dos voces negras (Sheilah Cuffy y Xantone Blacq) que le dan carácter y nervio a la electrónica, además de una cantante blanca y sensual (Marta Ruiz) y, sorpresa-sorpresa, el saxofonista Javier Garayalde, padre de los hermanos fundadores del grupo. Con seis personas sobre el escenario, el desigual repertorio de su último disco, "2Faces", sale victorioso. De su primera cara brilló "Shake You" que, más allá del nombre, parece un homenaje actualizado y ralentizado de "Shake", una memorable canción de Sam Cooke que años más tarde popularizaría Otis Redding. 
  Cuando el público que abarrotaba el escenario había entrado en calor, llegó el turno de la otra cara del grupo, la electrónica, que resulta más divertida al aire libre. Por encima de todas, destacó "Don´t Stop", una suerte de montaña rusa que casi acabó con la estupenda voz de Blacq mientras la gente que estaba en las primeras filas no paraba de botar con los cambios de ritmo de Xabier. Como fin de fiesta, apareció DJ Philippe Cohen Solal, una de las tres partes que integran Gotan Project, mientras se alzaban las miradas de los asistente ante la amenaza constante de nubarrones que se habían formado en San Sebastián o, quién sabe, esperando a que algún músico de jazz bajara del cielo. 

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