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COMENTARIOS
5Duros "Aún brilla el sol" Autoeditado 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Alfredo Martos, David Linares, José Martín, Alex Callejón y
Miguel Martínez es el quinteto de estos 5Duros que se formaron en el
año 2006. La base de la banda es prácticamente la misma desde el
principio. Buen rollito entre los miembros de 5Duros lo que se
transmite al rock and roll más clásico que ellos hacen, con
influencias claras de los años cincuenta y setenta, pero que ellos
saben adaptarlas a estos tiempos, en los que prima el mestizaje. Es
inusual encontrarse un disco con 12 temas y éste, Aún brilla el sol,
los tiene. 5Duros, según este Aún brilla el sol, es una banda hecha
para el directo, preparada para mover el esqueleto. "Minibus" y
"¡Silencio! Licor de inspiración" son los mejores temas de este
disco que repito tiene 12 temas.
Chorrohumo
"Malavida" Autoproducido 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Los Chorrohumo, antes Mala Vida, como el gato de la portada,
saben caer de pie. El quinteto, ahora convertidos en cuarteto,
siguen con ese rock and roll urbano en el que las guitarras tienen
toda la fuerza, aunque también hay momentos para las melodías
suaves. En "Corre", incluso, introducen unos toques flamencos,
quizás como influencia del Chorrohumo verdadero que fue todo un
personaje que transitaba el Sacromonte. Cierran el disco con una
versión de Volare, un clásico de la música italiana. "Ni tan cerca
ni tan lejos" y "Me gustan los bares", son los temas más redondos de
estos, Chorrohumo que se está abriendo un hueco entre las
bandas granadinas. Últimamente los vemos en muchos carteles de
conciertos y festivales de la capital nazarí.
Jesuly De
Oro SFDK Records 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Hace calor. Te haces un café sólo con hielo. Te olvidas de
echarle azúcar. Con ese primer buchito deberías escuchar la nueva
entrega del MC Jesuly De Oro (SFDK Records, 06). Al hip hop de
Jesuly le falta dulzura aunque respecto a grabaciones anteriores,
nos lo encontramos en este CD, y con sólo veinte años, más maduro
aun sin abandonar esa dureza directa que utiliza en sus mensajes. La
experiencia diaria es dura, te joden por todos lados, y él sabe
plasmar este ambiente en sus versos.
Sin embargo, en el segundo trago de este café, tu sentido del
gusto está acostumbrado a lo ácido. La reacción es más placentera y
entonces descubres que Jesuly habla también de su vida interior. Ahí
está La Ventana. Aunque abierta, todavía tiene rejas que no dejan
ver el alma abierta y completa de este MC sevillano.
Tercer trago. Ya el sabor del café te da igual, lo importante
es acabárselo porque comienzas a tener prisa. Ahí, en esa tercera
escucha, descubres que cada uno de los 16 temas del disco son piezas
de un puzzle. Una sin la otra no tendrían sentido.
Si el disco está editado por SFDK Records, es normal y lógico,
que parte de sus miembros aparezcan por este disco. Trafik (que lo
acompañará en los directos), El Límite, Jefe de la M. y Xinkoa son
algunos de los que acompañan a Jesuly en este disco.
Delorean, vuelta al
dance "Into the plateu" CD- Bcore 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Viajar a las interioridades del techno cargado con un corazón pop e
incluso punk, pasa irremediablemente por el recuerdo a lo mejor de
la música dance de los ochenta. Los ritmos contundentes, reiterados,
sugestivos, hipnóticos, son la esencia de Delorean, un cuarteto
procedente del País Vasco, que no se resiste a mantener muy alto el
listón de la música de baile de calidad contrastada. Se alejan de
los convencionalismos en un nuevo trabajo publicado por BCore, "Into
the Plateau", es un ejemplo de evolución desde melodías indies a
bases rítmicas de cajas de batería y sintetizadores, con aires de
punk, todo ello armonizado por una sugestiva voz femenina. Delorean
están en plena forma después de tres discos anteriores. Gustan de la
noche, de paseos por aceras ennegrecidas con emanación de vapores
azulados. Este disco es, sin duda, una perfecta referencia para los
que gustan del indie, pero no rechazan una noche de cultura de
club.
Doss, ráfagas huracanadas "Egometrie" CD- Bcore 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Posthuracán, postcatástrofe natural. New York (por ejemplo) ha
sucumbido bajo el viento, el agua y el barro. Una batería ofrece el
contrapunto armónico a una guitarra distorsionada que crece en
intensidad, el aire oprime los sentidos, los túneles del underground
esperan, serán la autovía de la esperanza. Doss vueve tras su álbum
de debut "After the wild rush...waiting". Lo hacen con una
profundización en el postrock cargado de influencias en bandas como
The Cure, Sonic Youth y los sonidos industriales más acerados. Con
un nuevo disco "Egometrie", Doss no lo tienen fácil, se les ha
ocurrido hacer un disco de alta calidad, de alto voltaje, algo que
no se lleva nada bien con los gustos de la industria y los medios de
comunicación de este país, pero por otra parte, supone una
huracanada ráfaga de aire de esperanza. Menos mal que aún existen
los que andan sobre el alambre y arriesgan en favor de la expresión
de sus ideas creativas. Doss está formado por pesos pesados del
'under' madirleño, antiguos componentes de Psilicon Flesh y Pleasure
Fuckers. En esta ocasión comparten la producción con Bcore, con su
sello Humo Itens. Un trabajo que podría considerarse una provocación
al alejarse completamente de lo establecido. No quieren saber nada
de modas, consignas, o pensamientos únicos. Sólo existe una fusión
íntima entre la creación y los instrumentos para expresarla. Por
cierto, no olvides contemplar con atención el art work incluido en
la caja del disco, es toda una lección de diseño e ilustración.
CatPeople, en busca de la melodía perfecta
"Reel #1 - CD Pupilo Records - 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Fue el objetivo del movimiento musical británico de final de los
noventa, la búsqueda de un santo grial encarnado en la melodía
perfecta. Una carrera en la que se embarcaron sin amilanarse músicos
como Thom Yorke. Este parece ser el objetivo que comparte CatPeople,
que se adentra en esa especial atmósfera del rock salpicado de aires
glam, con profundas raices en el punk. CAtPeople es una banda que
recupera la alta calidad de los grupos con Galicia como denominación
de origen. Tienen, sobre todo, buen gusto, algo realmente escaso en
el triste panorama musical que se empeña en presentar la industria
establecida en la radiofórmula. Esta banda, iniciada por Adrián
Pérez y Fito Rodríguez, a la que se sumaron Paco iglesias, Javi
Abalo, Raúl Muñoz y Iván Fernández (para los directos, ya que Fito
no gusta de aparecer en escena y `prefiere dedicarse a la
composición y el estudio), publica su ópera prima "Reel #1", un
disco sorprendente por su lírica, armonía e instrumentación
impecable, todo ello con la exhuberante presencia de la voz de
Adrián, que recuerda los mejores momentos de bandas como Pulp.
Arreglos de teclados, cuerdas y canciones de medios tiempos,
sensuales, sugestivas, que te llegan al corazón. Un trabajo para
dejar escapar las emociones, no contener los impulsos y volar.
Sonotones - Sin
argumentos (Dino Records, 2006)
por
Javier Verdión Castro
Aunque con una producción y sonido más logrados que su predecesor,
Sin argumentos no es un disco que lo supere, pero puede considerarse
otro gran disco de Sonotones, un grupo que lo tiene casi todo y al
que la suerte no termina de sonreírle plenamente debido a su
decisión de no venderse a la industria discográfica (peligro muy
acechante para ellos dada su música, más proclive que otras a esa
fatalidad) como apuntan en el tema octavo "Qué día el que os
vendisteis", uno de los más interesantes en esta cuarta entrega.
Pero no nos despistemos, ni la reivindicación ni el politequeo
suelen ser la parte central de sus letras, porque lo que le gusta a
Sonotones es hablar de las situaciones y sentimientos en la gran
ciudad (la rapidez con que se vive en ella, la complejidad de las
relaciones personales o amorosas, la noche, el sexo.) mientras
practican como nadie su rock urbano y garajero, con menos regusto
punk esta vez, siendo capaz de combinar magistralmente las fórmulas
anglosajonas con un sonido autóctono y propio. No es concebible pues
la decisión de los madrileños de incluir en el CD una versión de "El
progreso" de Roberto Carlos, canción cuya letra puede darle
cierto tono social al álbum, pero que rompe con la atmósfera del
mismo y con el estilo auténtico del grupo. Salvo esa objeción
perdonable, lo que nos encontramos en "Sin argumentos" son doce
temas cien por cien Sonotones, razón suficiente para ser escuchado y
con el que la banda debería recibir de una vez por todas el
reconocimiento definitivo, el que se merecen.
Towers of
London Blood, sweat and towers TVT-Mastertrax 2006
por
Jesús S.- IndyRock
Que chulos y que descarados deben de ser estos tipos. A juzgar por
lo que se oye en el disco los imagino llenos de tattoos, con
camisetas rotas, y anchos cinturones de cuero. Y algún toque de
maquillaje. Espera, que estamos en 2006 y en Inglaterra ya nadie va
así, ¿o sí?. La verdad es que venía meses oyendo hablar cosas de
esta banda, pero todo lo oído se queda corto ante lo que finalmente
encuentro, porque los Towers por fin ven su disco completo en la
calle. Joder, estos tíos rockean de verdad, como ya pocas bandas
hacen. La verdad es que poco a poco van emergiendo jóvenes bandas
que intentan mantener vivo un espíritu que se resiste a morir. Estoy
hablando de gente que venera a Ramones, Motley Crue, Hanoi Rocks y
demás granujas. Últimamente tenemos la suerte de que bandas como
Towers of London tengan aun las pelotas de decirse: "hey, vamos a
componer unos cuantos trallazos de dos minutos a ver si este mundo
despierta de una vez". Es lo que debieron de pensar cuando agarraron
por las pelotas el espíritu de Sid Vicious y lo devolvieron al mundo
de los vivos, y a tanta agresividad le añadieron un poquito de
sentido del humor melódico. Y es que, hablando ya en serio, eso es
lo que encontramos en la música de estos ingleses: temas breves,
directos, auténticas patadas de mula como la inicial "Air guitar" o
la festiva "Fuck it up" (madre de dios que himno les ha salido),
canciones pegadizas y contundentes. No van a cambiar el curso de la
historia, pero bandas como esta son necesarias, y este disco es de
esos que mucha gente puede tachar de intrascendente pero que no ha
sido creado para que ningún intelectual lo desgrane. Si te gustaban
los Ramones y los Pistols, si luego disfrutaste del injustamente
denostado sleaze americano, y si hace diez años Backyard Babies te
movieron de tu sillón y te lanzaste a dar cabezazos espasmódicos,
seguramente los Towers te cautiven. Es solo sangriento, sudoroso y
sucio rock and roll, pero es más necesario que el pan de cada
día.
Built to spill -
You in reverse Warner 2006
por
Jesús S.- IndyRock
El octavo disco de Built to spill, la ya veterana banda de Doug
Martsch, nos los devuelve al mundo de la actualidad musical. Tal vez
porque ya no concurren las circunstancias que se daban hace una
década, cuando cada nuevo lanzamiento de todo aquello que proviniera
del mercado indie americano era aupado a la categoría de deber (que
se lo pregunten a Dinosaur Jr.), es extraño que pequeñas piezas
pseudo-magistrales como esta de la que hablamos permanezca en un muy
segundo plano. Y precisamente que es ahora cuando muchas de aquellas
bandas alcanzan la plenitud, mucha gente ni se entera de que aun
sigue habiendo buenos discos con los que alegrarte un poquito la
vida. Es un decir, si hablamos de este. Porque estos tipos, que
saben moverse bien por el terreno de la melodía pergeñada con
autoridad instrumental, ponen su talento al servicio de unos temas
que se mueven a medio camino entre la melancolía y la introspección.
En cualquier caso, es fácil encontrar grandes canciones en un
trabajo inspirado que a muchos seguirá remitiendo a cosas tan
peregrinas como Crazy Horse, aunque sólo sea por la voz de un Doug,
cada dia más nasal y cercana a la de Neil Young. Lo bueno es que
parecen tener cada vez más claro hacia donde quieren llevar su
sonido, cada vez más crudo y directo, con guitarras que crecen y
arden y que crean pasajes geniales como en "Wherever you go" o
"Gone", sin dejar de lado su faceta mas reposada y folkie, que
da lugar a maravillas como "Traces". Un gran retorno, de obligada
escucha.
Donald Fagen - Morph
the cat Reprise-Warner
por
Jesús S.- IndyRock
Los veteranos seguidores de la formación por excelencia del
easy-listening jazz-pop de los 70, Steely Dan, han visto como, desde
que pasaron los años dorados de la banda, el cabecilla Donald Fagen
dedicaba largos periodos de tiempo, en un alarde de perfeccionismo,
para ir regalando nuevas obras, bien en solitario o junto a Walter
Becker bajo la franquicia Steely Dan. En cualquier caso, el co-autor
de "Aja", se ha convertido en toda una figura de culto, y a pesar de
que en los últimos años la producción se ha incrementado, llegando
incluso a revivir a los Dan, los más fanáticos esperaban con ansias
una nueva obra del teclista. Y bien, aquí tenemos de nuevo a Fagen
al cien por cien, con un disco que ha sido diseñado al más mínimo
detalle, en el que volvemos a encontrar ese ambiente calido y suave
que invita al oyente a entrar en un estado de calma total. Pulido al
máximo, como el ya lejano y exitoso "The nightfly" del que parece
una milagrosa continuación, Fagen nos regala el oído con piezas
entre el intimismo y la genialidad, e incluso se toma su tiempo para
componer un hit-single como "H-Gang", que junto a temas como "What I
do" representan fielmente a dónde se dirigen las intenciones del
músico americano: complacer a sus seguidores y de paso volver por la
senda de las buenas vibraciones, las armonías vocales y los teclados
atmosféricos. Un buen disco, ideal para acompañar una romántica cena
en una terraza bajo la luz de la luna de verano.
Chicago - XXX Rhino- Warner 2006
por
Jesús S.- IndyRock
XXX, 30. Ese es el número exacto de lanzamientos oficiales de los
hijos predilectos de la capital del estado de Illinois. Eso,
contando numerosos discos en directo y recopilatorios. Y en pleno
2006 se atreven a continuar por esa senda marca de la casa, rock
adulto y ultra-comercial, producto de una trayectoria que apenas ha
desviado su camino en tres décadas, a pesar de los continuos cambios
en la formación. Y es que entre tantas idas y venidas, cualquiera
que sea aceptado en la familia debe de saber qué ha de aportar:
composiciones en apariencia simples, ideales para ser luego pulidas
por una producción extremadamente cuidada, dando como
resultado un producto destinado a las hit-stations americanas.
Así pues, estos veteranos ofrecen lo que se espera de ellos:
composiciones romanticonas ("Why can´t we), estribillos melosos
("Caroline"), y las justas dosis de potencia aor (el single "Feel" y
"Where were you"), y los debidos vientos y coros imprescindibles en
su sonido. Un producto más destinado al seguidor de toda la vida,
que atrapará a fans que peinen tantas canas como ellos.
Azido Sulfúrico Poemas
malditos Editado por Pies, 06
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Extremadura se escribe en lo musical alternativo con R. Así
nos lo hacen saber este quinteto, Azido Sulfúrico con su primer CD,
Poemas malditos (Pies, 06). Veamos R. de Robert (Extremoduro) y R.
de Rubén Galindo, Rubén Batuecas y Roberto Mateos, componentes de
este "ázido". Rock transgresor urbano a palo seco, sin concesiones
(¿para qué darlas?) es lo que nos ofrecen. Nada nuevo, melodías
sencillas (ya escuchadas en otras bandas) y letras directas y
pegadizas. Poema maldito, tema que abre el CD, es muy a gusto de los
sevillanos Reincidentes, Llenita de color la firmaría Robert y en
Redentor cuentan con la colaboración del poeta extremeño también
Manolo Chinato. En fin, lo mejor verlos en directo que eso sí, con
ganas de bairlar con esos ritmos candensiosos. Lo dicho, rock urbano
transgresor en Extremadura es directamente proporcionar a la "R".
Niño y pistola "Como
un maldito guisante"Mulberry Records 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Niño y pistola en, esta su primera entrega en CD, "Como un maldito
guisante" (Mulberry Records, 06), se nos presenta como una banda
naif y minimalista. Esto signifca, de melodías desnudas, en
apariencia sencillas pero que despliegan una amplia red (de
Spiderman) que te aptrapan. El CD acaba y al play otra vez, que hay
que volverlo a escuchar.
Niño y pistola es como la voz sensual que susurra en la noche
en tu antigua radio, pero que sabe elevar el ritmo melódico para que
no te duermas (ni te salgas del hipnotismo nocturno de la llegada al
primer sueño). Para eso está colocada estratégicamente "Song 74".
En lo vocal, deudores de The Beatles. Como en "¿dónde está
Wally?, descubre que temas de los de Liverpool, fusilan en Anyway y
en She was. A pesar de ser de Vigo, cantan en el idioma de
Shakespeare.
Para mí, Medication, es una de esas canciones que se pueden
convertir en verdaderos himnos de esta banda gallega. Y por primera
vez estoy de acuerdo con una hoja de promoción, "un niño con una
pistola disparando al aire balas de pura inspiración". Así es esta
banda que esperamos verla pronto por el sur.
Noviembre, sonidos de
obscuridad
"Materia" - Peaceville Records CD-2006 / Mastertrax
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Hablar de rock melancólico es adentrarnos en las profundidades de un
sonido que se hace especialmente vivo y presente en grupos
procedentes del norte de Europa, pero en este caso se han mezclado
los aires latinos, mediterráneos con la mejor escuela finlandesa. El
trío Noviembre, formado por Carmelo Orlando, Guiusseppe Orlando y
Maximiliano Pagliuso, han lanzado su quinto trabajo "Materia" en el
que dan una vuelta de tuerca al rock melancólico, a aires de Dark
metal, especialmente querido para ellos, para conseguir sumergirse
en las profundidades de los bosques norteños y llegar a
composiciones realmente obscuras y cargadas de universos
misteriosos., incluso gélidos Con "Miseria" viajan desde los gritos
guturales a la brillantez de guitarras electrizantes. Saltan de la
melodía a las explosiones sonoras. "Materia" ha sido grabado en los
estudios "Outer Sound" y mezclado en Finlandia, en los
estudios Finnbox. Escuchar a Noviembre es toda una experimentación
de sensaciones, desde un paseo por el infierno a una calida tarde de
verano en la playa, eso sí, en solitario y sin sol.
Tribute to Nothing, hardcore de gran factura
"How many times did we live?" - Lockjaw Records - CD-2006 -
K-Industria
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Los medios de comunicación, en general, la industria musical,
incluso los músicos inmersos en las nuevas tendencias, en la
vanguardia más smob, quieren matar el hardcore. La razón es simple,
para hacer hardcore, emo, e incluso punk, hay que vivir, sentir,
respirar las esencias del rock, y poseer una alta calidad como
músico y creador. Los ingleses Tribute to Nothing nunca han renegado
de sus principios punk y sus tendencias hardcore. Acaban de lanzar
un quinto disco que se reafirma en sus principios, en aquellos años
90 en los que algunos locos por los sonidos obscuros recuperan el
denostado punk rock para aplicarle melodías sin despojarlo de fuerza
y espontaneidad. En esta línea se mueve TTN. Han lanzado "How many
times did we live?", un disco brutal, compacto, trabajado hasta la
saciedad, con una docena de temas en los que marcan el futuro del
hardcore, con homenajes directos incluso al rock progresivo y bandas
como Pink Floyd, sin olvidar a Sex Pistols. Estará en al calle a
partir del dos de mayo, un disco que se acompañará de una girra
europea donde demostrarán su implacable directo, una puesta en
escena digna de los mejores escenarios de Europa.
The Destroyed, Punk en estado puro
"Russian Roulette" - www.thedestroyed.com - CD
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Sucio, penetrante, descarado, rabioso, garajero... simplemente punk
en estado puro, sin aditivos, sin prejuicios, y sin vergüenza. Esto
es lo que muestran dos de los grandes mitos del punk rock
norteamericano, originarios de Boston, Bert Switser y D. J. Jackson,
dos veteranos de la escena musical del noreste que están en la
carretera desde los 70s. Ahora, con este nuevo álbum, Bert Switser,
fundador de los iniciales The Destroyer, hace valer su fuerza ante
una batería salvaje y sonidos que avalan el apelativo "The American
Sex Pistols". Pero esta forma de llamarles se queda corta, la fuerza
en las interpretaciones supera muy mucho la anarquía, demasiadas
veces desordenada, de los Pistols. Con "Russian Roulette", un
trabajo autoeditado, Bert deja a aun lado, momentaneamente, trabajos
en solitario para volver al garaje profundo de The Destroyed. Un
disco auténtico, desgarrador, donde se aprecia la verdad sobre los
legendarios caballeros del punk.
Euro-trash girl - paisajes de country y punk
"Kiss Away The Rain" - Zebra Records - 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Si los Flying Burrito Bros pudiesen oirles sentirían que sus
composiciones de desiertos y carreteras han tenido una evolución
positiva en el tiempo. Ha tenido que ser un grupo de Valencia, de
sugestivo nombre, quienes se hayan decidido a revitalizar el country
rock y llevarlo a cotas más propias del punk, pero todo ello con
deliciosas melodías y la cadenciosa voz de Judit Casado. Este
trabajo de Euro-Trash Girl, "Kiss Away The Rain", les sitúa como
unas de ls bandas más compactas del panorama independiente del país.
Un trabajo en el que se nota un especial mimo y cariño por los
detalles. Han conseguido una colección de temas que mejoran con las
escuchas, que te hacen sentir bien, divertido e incluso melancólico
a veces. Las acústicas vuelan junto a los stellguitars y los
clásicos sonidos de las tele/strato-caster. Esta banda puede
situarse sin miedo en los principales escenarios, sin complejos con
la cabeza bien alta por recoger y evolucionar lo mejor de las raíces
folkys. Apúntate a un viaje por la ruta 66 a la hora del
crerpúsculo.
Toothfairy - Sensualidad y misterio
"Does not Work well with really" - Noiseville - CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Misterio y obscuridad, avenidas desiertas, mundos perdidos emanan de
los sintetizadores e instrumentación acústica de Toothfairy, una
banda procedente de New York. Han creado un álbum inclasificable, a
medio camino entre la psicodelia electrónica y el post-rock y aires
postnucleares. En "Does not Work well with really" nos sumergimos en
un mundo de espectros y sensaciones, de ojos que otean la realiad
paralela. Sensualidad y misterio, sonidos cinematográficos que te
hacen ver nebulosas y escenas bajo la niebla, 20 tracks dotados de
una especial unidad temática, con sorpresas acústicas al más puro
estilo country folk (McMansion on the hill). Un trabajo ideal para
escuchas relajadas, con espacios para el lirismo, descargas de rock
sinfónico, e incluso viajes hacia el interior de la mente. Ha sido
publicado por Noiseville.
Japiwor. Albún número "cero"
"El vertedero de la infamia" - PSM-Music - CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
¿Recuerdas Mundo Feliz?, fue el primer trabajo público de
Angel manuel Donoso Mazuelas, un poeta del rock que decidió llamarse
Japiwor. Ahora ha querido recuperar aquellos temas grabados entre
1998 y 2002, que estaban ahí en maquetas, en grabaciones caseras en
un cajón, y convertirlos en un álbum que por su contenido podría ser
el disco número cero de cualquier grupo. Escuchar "El vertedero de
la infamia" es un ejercicio especial, rezuma frescura en cada nota,
fuerza y ganas de llegar. Muestra la rebeldía de los inicios,
composiciones sencillas pero que muestran las esencias del rock and
roll que todos llevamos dentro. Son 21 temas que viajan del pop al
rock, con guitarras sin miedo, contundentes, percusiones arrítmicas.
Japiwor nos cuenta historias de la calle, de amor y desamor, de lo
que tenermos más cerca, del trabajo, de personajes épicos. Los
poetas del rock viven en el "under" y gustan de traspasar la línea
que los convierte en malditos. Si gustas del rock fresco y con
sentido, sin las revueltas de la industria, tienes "El vertedero de
la infamia". www.japiwor.com
PAL.-
Interconexión universal
"Canciones hacia el fin de una especie" - CD Limbo Starr 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
La sexta extinción está a punto y será el hombre su protagonista.
Esta es una de las premisas de las que podría haber partido PAL, un
grupo de rock que ha creado uno de los discos más intensos y
sinceros del panorama actual de la independencia. "Canciones hacia
el fin de una especie" es una colección de once temas cargados de
unidad temática, interconectados entre sí y con las raices del rock.
Ha sido el fruto de un largo periodo de tiempo refugiados en una
casa de montaña, alejados de la ciudad. CArlos Toronado, Alberto,
Pablo Carrillo y Kike Pierrot, han barajado intensos recursos
líricos, guitarras, percusiones, teclados y melodías, para
introducirlas en un tren de emociones que explotan en un universo
paralelo que quieren conectar con la realidad más palpable. Una vez
creado este universo de SciencieFiction, viajan a los estudios
Golden Mastering (habitual de Sonic Youth) para encontrar el
aeropuerto espacial desde donde impulsar su particular lanzadera.
Experimentan con sonidos electrónicos, cercanos al jazz, con
visiones cinematográficas de galaxias de fin de siglo. Un viaje
universal que podría clasificarse como post-rock, pero que no es más
que poesía en rock and roll, ni más, ni menos.
AMPOP "My
Delusions" 2005 Stimulus
por
Juan Gallardo - IndyRock
El tercer álbum de los islandeses AMPOP puede significar la
definitiva entrada del trío en la parte más triste y destructiva del
mainstream. No es un álbum perfecto pero supone un salto
impresionante desde los anteriores "Nature is not a Virgin" y "Made
for Market" Para empezar han abandonado el conceptualismo y han
acuñado 11 canciones diferentes entre sí y todas elaboradas hasta el
más mínimo detalle. También han intentado con cierto éxito sacudirse
la obvia influencia de los Radioehad más experimentales (Nature is
not a Virgin está circulando por la red como un supuesto adelanto
del próximo disco de Radiohead, ¡hay hasta críticas entusiastas de
fans de los de Oxford!)
En busca de su propia identidad y sin creerse la mejor banda del
mundo, el trío ha conseguido crear sus mejores canciones, My
Delusions, Don´t Let me Down, Precious, y mi favorita, Ordinary
World, un intento más de recrear el aroma de baudeville de Queen en
Bohemian Rhapsody, algo que desde luego no me esperaba de ellos. Y
es que talento tienen para dar y regalar, AMPOP podrían ponerse en
órbita en los próximos años si fueran capaces de definir un poco más
su estilo y darle otra vuelta de tuerca al estigma de Radiohead y
Björk que han sabido asimilar tal vez demasiado bien.
http://www.ampop.co.uk/
DESCARGAS GRATUITAS (legales):
http://www.artistserver.com/artist/index.cfm?a=676
http://www.7digital.com/downloads/ampop/
Mudhoney - El
futuro vuelve a Seattle
"Under a billion suns" - CD - Subpop 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
¿Dónde está el futuro? es lo que se pregunta el primer tema que los
norteamericanos Mudhoney incluyen en su nuevo disco "Under a billion
suns". La respuesta está clara, el futuro vuelve a Seattle. No es
posible renegar de las esencias y los creadores de un estilo
particular, que bien podría haberse llamado Sonido Mudhoney en lugar
de grunge, no sólo no lo olvidan sino que lo llevan a gala con la
frente alta. El presente está regido por cerebros arrogantes y
mentes pequeñas, por lo que es preferible reivindicar epocas de
creación y esperanza. "Under a billion suns", es un disco que
impacta, que te hace arder la sangre, ebullir en sentimientos de
rabia y carreteras postnucleares. Muestra sentimientos entre el punk
y el country, duelos de guitarras cargadas de obscuridad, gloriosas
distorsiones que destacan a pesar de las poderosas percuriones.
Paseemos entre bosques de gigantescas secuoyas que nos llevarán
directamente hacia las interioridades del underground suburbano.
Mark Arm dice en uno de sus temas que los días felices han vuelto.
Lo dice con ironía, pero por qué no pensar que es así, con
esperanza. Los sonidos y la creación de Mudhoney te hacen no perder
la visión, la perspectiva del rock.
Niko, en las
calles de Sevilla
"Versos de Winstrol" - CD-Planta Baja-2006
Por
J. E. Gómez / indyRock
Aunque pueda parecer una contradicción, el sur de España es tierra
de rap. El hip hop tiene esencias fronterizas, sentimientos del
'under' más profundo. En Sevilla, los estudios Planta Baja, se han
lanzado al ruedo de la producción de discográfica, y lo hacen con el
mejor rap. Niko, es un 'songwriter' que ha sabido dar una vuelta de
tuerca al rap nacional y salir del círculo permanente de la lucha
entre raperos, del insulto y la confrontación para ir un poco más
alla, para mostrar la realidad de las calles, de los sentimientos
internos de quienes han de enfrentarse, día a dia, a situaciones de
incomprensión, de represión, de quines pretenden llevar muy alto una
forma de estar y vivir. Niko presenta 18 temas en un álbum en el que
incluye sonidos latinos. Versos, libres, ritmos, fusiones y
fronteras. Niko muestra una gran experiencia acumulada en muchas
tablas de conciertos junto a SFDK, Doble V, Mucho Muchacho...
"Versos de Winstrol" es el segundo trabajo de Niko, tras un maxi,
"Luchando por ser alguien". En "Versos de Winstrol" cuenta con
colaboraciones de legendario, Hijo Pródigo, Tralla, Virush, Dave,
Límite, Nabú y D-Lux.
Anders Parker, folk
garajero
"Tell it to the dust" - CD - Lunar Discos 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Es necesario, de vez en cuando, volver a las esencias. La música
popular, el pop, el rock, no puede renegar de sus orígenes. Las
tendencias mal llamadas vanguardistas, acogotan un mercado en el que
grandes creadores, pioneros de los sonidos de la música popular del
siglo XX, lo tienen cada vez más difícil para encontrar su hueco.
Anders Parker, un neoyorkino de Brooklin, ha sabido romper el veto y
mostrarnos la esencia de la creación, un pop rock alejado de
convencionalismos, sencillo y cargado de raices folk, pero un folk
americano que en lugar de caminar hacia el country, deriva sus
composiciones hacia una obscuridad más propia del sonido garage. Se
le podría considerar el juglar de los desiertos de Arizona, un
pasajero permanente del Grayhound de uno a otro cruce de caminos.
Juega con el jazz y el blues, pero sobre todo con el folk. Su último
trabajo es ""Tell it to the dust", un disco editado ahora en España
en el que Parker profundiza un poco más en el rock que en trabajos
anteriores, incluso cuando firmaba como Varnaline. Con este disco,
Anders Parker consigue integrarte en un particular universo de
carretera, veladas en cielos estrellados, caminos polvorientos y, en
algunos momentos, el mejor rock and roll.
Coconot - ópera prima
Novo tropicalismo errado - Cd- B-core-2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Se trata de un ejercicio de libertad creativa sin límites. Coconot
parte del free jazz para componer un álbum en el que, en definitiva,
han hecho lo que les da la gana, y así lo venden. "Novo tropicalismo
errado" es el primer disco de este duo procedente de Canarias y
afincado en Barcelona. Lo han hecho con una rapidez más cerca de la
virtualidad que de la realidad palpable. Sólo tres días para
componerlo y grabarlo. Esta fugacidad en el trabajo no implica una
merma en la calidad conpositiva y de interpretación, mantienen los
niveles necesarios y, además, ganan enormemente en frescura e
inmediatez. Se trasmiten las ganas de bailar, de soñar, de contar
amores y desamores. Entre sonidos de baterías, juegos vocales, bajos
y guitarras sorprendentes, encontramos ritmos latinos, tropicales,
basileiros, el mejor post-rock y una impresionante explosión
creativa. Un disco que demuestra, sobre todo, que la libertad en la
composición y en las formas es posible... y necesaria.
The Linn Youki Project, surrealismo sonoro
"#3" - CD- B-core-2006
Novo tropicalismo errado - Cd- B-core-2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Son cadenciosos, intensos, imaginativos, extraños y surrealistas,
pero sobre todo hiperactivos. Su nombre: The Linn Youki Project y se
pirran por el post rock y el free jazz y algo que pocos entienden,
el hip hop instrumental. Bajo un concepto cinematográfico enraizado
en las cintas de clase B de los ochenta, y las pelís planetarias,
han elaborado un tercer disco bajo el título más sencillo posible
"#3", una fórmula que es continuidad de sus dos trabajos anteriores
"#1" y "#2". Establecen un viaje surrealista a través de sonidos
envolventes, reiterativos a veces, con extrañas voces en of,
construcciones semiradiofónicas y ritmos de post rock rabiosos, con
una siemprepresente base rítmica que te lleva a esferas viajeras por
el hiperespacio y caídas en agujeros negros. Lo que The Linn Youki
Project demuestra en este álbum es madurez en las ideas y confianza
en lo que hacen. Han evolucionado los sonidos particulares mostrados
en "#1" para continuar la trayectoria la profundización en mundos
más allá de éste.
Interiorismo sin
complejos
Nistal - "10 motivos para viajar de noche" - Discos Liliput
CD 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Bucear en tus recuerdos, en tus vivencias, en los psajes olvidados
del inconsciente, en la experiencia personal es una saludable
ejercicio, y si se hace en la búsqueda de los sonidos que han
formado parte de tu vida, el concepto se convierte en creación.
Interiorismo es lo que caracteriza las canciones de Nistal, un joven
asturiano que ha presentado su ópera prima bajo el marchamo de
Discos Liliput. Aires de sencillez en sus canciones, un puñado de
temas elegidos entre un maremagnum de composic iones creadas a lo
largo de años de experimentación en solitario, personal e
introspectiva. El disco se llama "10 motivos para viajar de noche".
Una preciosa forma de contarnos sus sentimientos, alegrías y
tristezas. Bajo la percha del mejor pop mezclado con una pizca de
canción de autor y gusto por el brit pop, Mistal ha elaborado un
disco con canciones que en disco se introducen en tus sentidos, y en
directo prometen instantes desgarradores. En estos diez temas, un
curioso homenaje a George Harrison, cargada de sitar y alusiones
bitelianas. Mistal es para aquellos que gustan de una música
tranquila, para oir en el coche al llegar el crepúsculo, o en las
noches de sofá y duemevela.
La escapada de Mike Shinoda
Fort Minor "The rising Tied" - Warner CD 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Hay formaciones que marcan. Ser una de las piezas clave de Linkin
Park no se puede obv iar de la noche a la mañana. Vivir bajo el
signo de una banda que ha vendido 35 millones de discos en todo el
mundo, no te da el certificado de libertad facilmente. Mike Shinoda
ha querido experimentar fuera de los marcados territorios de su muy
especial 'boy band" para dar más presencia a sus tendencias al rap,
aunque ovidando su fuerte carencia al hard rock en Linkin Park.
Warner publicaba el esperado "The rising Tied", el primer trabajo de
Fort Minor, la forma en que Mike ha denominado al grupo de artistas
que se han unido para colaborar en este disco. El álbum es el fruto
de varios años de trabajo en composiciones que han ido tomando
forma. Se presenta con un apartado multimedia con un "making of",
extras y bonus track. Una pequeña joya para todos los
seguidores de Linkin Park y para los amantes del hip hop.
Linkin
park en IndyRock
La soledad de un chico con una guitarra
The Secret Society - "Sad boys dance when no one's watching" -
Acuarela CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Confesiones personales a caballo entre el hardcore y el emo, pero
sobre todo con un innegable toque de cantautor eléctrico, de raíces
en el country rock y melodías a lo Will Oldham. Esto es lo que
muestra The Secret Society, un nombre para una banda madrileña que,
en realidad es la puesta en práctica de las teorías y composiciones
de Pepo Márquez, a quien le gusta calificar a The Secret Society
como la experiencia de un chico con una guitarra, que canta en
inglés y a veces en castellano. Se ha curtido en antros teloneando a
bnadas mágicas de la escena underground como Songs Ohia, Xiu Xiu o
Destroyer. Ha editado un álbum con un largo título "Sad boys dance
when no one's watching" que tiene como característica técnica haber
sido grabado en analógico y con instrumentación de los setenta. The
Secret Society es una banda de canciones tristes, pero con la
brillantez de unas composiciones que pueden interpretarse como
canciones desnudas, en la soledad de un chico y una guitarra.
El paso adelante de
Chris Brokaw
"Incredible Love" - Acuarela CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Hay músicos que prefieren la intimidad de los segundos planos y les
cuesta dar el paso hacia el front line. Es el caso de uno de los
mejores exponentes del underground norteamericano de los noventa,
Chris Brokaw. Se ha decidido a trabajar con banda y con su nombre
como protagonista de la creación. La banda se autodenomina Chirs
Brokaw rock Band. Chris es un mito para los amantes del indy y el
rock en este país, publica con Acuareal, un trabajo de 11 temas, uno
de ellos exclusivo para esta edición, acompañado por Kevin Coultas,
Jeff Goddar y Matt Kadane. Un disco cargado de magníficas cadencias
guitarreras, rock directo, sin complejos, cargado de instrumentación
puramente rokera, guitarras eléctricas y acústicas y una
contundencia especial en las percusiones. Chris se ha destacado
siempre por sus colaboraciones con artistas como Evan Dando, Steve
Wyyn, The new Year, y como miembre de Come y Codeine. en este álbum
se incluye su versión de "I Remember", habitual en sus conciertos y
de la que hace una muy especial interpretación cargada de fuerza y
sonidos envolventes.
El universo paralelo de Johnnie Burton
"Johnnie Burton" CD-2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Es realmente gratificante encontrar rock garajero con manufactura
femenina. Los sonidos más callejeros del rock con aires punk,
descarados, salvajes, en una búsqueda directa de un universo
paralelo a los pasajes entre taxis amarillos y alcantarillas.
Johnnie Burton rompe con los estereotipados espacios en los que la
industria mantiene a las chicas dle rock para bajar al underground
más profundo. Su trabajo de presentación, "Johnnie Burton" contiene
11 temas en los que se sumerge en un universo paralelo, a caballo
entre la dulzura de un power pop de los noventa, y la electrificante
fuerza del post rock. Sería fácil de calificar si pudiésemos
adscribirla a los sonidos de Seattle, pero Jhonnie va mucho más
allá, posee, además, toda la calidez de las influencias del rock
británico. Un disco en el que muestra una impresionante fuerza en la
voz y con su guitarra. Está acompañada por Dave Phillips, Paul Engel
y Ralf Blazer, que además de hacer las percusiones se ha encargado
de la producción. No te dejes engañar por su dulce imagen, puede
tener una doble cara, un atractivo especial en la oscuridad. Tienes
sonidos y fotos en
A Pacific model Divisions DEMO 2006
por
Juan Gallardo - IndyRock
Desde el norte de Texas llega una de las propuestas más interesantes
que he tenido la suerte de escuchar en los últimos años. Con
reconocidas influencias de este lado del Atlántico (Radiohead of
course) no dejan de tener un fuerte acento americano, con pequeños
detalles jazzisticos en ocasiones, y eso es lo que más sorprende de
sus canciones, estructuras en ocasiones bastante ortodoxas y
convencionales arropadas por efectos y cajas de ritmos, si algo echo
en falta es que lleven la experimentación hasta el final. En su demo
Divisions, nos ofrecen 12 canciones que indican los distintos
caminos que podrían tomar cuando sigan creciendo, música ambiental,
rock, experimentación, la batalla más dura será precisamente entre
el rock americano de la resaca post Nirvana frente a los ojos
puestos en un futuro por escribir. Si bien todas las canciones
crecen tras varias escuchas, para un servidor la joya absoluta es
Show Silent, curiosamente la última canción del CD, dónde explotan
en una anarquía digna de los mejores CDs de tu repisa, perdón, de tu
Ipod. Puedes escucharlos aquí:
http://www.myspace.com/apacificmodel
Top Models "To
the Maximum"Bip bip records 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
To the maximum es la tercera entrega de este trio de
Barcelona. El primer CD de una banda, se machaca durante años, el
segundo se hace de las canciones sobrantes "ya machadas" pero no
cabían en el primero. En el tercero, la banda demuestra lo que vale,
si realmente echa "pa´lante". Ricky G., Tony Nervio Roto y Pol
Fontini demuestran que esta banda de mod-punk y rocker avanza... que
tiene futuro. To the maximum comienza con toda una declaración de
intenciones (Kangaroo) para ir abriéndose paso con Bollywood star,
Sugarbaby evil city o be the light. Cocktais sonoro que va subiendo
a ritmo de los riffs de guitarra, más acelerados vamos a lomos de
Shake it or break it o Death of the blues. No fue un sueño es la
única cantada en castellano, el resto, interpretada en el lenguaje
de Shakespeare. Top Models en este To the maximum se presentan más
fuertes, más enérgicos, muy dispuestos para el baile, pero, eso sí,
sin perder sus orígenes en el que la voz tiene su importancia, que
por algo provienen de bandas míticas como Rebeldes, Matamala o
Brighton 64. En el disco, quizás por error de imprenta, se saltan el
tema instrumental 11. No existe, sin nombre. La importancia de las
bandas o el nivel de amigos que tienen se mide también por las
colaboraciones. Insustituible ya Paco Loco oímos a Gary Louris (The
Jayhawks), Maika Makoski o Cristian Vogel que cierra el disco con un
remix de Kangaroo. El CD se acompaña de tres videos sobre temas de
su anterior disco, Beautiful Señoritas, dirigidos éstos por Albert
Gil, David Trueba y Sandra Uve. Escúchalo en
http://www.myspace.com/topmodelsbarcelona
This et Al
"Baby Machine" - CD www.thisetal.com 2006
Por J. E. Gómez / IndyRock
El post-rock internacional se mueve en territorios de
experimentación de nuevos sonidos y la recuperación de la mejor
tradición del brit pop, el glam y el rock sin concesiones. This et
Al es una banda surgida en Bradford (UK) en 2002 y que ha conseguido
un espacio propio en el pranorama internacional. Lanzan al mercado
su primer larga duración bajo el título "Baby Machine" en el que
muestran sus raíces en bandas como Radiohead, Muse y Placebo, aunque
marcados por el preciosismo de Sonic Youth. This et Al, dan un paso
más allá de los convencionalismos y crean atmósferas densas y gritos
de reveldía y contestación social en temas tan actuales como la
violencia doméstica o el abuso de las drogas. "Baby Machine" es una
joya de sonidos super cuidados, un disco que crece con las escuchas,
que se instala directamente en tus espacios musicales preferidos. La
banda está formada por Steve Wilson, batería; Ben Holden, guitarras
y teclados; Simon 'Stardust' Stevens, bajo y voces; Wu, voces y
guitarras.
Red Soul Community
"Red Soul Community" Wild Punk Records 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
La banda Red Soul Community nace de las cenizas de Los Dingos,
pero más enraizados en los sonidos jamaicanos, en concreto en el
pump Reggae. Se presentan en sociedad con un disco del mismo nombre
editado por Wild Punk Records. Contiene seis temas que, como carta
de presentación, abarcan todos los límites de esos ritmos
jamaicanos. Jose María Labase, Carlos Dingo y la excelente voz de
Isabel García forman esta banda granadina preparada para el baile,
para el movimiento de cadera. Para la grabación han echado mano de
Pablo García (baterías) y Patri y Zeke de Son de nadie.
Comienza el CD con Lost in the ocean, el mejor de los seis
temas, con la potente voz de Isabel para cadenciosamente apareciendo
temas como Pump Reggae!!!, That groove y la instrumental Mexico 68.
En Looking from the other side incluyen sugerentes coros
"africanos", mientras cierra una versión "dub" de Pump Reggae!!!.
Hay que ver como el dub de un recurso técnico a la hora de grabar,
se ha convertido en todo un estilo musical.
Red Soul Community, en cuanto a sonido, ha bebido desde el
clásico Jimmy Cliff, Derrick Morgan y The Aggrolittes, influencias
que, por cierto, no esconden en absoluto. Granada nunca deja de
sorprendernos con bandas que abarcan todos los estilos y las
fronteras del buen pop y rock.
Billy Idol. Happy
Holidays 2006
por
Jesús S. - IndyRock
La historia de la música moderna tiene páginas llenas de discos
navideños. Sobre todo los grandes crooners de los años 50 pusieron
de moda los "christmas albums". Desde Bing Crosby (el mejor ejemplo)
hasta gente como Sinatra, Dean Martin y cia., muchos han sido los
que se han acercado al espíritu de Santa Claus y sus secuaces
aprovechando el enternecimiento que estas fechas provocan en el
público. Ideales para disfrutar de un bonito cocktail rodeado de
trineos y nieve, los discos navideños tienen un encanto especial. Y
como muchos sabréis, un mundo tan alejado de este concepto como es
el rock n´roll tampoco ha podido resistirse a esta temática.
Ejemplos los hay innumerables. Yo me quedo especialmente con Elvis,
que cantó a la Navidad con tanta clase como le cantaba a las chicas
o a las cárceles. Ni siquiera el mismísimo Joey Ramone le hizo ascos
al tema, y recientemente incluso bandas como Marah han tenido las
narices de lanzar discos navideños plagados de alegres tonadillas y
cascabeles. Pues bien, ahora nada menos que el gran Billy Idol viene
a completar esta tradición. El tipo ha echado valor al asunto y sale
ileso del trance. Siempre he visto en Idol a un crooner postmoderno,
personalidad para ello le sobra. Y aunque muchos preferimos su
faceta rockera, no está de más darle una oportunidad a este
lanzamiento. Grabado este mismo año, justo antes de que comenzara su
tour europeo, "Happy Holidays" es un efectivo muestrario de música
navideña grabada con personalidad y estilo. Tal vez merezca la pena
tenerlo aunque sólo sea para desempolvarlo cada doce meses,
junto a los referidos discos de Crosby o Presley. Inmejorable banda
sonora para descorchar el champagne y pegarse un baile de fin de
año.
The Orchard Thieves. The Orchard Thieves 2006
por
Jesús S. - IndyRock
Debut de una banda aun desconocida por estos lares, la propuesta
sonora de este cuarteto neoyorquino arranca desde un punto de
partida claramente arraigado a ese pop trascendental y elegante que
se vale de una producción milimétricamente estudiada, en la cual
convergen los más conocidos elementos del género, partiendo de unas
bases sencillas sobre las que se genera una amalgama de sonidos que
van desde acústicas desnudas, sintetizadores, pianos o la incursión
de instrumentos de viento. Banda curtida en los locales de ensayo
del Lower East Side de la Gran Manzana, este primer trabajo les
situa directamente en la orbita de los amantes de las canciones
inmediatas en la habitual linea del pop americano de tintes
arty y visceralidad lírica.
Lek Mun, sorpresas pop
Lek Mun EP- Sound in a coma 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
El pop de este país se caracteriza por composiciones demasiado
simplistas y, en muchas veces se le ha nota aquejado de falta de
profundidad temática y musical. Por ese motivo sorprende
agradablemente encontrar proyectos que se alejan de la tónica
general para entrar en terrenos más comprometidos, donde ha de
primar la calidad y la fuerza a la hora de expresar sentimientos y
creaciones artísticas. Lek Mun han logrado dar el salto hacia esas
cotas de calidad. Es una nueva banda, pero con componentes curtidos
en escenarios y estudios. En la nueva formación de la cantante de
Maple, Laura, con su voz sugerente, cadenciosa, tendente a los
sonidos jazzisticos y los caminos del soul. Laura, junto a Dani,
batería de Maple, y Edu, teclista de La Habitación Roja, Francesc
(Guitarra) y Ander, bajista en Five Mix Colours, publican un primer
trabajo en formato EP con el sello Sound in a Coma. Tres temas
luminosos, intimistas, en los que se crea una atmósfera muy especial
de sonidos entrelazados, sin pausas, cadenciosos y dulces. Sus
primeras actuaciones fueron en fiestas y salas pequeñas para
conciertos muy bien seleccionados. Es realmente un lujo para quienes
gustan de las segundas escuchas y el intimismo.
La vuelta de
Allen Epley,
The Life and Times, "Suburban Hymns"CD-
Cydonia 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Rock experimental, tendente al post rock. Una nueva forma de ver la
música y la composición del guitarrista de los norteamericanos
Shiner, Allen Epley, que con una nueva banda, The Life and Times, ha
creado un álbum cargado de calidad instrumental, voces y magníficas
composiciones llenas de emotividad. Allen muestra un muy especial
universo de sonidos. Recuerdos a la música de Radiohead y cadencias
vocales más cercanas al rock de Seatle. En este álbum de The Life
and Times, destaca profundamente la percusión y la conjunción entre
guitarras obscuras y la voz envolvente de Allen, que se ha rodeado
de Eric Abert y Chris Metcalf. Tres músicos que aportan una
impresionante intensidad creativa y sonora, en un disco "Suburban
Hymns" que en España es publicado por Cydonia.
The Penelopes,
desde Japón "Summerdew Avenue" CD 2006 Vaudeville Park Records
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Por rock sencillo, alegre, vibrarnte, intimista a veces, enraizado
en aires de los setenta y con fuertes reminiscencias beatelianas.
The Penelopes son japoneses. Desde el Imperio del Sol lanzan
"Summerdew" Avenue, un disco con once temas cargados de pasión por
el rock and roll, voces duduantes y guitarras alegres. Cantado en
inglés por TatsuhikoWatanabe, que se encarga además de las
guitarras, teclados y programaciones. Junto con Chigusa Miyata,
bajista, forman la esencia de The Penelopes, que para este disco se
han rodeado un magnífico elenco de colaboradores. Aires de pop
vibrante, un verdadero aliciente para bailar en tardes de sol.
www.jttk.zaq.ne.jp/penelopes
Electrónica de autor
Billy
Moho y Los Cosquillas - "Poema muerto" CD- Autoproducción 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
¿Quieres viajar a un planeta muy especial? Ahora puedes hacerlo,
Billy Moho y Los Cosquillas es el conductor de la nave
interplanetaria. Con "Poema muerto", Billy Moho, un verdadero
antihéroe, cantautor, creador de efectos musicales, lanza su ópera
prima, un disco cargado de descaro compositivo en el que priman los
sintetizadores, las programaciones, guitarras, percusiones y la
permanente voz de Billy Moho, un multicreador que se oculta bajo la
identidad del extraterrestre llegado de otros mundos, y que es el
responsable de la totalidad de la instrumentación, letras y música.
Viaja entre la electrónica de los ochenta y el pop de los últimos
años, con bases rítmicas dignas de tener en cuenta. Del cosmos de
Aviador Dro, al descaro comedido y matizado de Alaska. Billy Moho y
Los Consquillas comercializan su disco en la red, en
www.billymoho.com
ORSON, "Bright Idea"Mercury,
CD- 2006
Por
Luis Rodrigo Álvarez / IndyRock
Me aproximo al primer disco de Orson con la cautela que genera haber
visto el videoclip de su single"No tomorrow" hasta en los 40
principales. Me llamó la atención la fuerza adherente de esa
canción, pero no pensé en ese momento que se tratase más que de un
hallazgo afortunado, una casualidad para un grupo que por algún
motivo clasifiqué automáticamente como otro "one hit wonder".
Error. Tras haber caído en mis manos este "Bright Idea" de portada
francamente fea, me sorprendo de encontrarme ante un trabajo que
contrasta con la mayor parte de la música pop provinente de U.K. por
su optimismo hedonista y, sobretodo, por su ausencia de
ironía.¡Imposible, son ingleses!. Sí pero de origen californiano.
Eso ayuda a explicar las cosas. Practican un pop rock guitarrero con
dosis de funk e interpretado con vigor y gran concisión que logra
con creces lo que se propone: poner las pilas. Se nota un trabajo
muy fuerte de producción y una visión musical muy clara para cada
canción que, no por ser directas y tremendamente pegadizas, dejan de
estar cuidadas y cargadas de detalle. El inicio se me antoja
estudiadamente impactante: se trata de los tres primeros singles,
todos del tirón. Tres de las canciones más brillantes, enérgicas y
bailables del disco que te dejan con la boca abierta. Pero la
sorpresa viene cuando los cortes que siguen no flojean en ningún
momento y nos encontramos temas como "Already Over" o "Tryin' to
help", que podrían haber sido perfectamente singles. Así , hasta
completar los 10 trallazos de un disco que se hace corto porque
quizás estabas esperando la típica canción un poco más larga, un
poco más pesadita, un poco más pretenciosa. ¡pero es que no hay nada
de eso aquí!
Podemos recurrir al tópico: es un "disco ideal para despertarse o
para iniciar una noche de juerga". O bien: "intenta escuchar temas
como "No tomorrow" o "Happinness" y mantener tus pies quietos". De
eso se trata más o menos. Algunos lo tacharán de disco fácil. Lo que
queda claro es que Orson ha dado una lección de cómo conjugar
"mainstream" y calidad. En su segundo disco nos demostrarán por
donde quieren ir y si tienen realmente personalidad. Hasta entonces,
a disfrutar con lo presente.
Mastodon, el resurgir
del dragón
"Blood Mountain" - Reprise Records - Warner CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
No es posible entender las diferentes líneas evolutivas del metal
sin esuchar con atención a los pioneros, a los luchadores del Hard
Rock, a grupos como Iron Maiden, Deep Purple, Sepultura, y algunos
otros más oscuros, maléficos y diabólicos. Entre estos últimos se
encuadra Mastodon, uno de los grandes mitos del rock más poderoso.
La banda formada por Brann Dailor, Brent Hinds. Bill Kelliher y Troy
Sanders, no abandona. Continúa en la carretera, haciendo incursiones
en los caminos del infierno. Lo hace de nuevo con un álbum cargado
de explosiones de sonidos, caminos por senderos tenebrosos, épicos,
sangrientos. Se titula "Blood Mountain". Una docena de temas en los
que priman las guitarras progresivas, las melodías in crescendo, con
una base rítmica implecable, fuera de lo habitual. Fuerza y
contundencia, en las que no faltan los aires de baladas, a su estilo
claro... Mastodon significa recuperar el amor, la pasión por las
esencias del hard, dejarse llevar a un universo de danzas tribales a
la espera de la llegada de legiones infernales.
Fiel Garvie,
intensidad lumínica desde UK
"Caught Laughing" - Words on Music CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Queramos o no, Uk sigue siendo el olimpo del underground. Cuando
encerrados en nuestra concha territorial nos olvidamos de que hay
otros mundos, llegan creadores que nos sorprenden y lanzan a la cara
las evidencias. La música hecha en el Reino Unido, se escribe con
mayúsculas. En esta ocasión es una banda de pop, tendente al
postrock, Fiel Garvie, que presentará en España, en noviembre, su
último trabajo discográfico, "Caught Laughing", editado por Word On
Music. Un CD de nueve temas cargados de intimismo y de luminosidad
preciosista. Está repleto de atmósferas y pinceladas de paseos
vespertinos en días de nubes en los que aparece un rayo de sol. La
voz de Anne Reekie es omnipresente en este álbum, con segundas voces
a cargo de Greg McDermott y Enma Corlett. Llama poderosamente la
atención la intensidad de instrumentaciones. Un violonchelo marca
cadencias a guitarras de medios tiempos. La percusión suave e
incansable. Violines lejanos, Maravillosamente disonantes a veces,
crescendos... Fiel Garvie, han elaborado un trabajo en el que
destacan minuciosos arreglos y una perfecta unidad temática. Todo
ello con la ayuda en las mezclas de Geoff Allan (Mogwai, Camera
Obscura, Malcolm Middleton, Arab Strap). En España estarán de la
mano de Mercury Whells en Vigo, Madrid y Barcelona (días 9, 10 y 11
noviembre 2006). Puedes conocerlos en www.fielgarvie.co.uk
Rosvita, canciones
porque sí "Podría ser" Famelia CD 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Hacer canciones porque a uno le apetece, juntarse con los amigos y
elucubrar, probar sonidos, experimentar con teclados y cualquier
cosa que pueda conseguir una armonía sonora, es un ejercicio
liberador de la mente. Rosvita es un trío de Madrid que parece ser
que sueña con jugar, que juega con la música a su antojo,
profundizan en el pop sencillo, minimalista, electrónica y
guitarras. Reiterativo, cadencioso hasta el infinito. Acaban de
lanzar, autoproducido dentro del colectivo Famelia, un LP con 8
temas que han titulado "Podría ser". Un trabajo perfecto para
reencontrarse con la creación como divertimento. Rosvita llevan seis
años en el candelero con trabajos de lo más ecléctico. Autocalifican
su música como divorciada, atractiva, sensible, apasionada y muy
cariñosa. De hecho, una realidad es palpable con la primera escucha.
Se hacen querer.
Este álbum es la primera referencia discográfica del colectivo
Familia en el que se encuentran DEcapante, Ainara Legardón, doss,
Rosvita y Nauta.
Ghouls 'n' Gosths,
ópera prima Aloud Music 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Haber formado parte fundamental de bandas como Madee o No More Lies,
es una magnífica carta de presentación. La esencia del indie, del
hardcore, del pop con garra, de la música de alta calidad en
melodías e instrumentación, está presente en el primer trabajo de
Ghouls 'n' Gosths, un nuevo grupo y disco de la escudería Aloud
Music que cuenta con la indiscutible voz, presencia y composición de
Ramón Rodríguez, el alma mater de Madee, un compositor que desde
Cataluña, supo crear un sonido propio en la escena independiente
europea. Junto a Santi García (cerebro de More Lies), Carles Mayor,
Víctor García y Sara Pi, firman la mayoría de los once temas de su
ópera prima. Un trabajo cargado de sentimientos, de emociones in
crescendo y cuidadísimos juegos instrumentales, con una voz
cadenciosa, impactante, que predomina sobre la composición.
Guitarras siempre presentes, conductoras de impresiones paisajistas.
No reniegan del inglés para expresarse. Han creado un álbum que
podría estar entre los más granados de la creación europea
alternativa.
VVAA Illegitimate Spawn.
The Fuzztones Tribute Album.
Por
Jesús S. - IndyRock
¡Atención, amantes de los Fuzztones! Nada menos que cuarenta y dos
bandas se han involucrado en este proyecto junto a Sin Records, para
rendir obligada pleitesía a la banda que hizo del farfisa y la serie
b un estilo de vida. Ahora que hace un tiempo que no sabemos mucho
de Rudi Protudi, es bueno volver a recordar lo mejor de su
cancionero en manos de fans de la banda. Bandas jóvenes, procedentes
de todos los rincones del mundo, algunas de ellas declaradamente
bandas tributo (Weirdtones, Lysergic Love, Fuzz Faces). La mayoría
no son formaciones muy conocidas, pero su buen gusto queda
fuera de toda duda a la hora de hacer suyos los temas de los Fuzz.
Destacan, eso sí, los nombres de Mad Juana, Jayne County o Nikki
Suden. Por lo demás, bandas argentinas, italianas, francesas,
americanas, dejando claro que sin haber sido Fuzztones un grupo de
éxito masivo si que fueron capaces de ofrecer algo original a lo
largo de las décadas, y supieron llevarlo a todos los rincones del
planeta. Y la selección de temas, impecable, con cada banda
aportando su punto de vista personal e intransferible en temas como
"She's wicked", "Highway 69" y "Charlotte's Remains". En definitiva,
un doble cd muy apetitoso, que además nos da la oportunidad de
descubrir a nuevas bandas a las que hincarle el diente.
Caldo Sexo y
otros fantasmas Autoeditado 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Caldo se lo guisa, él se lo come en Sexo y otros fantasmas.
Una docena de temas de pop sencillo que recuerdan, con menos sones
electrónicos, a Un pingüino en mi ascensor, con esos estribillos y
ese regusto por la movida madrileña.
Sexo y otros fantasmas se convierte en la "ópera prima" de
Caldo y que ha compuesto y grabado de golpe, pocas horas para
componer y arreglar esos 12 temas. El resultado claro está, un CD
poco reflexionado y escasamente arreglado, pero al mismo tiempo,
algo mejor, fresco y sin texturas extrañas. Las letras en conjunto
te dejan un mal aliento, pesimista, en el que la incomunicación está
presente hablando sobre todo en primera persona. Una incomunicación
que también se refleja en la portada del CD, repleta de casas, de
gente que vive en sus nichos pero en los que no se aprecia ni una
persona, así cada uno a lo suyo. A destacar, la instrumental
"Guerra" y las dos partes de canción de amor a una azafata.
Caldo en "Sexo y otros fantasmas" se incluye en el movimiento,
cada más importante, del COPYLEFT, o sea, que el comprador tiene vía
libre para copiar o reproducir su obra musical.
O Fillo pausado "Unidades"Autoproducido 06.
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Hay un límite entre la música y lo que podríamos llamar música. Un
hilo fino que la banda gallega "O fillo pausado" -seudónimo que
utiliza Magú Castromil- anda por esos límites en este CD, Unidades.
Encontramos 14 temas de minimalismo e nihilismo realizados
totalmente para tiempos de descanso y que encaja a la perfección
como banda sonora de una película de serie B. Magú se hace acompañar
solamente - en algunos momentos- de las notas del violín de Eva. Y
ojo, O fillo pausado no es un cantautor, es lo más lejano a ese
nombre que podemos encontrar en el panorama musical. Da igual si O
fillo pausado se expresa en castellano o inglés, la letra no es
significativa, es sólo un elemento más en esa búsqueda de los
límites de melodía. A destacar Los números romanos y A veces, está
última cuya letra son diferentes consonantes y vocales sueltas. En
definitiva, un disco hecho más para la escucha atenta y pequeños
espacios que para grandes escenarios. Unidades hace honor al
"pausado" del nombre de la banda.
Vuelta hacia adelante
Uzzhuaia "No intentes volver atrás" EP-2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Volver a la escena no significa repetir tus pasos, cantar a la
nostalgia o encerrarte en los esquemas de tu particular olimpo.
Volver puede significar caminar hacia adelante, patear caminos
inexplorados de creación. Uzzhuaia es una banda leal a los sonidos
compactos, rabiosos, duros y cargados de sentimientos, arropados de
unas magníficas melodías a caballo entre el mejor hard y un cierto
toque de punk desenfrenado, con impresionantes bases rítmicas. Para
demostrarnos que después de más de un año "desaparecidos" no sólo
siguen siendo Uzzhuaia, sino que dan un paso más allá de sí mismos,
presentan un EP con cuatro temas que son (dos de ellos, "No
intenetes volver atrás" y "La cuenta atrás") un adelanto de lo que
será su nuevo larga duración que aparecerá en el mes de septiembre.
Este disco tiene un tercer tema "Corriendo tras de mí" que no estará
en el disco y una versión de Motorhead. Uzzhuaia han creado himnos
que marcarán una esperanza en el futuro del rock en este país, donde
la música se carga cada vez más de sonidos descafeinados y donde del
"Prohibido fumar" ya mismo se pasa al "Prohibido el Rock and Roll".
Holywild
"Electric Garden" Mulberry Records, 06
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Tras una cuidada portada -de escritorio de tu PC- Holywild nos
presenta Electric Garden (Mulberry Records, 06), su Segundo CD.
Antes como cuarteto, se hacían llamar Karma Police. Como reacción a
convertirse en trio-y cambiarse de nombre- sacaron el Trae
Stories/invented lives. CD debut que les salió demasiado oscuro y
atropellado: había que soltar rabia contenida. Con este Electric
Garden están consiguiendo ese equilibrio para esas fuertes guitarras
que, en algunas ocasiones, no parece haberlo conseguido. Se
desbocan.
A Holywild le da igual Shakespeare que Cervantes, cantan en
los dos idiomas. Tu día de suerte, es ideal para tumbarte a ver
crecer la hierva, One by one para recoger frutas de los árboles,
Livin dead´s love te acompañaría en un largo paseo mientras, la
mejor, Burn this town sería para charlar (o algo más) con tu pareja
en la hierba. Holywild es un grupo de pop con toques punk que va
creciendo como la hierba en tu jardín (que bonito simil) y este
Electric Garden es un buena semilla sonora.
Johnny Cash "American
Recordings V: A hundred highways" LOST HIGHWAY, Julio 2006
por
Luis Rodrigo Alvarez - IndyRock
Me ha sorprendido y me ha llenado de emoción la publicación de
"American Recordings V: A hundred higways", la nueva entrega de la
maravillosa serie de discos que Johnny Cash grabó con Ricky Rubin en
la ultima etapa de su carrera. El avispado productor exprimió hasta
el final la energía y talento que le quedaba al bueno de Cash,
haciéndole grabar desde canciones de cuna de su infancia hasta
versiones de Soundgarden o Depeche Mode, pasando por nuevas
composiciones.
Pero, al contrario de lo que pueda parecer por lo extenuante que
debió ser ese proceso, la calidad de cada nueva entrega no se ha
resentido en absoluto. Ya en su anterior entrega, "The man comes
around", pudimos escuchar lo que parecían ser los últimos suspiros
de JC: una voz profunda y resonante como siempre pero lamentosa y
rasgada por la vejez, dolorosamente cercana. En éstas canciones
encontramos ese mismo aliento, pero esta vez el conjunto del disco
tiene un carácter más crepuscular aún. Más de la mitad de las
canciones nos hablan de muerte, de religión, de cómo enfrentarse al
fin a través de la fe, etc. Incluso los temas ajenos, sorprendentes
algunos y acertados todos, acaban por empaparse de un significado
nuevo y estremecedor en la voz de Cash ¿Se puede pedir más a una
versión? Pero no son solo las versiones las que hacen de este disco
una delicia. Las dos canciones escritas por Cash, sin llegar a
la altura de los de su anterior entrega, mantienen el listón muy
alto, especialmente si tenemos en cuenta que los escribió un viejito
de más de setenta años muy mal llevados.
Recomendaría todos los discos de ésta serie a cualquiera que se
quiera dejar emocionar por una de las voces más cercanas y sinceras
que se han grabado nunca y, aunque me duele en algún lugar
cada vez que oigo el lamento del abuelo, espero egoístamente que
ésta no sea su última entrega.
Bases de punk y rock
para un lanzamiento techno
Neoman / The Scandals - Serial Killer Track - Pale Music
International CD 2006
Por
J. E. Gómez / indyRock
La escena electrónica londinense y berlinesa se mueve por caminos
difílmente imaginables fuera de la cultura anglosajona y
centroeuropea. Crean nuevos espacios para la experimentación y la
fusión de estilos. Desde el punk más rabioso al dance tradicional.
Pale Music International ha editado un disco en el que recopilan
singles de dos formaciones basadas en el concepto DJ, Neoman y The
Scandals. Los primeros son un dúo formado por Bastian Asdonk ,
guitarrista en numerosas bandas e incluso miembro de la emergente
escena hip hop británica. Muestran en este disco ""Gift of the Gab
Remixes". Les gusta jugar con ritmos cercanos al post punk
electrónico, con remix de composiones propias, con ciertos aires
intimistas, cadencias bailables, e incluso cercanas al hardcore. Por
su parte, The Scandals, llegan desde Berlín con "My life Nightlife",
gustan de elementos de new wave, rock anda roll y la más clásica
electrónica. Son descarados, eclépticos, cercanos a la escena nu
metal, todo ello rodeado de un interesante aire de cultura de club,
perfectos para escuchar en momentos de melancolía, e incluso para
mover las pistas de baile de más alta calidad. Este disco
recopilatorio de Pale Music, bajo la denominación "Serial Killer
Tracks 001&002" está distribuido por Neuton. www.pale-music.com
Homenaje a la aventura
Grupo Salvaje - "Aquí hay dragones" -
Acuarela CD- 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Una de las grandes pérdidas de la humanidad en el siglo XX fue la
aventura, el espíritu de los viejos viajeros decimonónicos, el sabor
de lo desconocido. Lo abandonamos en favor de una sociedad
tecnificada, más preocupada por el día a día que por romper
fronteras y mirar al futuro, dejamos de agudizar la vista para
contemplar grandes horizontes y nos hicimos cortos de vista y miopes
sin remedio. Es triste, pero aún queda un resquicio de esperanza.
Algunos creadores no se resisten a enconrsetarse en los estereotipos
marcados por la industria o los imperativos mediáticos y recuperan,
no sin esfuerzo, el viejo espíritu de los aventureros, los
geógrafos, los viajeros. Grupo Salvaje es una formación auspiciada
por Ernesto González, líder de Pribata Idaho. Este músico versatil s
e unía a Carlos Perino, Javier Rincón, Oscar Feito y Pepe
Hernanández, para crear una nueva banda, Grupo Salvaje, en un
directo homenaje al director San Peckinpah y a su gran lección
cinematográfica sobre el canto del cisne del espiritu del Western,
de los pioneros. Hicieron un disco intenso y compacto "In Black We
Trust". Ahora, en 2006, lanzan su segundo trabajo que han titulado
en honor de la frase estampada en las cartas geográficas para
señalar los territorios desconocidos "Aquí hay dragones". Hacen un
maravilloso recorrido por sonidos enraizados en el country, en el
folk, en la más pura tradición marcada por gentes como Johny Cash,
San Phillips, e incluso el genial Joe Strummer. Llama poderosamente
la atención los temas "The Wost Journey in the World" y Scott's
Arm", dedicados a los intentos del capitán Scott para conquistar el
Polo Sur. Viajan en busca de territorios inexplorados con e l rock,
una cálida voz y una especial tensión intrumental, como únicas
armas.
Tomates fritos
"Molly" FNB Grabaciones 2006
por
Marys Renné Hertiman
Formados en 1996, con un EP de tres canciones como primera
producción, luego de siete años y de haber sacado al mercado su
segunda producción musical (Odissey), Tomates Fritos regresa con
Molly, su tercera placa discográfica, en donde parecen haber
encontrado y redefinido su estilo a través de un sonido mucho más
madura. Traen un concepto digerible, de pulso y ritmo
sincopado con tendencia al rock-folk, country-folk e inclusive el
dixieland, propios del sur de Estados Unidos, presentan una
impecable ejecución junto con un sonido muy desarrollado, excelentes
arreglos, y con letras simples pero a la vez sugestivas.
Molly transcurre por un sonido muy genuino, diferente a lo que
actualmente se esta haciendo en Venezuela, de atmósferas calidas y
sutiles, con una instrumentación muy precisa en donde las guitarras
suenan a guitarras y los bajos suenan a bajos. Temas como Cantaura
Brothers, demuestran la buena utilización vocal; en Hoy no, el
protagonismo de la armónica se precipita por los tiempos,
arrastrándonos al folk más puro cubriéndonos con vehemencia;
mientras que Ganas -mi favorita- que por medio del uso del clarinete
y una buena técnica en la instrumentación le confieren un aire
sofisticado y muy evocador, llegando a ser un tema seductor.
Con este disco los Tomates han explotan con gracia el sonido grave
del bajo, la batería y la guitarra conjugándolos a su ves con el
piano, demostrando que han estudiado nuevas formas, nuevos estilos,
en donde las influencias los hacen desembocar en un sonido más
propio.
http://www.tomatesfritos.moonfruit.com/
Stafas
"Doble o nada" Pies 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
El ex-Canalla Michel Molinera lidera a estos Stafas que han
editado su segundo CD, Doble o Nada (Pies, 06). Le acompañan en esta
aventura Anono (Despistaos), Manolo Maestre (Santa) y Javier del
Palacio. Doble o nada, es un simple disco de rock, más contundente
que su debut Por arte de birli Birloque. Stafas suena a muchas otras
bandas, a ritmos más que machacados, donde eso sí la voz y las
guitarras toman el protagonismo máximo. Por diferentes ritmos
"Yahaaaa..."(instrumental) y Aprende a quererte llaman más la
atención. Esta última dedicada a la "ana y mia" (anorexia y
bulimia). Incluyen una versión de Resistiré del Dúo Dinámico. Nunca
creí que llegaría a decir esto, pero me gusta más la versión
original. A poco que Stafas, busquen más y se dejen de claras
influencias, llegarán a abrirse más el corazón de los seguidores del
rock.
La Kinky Beat "One
More Time" (Kasba Records, 06)
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Me imagino a esta banda La Kinky Beat metidos en la furgoneta
escuchando este su segundo CD, "One More Time" (Kasba Records, 06).
Irían moviéndose en ese vehículo a ritmo desenfrenado de cabaret de
los años 50. Esa es la basa, a la que le añaden diferentes ritmos
como el reggae, ska, rockesteady, dub, funky y quizás unas dosis de
"manucheonismo". Ahora con la inclusión del Dj. Rude, han conseguido
una electrificación de sus sonidos.
La Kinky Beat, como la mayoría de bandas de mestizaje, están
hechas y planteadas para el directo donde se desatan totalmente. Sus
CD son sólo una guía de lo que te espera si asomas por donde están.
Llama la atención, que este sonido lo saquen sólo cinco músicos
cuando habitualmente este tipo de bandas no suele bajar de siete.
Eternity (pop ambient), Dejar de pensar (escuchar atentamente sus
samplers), Black Panther, Big drummer (punk rock) y Rebel smile
sobresalen en este compacto CD de 13 temas.
You will Always walk
Aloud Varios 2006
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Tres velas en el pastel de cumpleaños de la discográfica Aloud
Music y que mejor forma que celebrarlo con un disco recopilatorio de
lo que es y será a corto y medio plazo esta discográfica. El boca a
boca ha hecho que esta discográfica pueda colocar como columnas
sólidas estas tres velas. La primera por apostar por bandas indie.
La segunda por mirar por la calidad (más que lo comercial) y la
tercera, y no menos importante, por aguantar todo lo anterior sin
perder la esperanza.
You will Always walk Aloud resume lo mejor - y más granado- de
los primeros ocho lanzamientos de Aloud. Abre Bloomington, la banda
más conocida junto con los alemanes Jettison. Junto a ellos
Raydibaum, Peluze, Nothink, The Appleseed Cast y (lo:nuêso).
La selección de temas, que no llevan a la desidia mono-gámica
al ser todos indie, sino que llevan a conocer más a bandas a las que
el boca a boca ayudan más que aparecer en las espantosas
listas de los más.... de las cadenas de radio fórmula.
Felicidades a Aloud y esperamos poner, entre todos, la cuarta vela.
¡Me pido encenderla y soplarle!. Lo dicho, felicidades.
Blues Straight Up What's
Up With The Blues? 2006
Por
Joe McGaha
Blues Straight Up es una banda blues Chicana desde el éste de Los
Ángeles. Tocan una mezcla de blues y "r & b" tradicional,
y canciónes originales que reflejan más de sus raíces. Su
c.d., What's Up With The Blues demuestra esa mezcla. Harpdog
canta la mayoría de las canciones tradicionales, mientras Lava
Gonzales canta las canciones originales (en inglés y español).
Me gustan las canciones tradicionales, pero creo que la banda brilla
más que nada en las originales. Lava Gonzales canta con alma,
o como dicen en Méjico, con ganas. En sus propias palabras,
Gonzales canta blues "al estilo Chicano", y me encanta. Os
recomiendo este c.d..algo nuevo y distinto desde una banda llena de
talento y espíritu.
The Make up -
Untouchable sound Sea Note - 2006
por
Jesús Rojas - IndyRock
Segundo disco en directo del cuarteto norteamericano más transgresor
de la década de los 90. El primero salió en 1997, justo antes de la
publicación de "Sound Verite". Ahora, tras recibir halagos por todas
partes debido al exitoso "In mass mind", The Make Up han optado por
dar a conocer a todo el mundo su salvajismo rock en carne viva, en
vivo.
Para los que no hayan tenido el placer aún de toparse con su
garage-punk plagado de teclados y voces transgresoras, decirles que
son uno de los grupos más influyentes de la década de los 90 y que
siguen la estela de bandas como The International Noise Conspiracy o
Tokyo Sex Destruction (tanto en la música como en la estética).
Destellos sesenteros como los de "Call me Mommy" o "They live by
night", son más que interesantes. A destacar también la explosiva
versión de "Wade in the water", un clásico del rythym and blues que
pondría en lo más alto en su día The Graham Bond Organisation.
Riffs de rock and
roll
The Hot Dogs - III - RockOn Music CD- 2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Es sólo rock and roll ¡para qué quieres más! es lo que siempre nos
ha hecho vibrar, disfrutar de la creación musical. Así lo creen los
miembros de The Hot Dogs, una banda del país vasco, que lanza su
tercera colección de canciones, un disco que titulan simplemente
"III". Jon Iturbe, Iñaki Urizabal, Carlos Alonso, Iker Alvarez e
Iñigo Agirrebalzategui, demuestran frescura en la interpretación,
buen gusto por las guitarras y los riffs contun dentes,
reiterativos, deliciosos para dejarte llevar a un universo de
rebledía. sonidos ochentones, sin miedo al qué dirán, y en inglés la
lengua madre del rock. Ritmos trepidantes, distorsiones brillantes,
virtuosas y una voz extraída directamente de ls más obscuros antros
del soho londinense. Actitud roquera, cercana al punk-rock de himnos
siempre vivos. El disco, publicado por RockOn, ha sido grabado y
producido por Kaki Arkarazo, en los Garate Estudios. Está dedicado
al añorado Kike Turmix.
Secretos invernales
Santi Campos y los amigos imaginarios - Lucinda Records -
CD-2006
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Quién dijo que el rock y la poesía están reñidos, que los
cantautores sólo pueden hablar de sentimientos melancólicos y
divergencias políticas y que no forman parte del universo del rock.
Santi Campos ha roto con esos trasnochados conceptos y hacer suya la
mejor tradición de los cantautores eléctricos, a caballo entre el
pop, el rock y aires del mejor folk americano. Santi Campos y los
amigos imaginarios, publican "El invierno secreto", un disco en el
que muestran un sentimiento especial por composiciones vibrantes,
historias sencillas de amor y desamor, guitarras finísimas, aires de
carretera y desiertos interminables. Estamos ante el primer trabajo
de esta banda formada por el que fuese líder de Malconsejo, Santi
Campos, que puso nombre y forma a sus "Amigos imaginarios" al
juntarse con SEbastián Giudice, Jesús Montes y Ester Rodríguez,
todos ellos miembros de Nominees, además de Manuel Cabezali y Charli
Bautista, en la banda de Cristina Rosegvinge, entre otras. Todos
ellos forman una magnífica banda que disfruta con lo que hacen y se
les nota. "invierno secreto" es una colección de canciones que no se
dejan olvidar, te arropan, te enganchan y se t e meten en la mente,
las repites, las recuerdas. Quieres volver a oirlas. ¿Qué más puedes
pedir?
Rojo Omega COMO UN DIABLO! Imposible
Records / 2006
por
Jesús Rojas
La historia de Rojo Omega se remonta a mediados de los 90. Tras
haberse dado a conocer en un disco compartido junto a Vice &
Vanity el año pasado, el cuarteto madrileño liderado por Bruno
promete convertirse en los salvadores del rock and roll cantado en
castellano con "Como un diablo!".
Rojo Omega han facturado once cortes de rock en estado puro, once
cañonazos que rebosan calidad y contundencia a partes iguales. Sus
influencias más evidentes son Motörhead y Supersuckers. Canciones
como "Gracias a mi" o "Todo me da igual" son directas y provocadoras
sin llegar a la verborrea punk fucker de unos Torazinas, aunque la
voz de ambos es bastante similar. Auténtico punk and roll desde la
capital que sirve para dar una esperanza al ya casi desaparecido
Malasaña Sound, aquel movimiento que tuvo como anfitriones a los
ahora reunidos Sex Museum.
También destacan los himnos punk rocker al estilo de Ramones o
Buzzcocks. Me refiero a canciones como "Nada que perder" y frases
como ". Ya vas otra vez así / metiéndotelo todo por la nariz /
preguntas si me gusta / sabes que sí .". Aunque pueda parecer otra
banda más de rock and roll descerebrado, el caso de Rojo Omega es
diferente. Suenan muy bien y la calidad de sus composiciones es
comparable a la de bandas de proyección internacional como Gluecifer
o Flamin´ Sideburns.
Thom Yorke "The
Eraser" XL 2006
El Alma de Radiohead.
por
Juan Gallardo - IndyRock
Thom Yorke nos ha dado una buena sorpresa con su primer disco en
solitario "The Eraser" un proyecto que ha llevado a cabo de la mano
de su eterno productor Nigel Godrich y del que casi nadie sabía nada
hasta hace un mes cuando el mismo Yorke lo anunció en la web oficial
de Radiohead. En aquel anuncio Thom dejaba claro que había contado
con el beneplácito de sus compañeros y que no quería oír hablar de
rumores de separación, egos encontrados etc. Especialmente
sorprendente porque Radiohead se encuentra en plena grabación de su
nuevo disco. El anunció no levantaba grandes expectativas, sobre
todo porque decía que había sido una grabación "divertida y rápida",
parecía que Thom simplemente se había sacado la espina de editar
unas cuantas canciones que no consideraba lo suficientemente buenas
para trabajarlas con el resto del grupo. De ahí el increíble impacto
del disco, que supera las previsiones más optimistas. Sí, suena a
Radiohead, a veces, más o menos, algún eco de Hail to the Thief y de
Amnesiac, pero es un disco de Thom Yorke, el alma de Radiohead. Lo
primero que choca es que, a pesar de ser un disco básicamente
electrónico, toda la música suena con mucha claridad, la voz de Thom
sin una pizca de reverberación, creación en estado puro. Desde la
canción que le da título al disco "The Eraser" reconocemos los
ritmos que martirizan a Thom desde Kid A, los coros casi
gregorianos, y las letras increíbles de siempre (Las barreras que no
puedes escalar, las frases que no riman ... no hay tiempo para
analizar, para pensar bien las cosas, para darles un sentido... solo
estás interpretando un papel ... Llovió toda la noche y después todo
el día, las gotas eran del tamaño de tus manos y tu cara, los
gusanos salían a ver qué pasaba y sacamos nuestros coches del río)
Un disco que gana a cada escucha, con algunas canciones que te van a
poner un poco a prueba, y otras como "Analyse" que se instalarán en
tu corazón para siempre a los 10 segundos de empezar
Hulk - "Cowboy coffee & burned knives."
Suburban Records / Holanda / 2005
Puntuación: 7
Temas recomendados: 01 My nation / 03 It´s allright / 07 Real
rocker
por Jesús Rojas - IndyRock
A medio camino entre el stoner y el punk rock, el trío formado por
Herr Mayer, Mathew Mc Gnasher y Giacomo Paranisi presenta su segundo
trabajo de estudio, una apuesta arriesgada que no dejará impasibles
a los seguidores de los sonidos más densos y guitarreros.
Tras "Party time", su álbum debut, llega este "Cowboy coffee &
burned knives.", donde experimentan con el hard rock de toda la vida
y se identifican con lo que algunos han denominado desert rock, esa
corriente californiana que gana cada vez más adeptos. En esa línea
se mueven cortes como "My nation", "Magic" o "Never walk this way",
con unas atmósferas instrumentales implacables.
Del mismo modo, Hulk coquetean con sonidos más convencionales, que
se a veces se acercan al pop ("Sorry"), al hard rock ("Bad girl. bad
boy") y otras al punk ("It´s allright"). Lo que coincide en todas
las composiciones es el afán por hacer las cosas bien y dejarlo todo
acabado tras un intenso trabajo de producción. El resultado, que
canciones como "Real rocker", "Sweet love" o "Magic" te cautiven
desde la primera escucha.
Señalar además que los belgas han contado con colaboraciones de lujo
como las de Chris Goss (Masters Of Reality), Brant Bjork (Kyuss) y
Jess Hughes (Eagles of Death Metal) para dar forma a este
pretencioso álbum.
The Mutaytor Double Toil & Trouble Best of Live 2004-2005
Por
Joe McGaha (USA)
- IndyRock
The Mutaytor no es una banda, sino un grupo de músicos, bailarínes,
actores, y especialistas de sonido y video que montan espectáculos
(un poco parecidos al Cirque de Soleil, pero más joven y espontáneo)
por el Oeste de los Estados Unidos. El show consiste de mucha
música, mujeres quitándose la mayoría de la ropa (¿a quién no le
gusta eso?), fuegos artificiales, dragónes chinos, y muchas otras
cosas, todo bajo un ritmo fuerte. Su c.d., Double Toil &
Trouble, Best of Live 2004-2005 contiene la música de las
actuaciónes.la mayoría en vivo. Es música divertida, mucho
ritmo, electrónica, etc., y como lo grabaron en vivo, también se oye
los aplausos del público. La mejor canción para mí es la
última (número 8 en el c.d.), que se titulo "On Fire Like This", o
sea, "En Fuego Así". Es la única canción del elepé que
grabaron en un estudio, y se nota por la calidad. Me ha gustado el
c.d., y ahora tengo ganas de asistir a un show. Creo que The
Mutaytor seguirá creciendo, y llegará a ser algo conocido en todo el
mundo.
Country alternativo en la autopista olvidada
The Strugglers - "You Win" - Acuarela CD 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Una oculta emisora, difícil de sintonizar se cuela en la onda
media del autoradio. Suena un folk profundo, la cara maldita del
country. ¿Dónde está? Es tras las cumbres de aquellas montañas,
entre los bastidores de un porche de Carolina del Norte, la música
suena en un viejo plato para vinilos. Son los sonidos de The
Struggles, una banda que ha hecho del sonido del folk norteamericano
una lectura exquisita y emotiva. Con Acuarela editan en España su
álbum "You Win", en el que recuperan las esencias primitivas de Neil
Young, la fuerza interpretativa de Wil Oldham. Melod&ia cute;as
cadenciosas, cargadas de una voz tremula, incondundible, un perfecto
uso de las acústicas, pianos, mandolinas, banjo, batería... La clave
de The Struggles está en su compositor y multiinstrumentista, Brice
Randall Bickgford II, un joven que ya ha estado en escenarios junto
a bandas como Destroyer, Magnolia Electric Co. o The Mountain Goats.
The Movement
"Revolutionary Simpathies"Destiny, 2005
por
Jesús Rojas Hidalgo
La banda de Copenhague ha publicado nuevo trabajo y en esta nueva
entrega siguen fusionado las influencias de los sesenta, el hardcore
y la denuncia política. Estas influencias marxistas han sido
plasmadas a través de doce canciones llenas de energía y mensajes
transgresores. The Movement han sido calificados como los mejores
herederos del movimiento mod actual. Ya sé que parece todo un lío,
pero "Revolutionary Simpathies" es un trabajo genial, y eso es lo
que realmente importa.
Hasta ahora habíamos conocido las andaduras sixties de bandas
hardcore como The Internacional Conspiracy o Tokyo Sex Destruction,
pero el caso de The Movement es diferente. La banda compuesta por
Lukas Scherfig (voz y guitarras), Lars Schaedler (bajo) y Soren
Spanow (batería) ha elaborado un trabajo donde tiene cabida el
power pop, el garage y el hardcore americano. Puede que los puristas
del género modernista detesten que se hable de mod y punk a la vez,
pero ¿acaso The Jam y Doctor Explosion no hacían punk?
"Revolutionary Simpathies" se abre con "Kart Marx", un corte
enérgico lleno de punkrock y melodía con solos de guitarra
espeluznantes. La onda ska no tardará en llegar y la encargada de
hacer vibrar al personal es "More Products". Después de descolocar
rodillas y codos, The Movement se relajarán a ritmo de power pop al
más puro estilo nórdico (The Yum Yums, Pyramidiacs, .) Como podéis
comprobar, el segundo trabajo de los recientes ganadores del Villa
de Bilbao, alberga multitud de influencias y estilos musicales.
La vena más mod se canaliza a través de esa joya titulada "A little
rain". Una canción muy movida y sentimental que se beneficia de las
preciosas harmonías que desprenden el teclado y las trompetas. Podía
haber sido firmada por Paul Weller hace veinte años. "Revolutionary
systems" también consigue aproximarse a esa tendencia de mezclar
velocidad con sentimiento que tan populares hizo a The Jam.
Los momentos más crudos corresponden a temas como "All alone", "Is
that love?" o "Something about reality", donde la voz
desgarrada de Lukas consigue convencer al personal de lo crudo de la
realidad. En conclusión, estamos ante un trabajo pretencioso y lleno
de características positivas. Ahora sólo queda esperar para verlos
en directo, compartiendo cartel con Doctor Explosion, Swingin
Neckbreakers o Undertones.
Sixty-nine Million
Inches "Wet your Whistle" - Junk Records- 2005
Por
J. E. Gómez - IndyRock
No podemos negar que creadores como Sergio Leone, imágenes de aldeas
coloniales semiderruidas y perdidas en el desierto, juegos de
seducción en carreteras polvorientas, han marcado de forma
considerable a algunos de los mejores músicos de finales del XX e
inicios del 21. Sixty-nine Million Inches, son como aquellos
Forajidos de Leyenda, inmersos en el canto del cisne de un mundo que
llega a su fin. Este grupo formado por Mikel Alberdo, Javier
Cantudo, Raúl Campos, Fernando Neira y Martí Perarmau, han
encontrado en el folk, en el country rock, una forma de expresión
que han evolucionado hacia aires del mejor y actual power pop, con
una magnífica instrumentación de guitarras acústicas, ritmos a
medios tiempos, melodías cargadas de fuerza, recuerdos a Dylan, Neil
Young, Grahan Nash y un encuentro en el cruce de caminos con el
sonido latino, fronterizo de Calexico. Es un placer escuchar a
grupos que no reniegan de las esencias musicales que dieron lugar al
rock, e incluso del idioma (no es una apuesta fácil hoy en día
cantar en inglés en España). Sixty-nine Million Inches han creado un
mundo muy especial con un denominador común, seducción sonora, con
la intensa calidez e intimismo que envuelve una tarde de pasión.
Imágenes de carreteras interminables en un Buick blanco.
Sapiens -
"Piensa" Astro - CD 2005
Por
J. E. Gómez - IndyRock
Hay una cierta melancolía en la creación musical de los últimos
tiempos, sobre todo en lo que a grupos de post-rock o hardcore
melódico se refiere. Es una sensación de intimismo y tristeza que
necesita de calidad musical para ser expresada. Quienes lo consiguen
se pueden considerar parte de la élite. Sapiens ha entrado en el
grupo de los elegidos. Es una banda madrileña que está en la
carreterea desde 2001, experimentando y compartiendo músicos con
grupos como A Room With a Wiew. Dentro de la escudería de Astro
Discos han publicado "Piensa", un trabajo que invita a las múltiple
escuchas. Lo califican como un coctel electroguitarrero, pero la
realidad es que se trata de una composición cargada de matices, que
va a más allá de las guitarras y de las voces en plano medio. Posee
explosiones sonoras, de sentimientos que dan paso a espacios
ambientales. Sapiens ha grabado junto a Raúl Santos (ex Planetas y
colaborador de Nawja). Una apuesta ganadora para los amantes de las
melodías y creaciones sinceras.
Carlos Guitarlos
- Hell Can Wait Nomad Records 2005
Por
Joe McGaha - IndyRock
¡Acabo de disfrutar del mejor c.d. que he escuchado hace meses -
"Hell Can Wait" de Carlos Guitarlos! Yo no conocía el trabajo de
Carlos, pero él ha tocado desde los años 80. Trabajó con Tom Jimmy
entonces, y estaba en camino hacia arriba hasta que las drogas y el
alcohol destrozaron su carrera, y se encontró tocando en las calles
de San Francisco durante años. Éste c.d. incluye voz y guitarra de
David Hidalgo (de la famosa banda Chicana Los Lobos). Es una gran
mezcla de canciónes blues de buenos tiempos (con algo de influencia
country, y hasta influencia de música Mexicana y Española). La voz
de Carlos es una mezcla de lo duro de Louis Armstrong, posiblemente
un poco de Leon Redbone, junto con los mejores blueseros (Howlin'
Wolf viene a la mente). Estas canciónes tienen un gran sentimiento,
unas buenísimas harmonías (me encanta la mezcla de voces en "Got No
Time"), y letras graciosas, inteligentes, y tristes. La última
canción, "I've Been Dead Since You've Been Gone" (He Estado Muerto
Desde Que te Fuiste) me dió como un puñetazo. ?Quién no ha sentido
así alguna vez? Alguién que no haya vivido mucho todavía - todos
llegamos a ese punto (aparte de los muy, muy afortunados). "Drinkin'
Again" (Tomando Otra Vez) es claramente su propia historia, y podría
ser el tema para muchos que se han encontrado en malas
circunstancias. Total, hay 19 canciónes en este c.d., y cada una es
una joya. Si tienes la oportunidad de escucharlo, tómalo, que nunca
se sabe cuanto tiempo tiene éste cantante con tanta alma (su
compañero, Top Jimmy murió recientemente por problemas del hígado).
Meat Loaf Bat
out of hell Epic
por
Hugo Roca- IndyRock
1977 es un año memorable para la historia del rock debido al
surgimiento del punk. En Inglaterra, grupos como The Clash,
Buzzcocks o los Sex Pistols despotricaban ferozmente contra el
gobierno exigiendo un cambio e invitando a la rebelión.
Mientras tanto, en los Estados Unidos, el movimiento punk de la mano
de los Ramones era divertido, sin crítica social, sólo buscaban
divertirse. Simplemente se habían hartado del rock que se tocaba y
querían hacerlo a su manera: más rápido y mucho más sencillo.
Paradójicamente, en ese año de hartazgo hacia el rock clásico, Meat
Loaf creó uno de los mejores álbumes en la historia de la música.
Una ópera rock sólo comparable con Tommy o Quadrophenia: Bat out of
Hell. Es un disco único en la historia del rock, excéntrico y
envolvente, el gran mérito del álbum es que Loaf logra darle a cada
canción la independencia necesaria sin comprometer el concepto del
disco.
La canción homónima que abre el disco es explosiva, crea ese
sentimiento adolescente de agarrar una escoba y rockear enfrente del
espejo, consigue inyectar esa energía que muy pocas canciones
logran, no queda mas que agradecer que se haya inventado una canción
así. Pocas son las baladas que llegan a conmover tanto como You took
the words right out of my mouth (hot summer night), es una canción
hermosa que se paraliza ante los lamentos "tú sacaste las palabras
directo de mi boca". El clímax del disco llega con la mágica
Two out of three aint bad ,en donde Loaf anhela amores pasados, y
Paradise by dashboard Light es una canción grandiosa que
definitivamente sitúa a Bat out of hell junto a clásico del rock de
la talla de My aim is true de Elvis Costello o Disraeli Gears de
Cream.
Un disco hermoso pero furioso, melancólico pero a la vez invita a
salir corriendo y gritar; Meat Loaf logra, con este disco, lo que
una obra de arte debe lograr: conmover. Bat out of hell conmueve, te
hace sentir, te hace pensar, te hace maldecir que los discos
geniales sean tan espaciados. Gracias Meat Loaf por crear un disco
de rock tan bueno que, después de oírlo, simplemente te da la razón
para amar a la música con tanta pasión.
Black Cat Music October
Nobember Lookout! Records, LK307
por
Hugo Roca- IndyRock
Con October Nobember, Black Cat Music se consolida como una de las
mejores bandas de garage-rock en todo California. Después de un
debut tan prometedor como lo fue el pasional Hands in the Estuary
Torso in the Lake, las expectativas para este segundo álbum eran muy
altas, y sin duda alguna October November supera con creces a su
predecesor.
Con tan sólo escuchar la primera canción The Bridal Veil, se puede
dar uno cuenta que Brady Baltezore canta con el corazón, nos canta
sus miedos, saca sus preocupaciones de lo más hondo de su alma y su
voz es tan pasional y honesta que se agradece.
Un disco crudo y honesto, agrio y valiente, bien tocado y sin
ninguna pretensión comercial que lo único que busca es dispararte 11
canciones llenas de sentimiento .
El disco transita por una atmósfera oscura que llega al su punto más
alto con joyas como Stay west, Hearts of crhrome, In the lights y
Kiss until Kissed, pero es la hermosa The jet trash en donde
este cuarteto, conformado por Omar Pérez, Denny Martin Travis Dutton
y el ya mencionado Brady Baltezore, alcanza una perfecta belleza
armónica capaz de conmover hasta las lágrimas mientas Baltezore
insinúa un suicidio "¿por qué no desaparecemos?, nunca me gustó
aquí"
Black Cat Music entrega un excelente álbum de garage-rock con
matices del proto-punk setentero, una verdadera reliquia underground
invaluable en estos tiempos que es tan difícil encontrar música
hecha sin pretensiones, por el mero amor al arte. Por una parte es
una bendición que este tipos de grupos no sean tocados por en
mainstream, considero que este tipo de discos deben permanecer en un
ambiente un tanto "elitista", y así sólo poderlos disfrutar una
pequeña minoría y no compartirlo con los millones de amantes de la
música que programa la radio. ¿Una actitud egoísta?, sí, lo es pero:
"la miel no es para el hocico de los burros".
Titan y María Daniela
y su sonido lásser
Por
Hugo Roca - IndyRock
La disquera independiente
Nuevos Ricos sacó a la venta el
pasado martes 25 de octubre el nuevo disco de Titán (banda pionera
de la música electrónica en México) y el debut de María
Daniela y su sonido lásser (grupo de electropop underground que se
catapultó a la fama con su sencillo Miedo: canción con mayor número
de descargas en lo que va del año en México y ganadora del mote "hit
del verano"). Por lo que todos aquellos ansiosos que tuvieron que
esperarse tanto tiempo para conseguir algo de esta revolucionaria
disquera -ya que sólo habían sacado discos en acetato- pueden ya ir
a las tiendas y adquirir música independiente internacional de la
mejor calidad.
Estos son los primeros dos lanzamientos discográfico en
formato de disco compacto y que se distribuyen a nivel nacional
-gracias a un acuerdo con EMI- de esta disquera independiente
considerada de culto. Nuevos Ricos nació hace poco más de 1
año de la mano de el músico argentino Julián Lede aka Silverio y el
artísta gráfico de renombre internacional Carlos Amorales. El
proyecto prentendía fusionar la faceta musical de Lede con los
proyectos artísticos del genial Amorales y el resultado no pudo ser
mejor: música electrónica de la mejor calidad con una fuerte carga
visual de ahí el enorme éxito alcanzado en exposiciones y galerias
de arte a lo largo del mundo (paradógicamente NR ha sido más
reconocido en Europa que en México mismo).
Peter Eldridge:
Decorum
Por
Joe McGaha / California
En el año 2001, asistí a un concierto de Theo Bleckmann (se puede
encontrar la cronica en: https://indyrock.es/theobeckmann.htm ) , y
acabo de escuchar el nuevo c.d. de su colega, Peter Eldridge. En
comparasión con Bleckmann, la música de Eldridge parece ser algo un
poquíto más de la onda de música popular (eso puede ser porque sus
canciones tienen más letras de las que escuché de Bleckmann, que
eran más estudios de sonido en ritmo, sin letras.la mayoría de las
canciones, por lo menos). La primera canción del elepe se titula
Playing in Traffic.o sea, Jugando en Tráfico. Me gustan mucho las
letras.se nota que está intentando expresar una filosofía. Dice
"tanto control entre el caos, sin miedo.". La música es muy bonita,
melódica, y con humor en las letras también. Theo Bleckmann canta la
segunda parte en la segunda canción, Open Book (Libro Abierto). La
mezcla de las voces de Eldridge y Bleckmann sale muy bien, y se nota
que han planeado muy bien esa canción (también noto un poco más del
estilo de Bleckmann, en la melodía).
Esto es Jazz, pero no el Jazz que yo conozco (de los años 50 y 60).
La música de ésta grabación sería perfecta para un día lluvioso. Yo
recomendaría tomar un vaso de buen vino, y relajarse con los
imágenes y el ritmo de este álbum.
Se nota que Eldridge tiene várias influencias, incluso Soul, y
Blues. La canción Full Grown Man (Hombre Totalmente Criado) se
parece más al Jazz que yo conozco, y también tiene cosas de Soul en
su manera de cantar.
Total, yo recomendaría ese álbum por su variedad de expresión. Cada
canción tiene otra personalidad, y algo nuevo que decirnos. Al mismo
tiempo, el sonido me siente muy familiar.
Gilles Peterson -
"The BBC Sessions" Ether Records - Cd 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Pasar por las sesiones de la BBC Radio One, es uno de los signos más
claros de la consagración de un artista de los platos y la
electrónica. Al frente de esas horas de club está Gilles Peterson ,
uno de los Djs más respetados del mundo, con su espacio 'World-Wide.
Se le considera un mago del rootsy, funky y del jazzy. Nadie
como él para crear sesiones inolvidables, donde se puede disfrutar
de una nueva dimensión a creaciones de grandes artistas
internacionales. En un disco publicado por Ether Records, Gilles
Péterson recopila algunos delos tracks fundamentales, con temas de
Beth Gibbons, Peven Everett, Heritage Orchestra, The Roots o Zero 7.
Es un doble disco con 27 temas entre los que se encuentran
grabaciones exclusivas de Beck y Bjork entre otros. El disco ha sido
grabado en los Broodway Studios de Londres. www.ethermusic.net
P:ANO (Piano),
"Brigadoon" Pop desde Canadá Acuarela Discos - CD 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
La escena musical canadiense es siempre sorprendente, no deja de
aportar magníficas canciones y grupos de alta calidad. La cantera
del pop gana posiciones en la tierra de Neil Young. Tras bandas como
Boken Social Scene, nos llega P:ANO (Piano) con un álbum,
"Brigadoon", editado en España por Acuarela, en el que la banda de
Nick Krgovich, Larissa Loyva, Justin Keitlan y Julia Chirka,
realizan un viaje por canciones sencillas, enraizadas en el folk,
cargadas de matices gracias al multiinstrumentismo de Nick y
Larissa. Este álbum, con 24 temas, es perfecto para pasar una tarde
de paseo por jardines, conversar con tus amigos y recordar tiempos
en los que se pasaba del intimismo a la psicodelia. "Brigadoon" es
un disco de amor, con una importante carga de desencanto y de
recuerdos de tiempos mejores. Junto a instrumentos clásicos
canadienses, excelentes guitarras y sintetizadores, se aprecian las
calidas voces de este cuarteto que, en ocasiones viaja junto a
Aventures in Stereo o The Decembers, para pasar a espacios más
descarados con un sonido que nos recuerda a Yo la Tengo. La edición
española tiene dos bonuis track que no aparecen en la
norteamericana. Algo domina en este trabajo. Tiene unidad, los
medios tiempos y los crescendos necesarios para que 60 minutos y 24
canciones pasen volando.
Aspe, "Aspe"
Acuarela Discos - Ep 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Es fácil dejarse llevar por la melancolía, la inquietud, la
esquizofrenia a veces... A eso te lanza Aspe, un grupo
norteamericano, de Nueva Inglaterra, nacido como un proyecto de
jovencísimos estudiantes de instituto. Es extraño, no sería la carta
de presentación más adecuada para músicos que parecen haber
respirado vanguardismo por todos sus poros. Se trata de un sexteto
que presentaen España, de la mano de Acuarela discos, su primer
trabajo discográfico cargado de estilimo post-rock, rabia contenida,
pasajes que recuerdan a la intensidad sonora de bandas españolas
como Migala. Estos chicos se perfilan como una magnífica propuesta
creadora, con raices en Sonic Youth. El disco, un Ep de seis temas,
"Aspe" son 34 minutos para enarbolar banderas épicas y adentrarse en
profundidades neblinosas, oscuridad de bosques pantanosos y
explosiones sonoras. Se trata de un paso hacia adelante en la
tendencia, muy alabada en los últimos tiempos, del uso de la música
para la creación de paisajes.
Constantines "Tournament
of Hearts" Sub Pop - CD - 2005
Por
Fernando Navarro / IndyRock
Pues resulta que el indie rock no se había terminado. Death Cub For
Cutie venden más que nunca, Sub Pop no deja de editar discos (de
hecho, gracias a pelotazos como el de The Postal Service, se están
forrando) y los norteamericanos (canadienses incluidos, como estos
Constantines) siguen formando bandas de pop ruidoso que hacen
canciones incómodas, basadas tanto en los arrebatados himnos punks
como en la elegante rudeza del hardcore. "Tournament Of Hearts" es,
sin duda, el mejor disco de estos Constantines; una banda que se
gusta, que maneja unas referencias exquisitas (nos hablan de The
Pogues, de Fugazi y de The Clash) y que tiene, en la voz ronca de su
vocalista, Bry Webb, su principal baza. Disco de rock enérgico, a
medio camino del clasicismo retro y la efervescencia hardcore,
bastan las guitarras emo, la atmósfera tensa, el estallido punk
final, de esa estupenda canción, aparentemente sencilla, como
"Hotline Operador", para convencer al oyente avispado de que esta
banda, es, efectivamente, pura actitud. Y hay más: "Love In Fear"
(casi como si Peter Gabriel y Steely Dan hicieran emocore); "Working
Full Time" (donde el batería, Doug McGregor, pide a gritos el trono
de Keith Moon) o el piano eléctrico de "Thieves" -nocturna, rara,
magnética canción de guitarras disfrazada de rock jazz- constatan,
sin dudas, que Constantines están muy bien. Si señor, Sub Pop (un
sello cuya valentía deberían de tener en cuenta algunos mandamás
indies de por aquí) vuelve a apuntarse un tanto. Otro.
Kinski "Alpine Static"
Sub Pop - CD -2005
Por
Fernando Navarro / IndyRock
Es irónica la manera en que evoluciona la escena musical, lo
atrevida, arrogante, remota y snob que puede ser la prensa, lo
arbitrario que puede llegar a ser el gusto público. A este respecto
hay un caso que nunca quedará claro: ¿El rock progresivo -y sus
secuelas- es lo peor o lo más cool del mundo? Basta que Radiohead
sean consagrados los nuevos Pink Floyd o que cineastas super
modernos como Paul Thomas Anderson usen a la E.L.O. o a Supertramp
para que los debates a sobre ese asunto surjan una y otra vez. Sub
Pop se apunta al debate, y lo hace de una manera convincente,
definitiva: Kinski. Ese es el nombre de esta banda de rock
progresivo (o hard rock místico, podríamos decir) que ha editado un
disco, "Alpine Static" (doble Lp, ni más ni menos) donde sus
querencias (medio disfrazadas bajo la apariencia de krautrock) cien
por cien progresivas se encuentran con las opiniones encontradas de
la audiencia que, realmente, no sabe que opinar de su propuesta.
Similar, en lo que a jugada comercial se refiere, que a la de los
estupendos Secret Machines, el segundo disco de Kinski es una obra
ambiciosa y excesiva de rock instrumental, plagada de riffs
blacksabathianos, de desarrollos épicos y juegos de producción (la
guitarra espacial que aparece en "The Wives Of Artie Shaw) donde
apenas hay rastro de referentes pasados los setenta (tal es el juego
de mimetismo de la banda) y que deja, en mi opinión, un sabor
extraño, misterioso y algo rancio, casi como un viaje en el tiempo.
Una sensación que, sinceramente, no muchos discos pueden apuntarse.
Pinkie "Sharon Fussy"
Mushroom Pillow - CD-2005
Por
Fernando Navarro / IndyRock
Proyecto unipersonal de Alex Sharkey (antes en Brighter) disfrazado
de banda de pop luminoso y algo retro (de esas a la que nos tienen
acostumbrado en Mushroom Pillow) el primer disco de Pinkie, "Sharon
Fussy" es algo más que una agradable sorpresa. Ya desde el arranque
(la ensoñación otoñal en que te sumergen las cuerdas y la guitarra
de "Outside My Window" -título inmejorable para una canción que
invita precisamente a eso, a asomarse a la ventana y ver la vida,
triste o no, tras ella-) este disco tiene algo encantador (será el
hacer pop sin ninguna otra cosa en la cabeza que no sea la belleza)
que permanece en la mente (el alma) incluso varias horas después de
entrado en su mundo. Como si fuera la historia de un chico en un
mundo hermoso y frío que le es ajeno (quizá un chico con aires
decadentistas, como si fuera un joven aristócrata de la era pop)
"Sharon Fussy" conmueve por su preciosismo, por su fragilidad y su
capacidad para el detalle más íntimo, por su apuesta por las voz
como principal instrumento (una voz que languidece, o sonríe, entre
guitarras y pianos) y por su repertorio, triste, lúcido, hermoso y
sencillo: el instrumental "Someone I´ll Never", las cuerdas
sintéticas de "Long Live Dreams", el gélido piano que abre "Want It
To Work This Time", el ajado speech que abre "Just Pretend" (casi un
guiño a Morrissey) o esa enorme balada folk que es "Adelaine" (mi
favorita del disco, sin duda). Hacía tiempo que no escuchábamos un
disco como este, perfecto para palidecer.
Wagner Pa "Melic"
CD - Boa 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Los sonidos jazzy, bossa, y otros aires latinos se abren paso con
fuerza en el panorama de las creaciones de vanguardia. Esto es lo
que ha hecho de Wagner Pa, uno de los músicos con más éxito de
crítica y de culto de la escena catalana, un referente para la
fusión y lo que podríamos denominar la cultura de club, del
intimismo y la expresión munimalista. "Melic" es el tercer disco de
Wagner. El mismo lo considera más personal, profundo y rico
musicalmente hablando. Se hace especiall, alejado de esterotipos.
"Melic" es un paseo por territorios bailables, enérgicos,
espirituales y, sobre todo, cosmopolitas, lo adecuado para alguien
procedente de Brasil y afincado en Barcelona. La experimentación
está en su base de trabajo, desde las raíces de su tierra a formas
de entender el mestizaje como las de Macaco. Este disco se publica
el 24 de octubre simultáneamente en España, Francia, Alemania,
Benelux, Usa, Argentina... Ha contado con la la colaboración
de sus colegas musicales, Chico Cesar, Sisa, Dani Nello, Joan
Garriga y otros. Con todos ellos crea una particular forma de
expresar la necesidad de un mundo sin fronteras. Muchos buscan un
puente atlántico, entre suramérica y Europa. Warner Pa ha trazado,
al menos, los pilares para el entendimiento. www.boacor.com y
www.brazucamatraca.to
Donna Maria, folk y
electrónica con sabor a fado
"Tudo`é para sempre..." CD+DVD / Different World / Dual Disc 2005
Por
J. E. Gómez - IndyRock
Cuesta creer que una profundización en las raíces de la música
tradicional más pura, te lleven irremediablemente al pop y a sonidos
encuadrados en las tan cacareadas "nuevas tendencias" (que ya están
pasadas de rosca a tenor del tiempo que se lleva hablando de ellas).
Si esta cuestión la aplicamos a la música portuguesa, con el fado
como principal ingrediente, la incredulidad es manifiesta. Donna
Maria es un grupo portugués con una cálida voz femenina en el "front
line". Han creado una forma distinta de interpretar la música
popular de su país. No es posible considerarlo fusión, porque no
mezclan, simplemente interpretan, crean expresamente para ellos a
partir de raices y sentimientos. La utilización de instrumentos como
acordeones te hacen viajar a garitos lisboetas, pianos jazzísticos
para noches tenebrosas, pero también se han decidido por elementos
electrónicos, cadencias bailables de techno. Perfectos para encajar
en la cultura del pop europeo. Han dado un importante giro al pop en
Portugal. Donna María edita un doble disco, DC y DVD, en el que se
pueden oir una docena de temas, además de un DVD con otros tantos
videoclips y entrevistas. No lo olvides, Donna María, con la voz de
Marisa Pinto, es un lujo para los sentidos, merece la pena dejarse
llevar a espacios de veleros alejándose tras la bocana del puerto, y
eternas esperas entre la niebla.
Bruno E. Soul desde
Brasil
"Alma Sessions" - CD Ether Records 2005
Por
J. E. Gómez - IndyRock
El soul crece día a dia, impacta a creadores de vanguardia, a Djs, a
bandas del más puro rock. Ether Records vuelve a publicar un nuevo
trabajo de un creador brasileño asentado en el llamado Soul
contemporaneo, Bruno E., que saca al mercado "Alma Sessions". Un
trabajo que como las raices del soul posee espacios para el baile y
otros para la profundización en los sentimientos. Muestra la
necesidad de viajar desde el jazz al rock y al techno a través de
los sonidos más puros de la américa negra, con un impresionante
toque brasileiro. Intimismo en los temas de un trabajo para el que
Bruno E. ha contado con colaboraciones de diferentes músicos, entre
ellos Elis Regina, Tom Ze (más conocido como el Padrino de la
Tropicalia), Xantoné Blacq o Sarah Ann Webb (cantante del
mítico grupo de acid jazz D´Influence)... En un momento en que la
música que se crea en Brasil ocupa terrenos de cierta importancia en
el panorama internacional, Bruno E. se convierte en un perfecto
embajador de la creación electro-underground.
Mary Timony "Ex
Hex" Lookout! Records L314CD, 2005
por
Hugo Roca / Mexico
Conocida por sus dos trabajos anteriores (Mountains y The Goleen
Doves) bajo el sello Matador Records, la ex vocalista del trío
de noise-pop Helium nos entrega un espléndido tercer álbum
distribuido por la disquera independiente Lookout! Records.
Ex Hex es un disco mágico, desde la primera canción: On the floor,
Timoty guía al escucha con una voz hipnotizante guiada por melodías
místicas en guitarra dando la sensación de habitar un mundo de hadas
en donde Tiimony exorciza sus amores del pasado " no puedo soportar
que estés descansando en el piso, y otra vez te pido que te levantes
pero tú no lo haces".
Un gran acierto de Ex Hex es que no es una colección de canciones
sueltas, en un todo, cada canción complementa a la siguiente. En una
época en la que la mayoría de discos so hechos con 3 sencillos y 10
canciones de relleno, es de alabarse que Mary Timony nos entregue un
disco tan completo y complejo que es necesario oírlo en su totalidad
para llegar a comprenderlo. El álbum va creciendo en ti cada vez que
lo escuchas, está pensado para eso, una invitación a un viaje
musical que te atrapa y no puedes dejarlo. Sin llegar a ser
pretencioso, desde la portada, el disco es creado con la intención
de ser una pieza de arte y sin duda lo logra. Música bella que va
desde el indy rock hasta el noise-pop pasando por la
neo-psycodelia.
La voz de la cantante es adictiva, una vez ensimismado en ella
es prácticamente imposible dejarla de escuchar, desde la hermosa
Silence hasta la furiosa Return to the Pirates, en donde Timony
vocifera a todo pulmón "no te puedo amar más le dijo el doctor a la
puta, quiero ir al jardín del amor guiado por una oveja y una paloma
blanca", es imposible no poner atención.
La impresionante habilidad para tocar la guitarra de Timony
conjugado con la batería, bajo y teclados de Dave Ocampo crea el
efecto de un ambiente siempre irreal; como en un sueño, el disco
transcurre en ese tono en su totalidad. Un viaje en el que el
escucha es guiado por la voz de Timony y pasa por sus
distintos estados de ánimo, una Mary enojada, una Mary amable y así
se sigue hasta culminar con Backwards/Forwards.
El disco es excelente debido a que logra con creces su objetivo:
llevarnos a un viaje musical de la mano de Mary Timony en el cual
nos haga sentir lo que ella canta.
Música difícil de oír al principio pero que en verdad vale la pena
darle la oportunidad y oír el disco unas cuantas veces hasta
encontrarle tu propio sentido.
The Rakes
"The Rakes" V2 Recordings 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Una ciudad que descansa por la noche y un puñado de chicos malos con
guitarras. La imaginería del rock de clase británico reivindicada ya
desde la portada por esta banda, The Rakes, que debutan con un disco
homónimo cuyos evidentes argumentos casi quedan resumidos en sus
tres primeras canciones. El acelerado riff escapista de "Strasburg",
con que se abre el disco -quizá un recuerdo a la capital europea, el
lugar del que parten las becas Erasmus-, la sofisticada y algo
irónica flema de "Retreat", con un ritmo tramposo y huidizo, y,
sobre todo, esa bomba de relojería llamada "22 Grand Job",
pluscuamperfecto single de minuto y medio, sirven de libro de estilo
de la banda, especialmente esta última donde aparecen: la vocación
guitarrera, la voz desencantada y un texto amargo sobre el empleo
precario (ya escribí en algún sitio que Tony Blair ha hecho, con su
política agresiva y exterior, más favor al pop británico del que
hacía cuando solía hacerse fotos con Mansun y Robbie Williams). Lo
que viene después, ocho canciones más, conforman un buen disco de
rock inglés, con convincentes giros hacia el pop clásico ("Open
Book") o la escena siniestra ("Terror") hacia la nueva ola más
atrevida ("We Are All Animals" o esa "Violent" que es puro Madness)
e incluso inesperados momentos de calma cargados de sentimientos y
frustraciones (la dramática aspereza de "Binary Love") que hacen de
The Rakes otra de esas agradables sorpresas del pop vertiente héroe
de la clase obrera.
Tienes un e-mail/
Certyl es música
Por
Santiago Craig /Buenos Aires
Hoy me llegó un e-mail de alguien que no conozco. Pasa seguido esto,
se sabe, pero por lo general al otro, al que manda el mail,
suponiendo que es otro y no una máquina lanza panfletos o una
especie de bocina comandada por un gran hermano cybertrónico, no le
importa nada de quién lo reciba. En este caso, el mail iba dirigido
a mí, específicamente, y lo más agradable de todo es que no decía
nada sobre agrandar mi pene. Porque hay que convenir en que esa
gente agrandadora de miembros siempre tiene la deferencia de incluir
nuestro nombre en los "asuntos", generando una familiaridad que roza
lo traumático. No, aquí nadie quiere agrandar nada, a lo sumo
achicar, y no penes sino brechas, distancias, entre la música y los
oídos, entre el que toca y el que escucha. Así que este correo
fantasmagórico era de un chico que tiene una banda, al menos eso
dice él: "Hola, tengo una banda, y os mando la página para bajar la
música y comentadme algo si queréis" .
Claro que quiero, a ver, la página es www.certyl.com , ENTER, debe
ser el nombre de la banda. Certyl. Claro. ¿Qué significa?
Veamos, ahí está: dos siluetas naranjas sobre un fondo negro, no,
tres, hay una Gibson, también, o al menos eso parece,
definitivamente, es una Gibson o un ganso, lo que sea, y arriba dice
"Certyl es música", buenísimo, vamos a escuchar entonces. Empecemos
por "La muerte", el primer tema, raro, empezar por ahí, me gusta,
dar vuelta las cosas, está muy bien, ahí está, es una voz de
traductor de películas, ¿Es "El séptimo sello", de Bergman? No se,
no soy tan culto como para aprender de memoria los diálogos de
películas blanco y negro. Ni tan culto ni tan snob, pero está bueno
lo que dice. De pronto, ahí está, al fin, la música, suave, de a
poco, casi imperceptible, se mete en los oídos, como la muerte.
"Long night", segundo tema. Es en inglés la cosa, y hay guitarras:
esto va cada vez mejor, hay algo épico, y una distorsión de fondo
que parece el presagio de una tormenta o de una plaga líquida. Hay
Pearl Jam, y Ozzy, y metal. Hardcore melódico, sí, eso se saba, es
lo que es, pero se puede decir más, siempre. No se bien qué
hay, pero está muy bien. Es cada vez más progresiva la cosa, más
escalas y pelucas plateadas, botas pisando pollitos que pían
ringtones, y sintetizadores que parecen frenadas de naves
espaciales. Es como si Bon Jovi hubiera probado ácido en
Transilvania y diera una serenata lunar. Los solos de guitarra dan
ganas de ser un Bella Lugosi que se alimentara de bloody mary bien
cargado. Vivieron los 90, estos chicos, se los masticaron
sentados en un Marshal chiquito lleno de grasa de papas fritas. El
último tema es un descanso, de opio, breve, Cell and love, una
especie de viaje en el tiempo sintetizado, una de esas pastillas que
se repartían en el mudo feliz ideado por Huxley. Y eso es todo...Me
gusta, sí, escúchenlo, vale la pena, una lástima que no haya más
botones en la página, ni una foto, ni nada más..que música. Claro,
esa es la idea, de este mail sin dueño, de esta comunicación entre
desconocidos, de este modo perfecto de comunicar sin ver, sin decir
demasiado. Certyl es música que grita al cyberespacio, respondan su
llamada.
Siwel "Unforgettable
Moments of Forgettable Times" Zebra Records 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Este es un disco sobre recuerdos. Una colección (en palabras de su
autor) de momentos inolvidables en tiempos olvidables. O como
acordarse de la luz que había en medio de la tiniebla. Segundo disco
de Siwel, "Unforgettable Moments of Forgettable Times" es una obra
algo más madura, menos referencial que el homónimo "Siwel" con que
debutó su autor hace un par de años. Más atrevido que este, algo
menos austero y monocromo, el segundo disco de Siwel es un disco
bonito, de folk apacible, de melodías agridulces, tristonas, que
sigue falto, no obstante, de hallazgos pop, de quiebros y
atrevimientos, como si lo están, por ejemplo, las canciones de
Elliot Smith (quizá el principal referente de Siwel). Aunque abunda,
insisto, en hermosas canciones ("Lullaby", "Scar", "I Know How This
Story Ends", cantada por la vocalista de Emma Get Wild "Now Or
Never", "Why So Easily?" o "Mayuri"), cuyos textos, en su mayoría
autobiográficos, nos sirven para reconstruir historias tristes,
sobre ausencias, amores interrumpidos, despedidas, el repertorio de
Siwel acaba cansando levemente por su tímida afección y por su falta
de riesgo. Disco para chicos tristes, para tardes de otoño,
para solitarios convencidos, "Unforgettable Momentos of Forgettable
Times" se cierra, no obstante, con una sorpresa "Ahora Ya No", la
primera canción en español de su autor (la mejor del disco) y,
quizá, un aviso de por donde pueden ir los tiros en siguientes
trabajos.
Logan
"Lúmina" WEA / Warner Music 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Dice presuntuosamente la hoja de promo del segundo disco de Logan
que las canciones de "Lúmina" (nombre de este segundo disco) buscan
algún tipo de conexión espiritual con el oyente; algo de lo que,
afirman, no existen demasiadas referencias en la música popular. Y
me pregunto, con igual presunción, ¿lo consiguen las canciones de
Logan como lo hacen, sin aspavientos y sin tan siquiera
proponérselo, las canciones de Brian Wilson, de Dylan o Joy
Division, por poner tres ejemplos dispares? Y la respuesta es, me
temo, no. Confundiendo contenido con continente, abusando de
metáforas cósmicas y sintetizadores y con un misticismo algo new
age, las canciones de "Lúmina" deambulan entre el rock progresivo
(incluso hay una versión de King Crimson) y el chill out. Quizá la
abundancia de compositores y colaboraciones hacen que el material
suene disperso, confuso y algo pretencioso y que, de este modo, se
alternen propuestas más o menos interesantes (las reflexivas "Vía
Láctea" o "Eterno Azul" o la muy Bowie y de paso muy Bunbury "Dos" o
la guitarra David Gilmour de "Hombre Nuevo") con algunas algo más
obvias (los sonrojantes recitados de "Busco La Luz", "Sueño Que." o
"Cuando El Pequeño Juan", la ópera rock de "Incomunicado", el
momento rock de "La Huida") dando, como resultado, un disco que
remite a los algo ingenuos últimos discos de Pink Floyd y en lo
literario-espiritual a una idea de religión cercana a la de la
Cienciología y demás artefactos de espiritualidad empaquetada que,
estoy convencido, nada tienen que ver con la hermosa y antigua idea
del alma humana.
Future World Funk
"Onthe run" Ether Records 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Interesante recopilatorio, recomendado para amantes de la
música bailonga. Aquí encontramos, reunidas para la ocasión por los
Dj´s Michael "Cliffy" Clifford y Russ Jones (o Future World Funk que
para el caso es lo mismo), más de veinte propuestas distintas de
funk del mundo, en una especie de tratado antropologio/musical que
Cliffy y Russ separan, como mandan los cánones, en dos disco: "Up" y
"Down".
Se abre el "Up" con el ragga jamaicano de Jah Screechie para
dar paso a un complejo viaje, donde se encuentran las texturas
brasileiras de la Banda de Pifanos de Caruaru y la excesiva
cumbia spanglish de Fulanito con los más variados aires
orientalizantes (desde G Samra a Transglobal Underground o la
Bollywood Brass Band) pasando por algunas aventuras africoamericanas
(ese "Día del Sol" de Marka and Xrs o la luminosidad de "Rythm" de
Laventille Rythm Section) y donde al final uno queda tan aturdido,
tan mareado que ya no sabe distinguir ni en que país vive, ni el
idioma que habla, como si este disco fuera una hábil manera de
revisitar la primera confusión de la torre de Babel.
"Down", el segundo disco, apuesta abiertamente por la
electrónica, desde la vertiente down tempo, el chill out o incluso
el trip hop. Caben aquí la fusión mística oriental de "Kahin Deep
Jaele Kahin Dil" con los vientos de Two Culture Clash, el
soundsystem de "Greedy Little Deggy" de Uroy with Tony Tuff con la
maravillosa "Bucovina" de los rumanos Shantel, la genial "They Gotta
Quit Kicking My Dog Around" (el encuentro entre Ferry Hall y
Mushtaq) con Eastenders o Dry and Heavy, cerrándose esta especie de
Lonely Planet de la pista de baile con la desconcertante "Día de
Desfile", una canción donde se encuentra el hip hop, la música
brasileña, el ska, la salsa y el reggae. ¿Alguien se atreve con
más?
Rosie Thomas "If
Songs could be held" Sub Pop 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Basta la conmovedora fragilidad de "Since You´ve Been Around", la
preciosa canción que abre "If Songs Could Be Held" para convencerme
de que, con su tercer disco, Rosie Thomas ha dado un definitivo paso
adelante en su, aún breve, carrera. Ayudada por bastantes músicos
ajenos a su circulo (entre otros el guitarrista de Liz Phair y Ed
Harcourt), contando por primera vez historias no personales y a
pesar de todo mucho más cercana, Rosie Thomas ha grabado un
maravilloso disco de folk, en el que la instrumentación es más
sólida (aparecen baterías y bajos como si fuera un disco de pop, las
acústicas no oprimen las canciones) y los textos son más libres, más
intensos, dando lugar a sus mejores canciones en los últimos años.
Desde ese himno que es "Pretty Dress" al piano eléctrico que devora
"It Don´t Matter To The Sun" (en el que Rosie canta, con desencanto,
eso de "no le importa al sol, si te quedas o te vas / no le importa
al sol, pero a mí si"), desde el dueto con Harcout en "Let It Be Me"
(estupenda canción resentida que suena a clásico de toda la vida) al
folk desnudo de "Clear As A Bell" o "Time Goes Away", todas las
canciones de este buen disco dejan un raro poso triste en la
memoria, como si abandonáramos, sin mirar atrás, a alguien a quien
queremos; como en el funeral de una chica hermosa, el nuevo disco de
Rosie Thomas es un trozo de tiempo detenido, inalcanzable, doloroso
y, finalmente, único.
Tarik y La
Fábrica de Colores"Sequentialee" Mushroom Pillow 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Con discos como este "Sequentialee" se dispara la imaginación del
cronista. Empezaremos con los tópicos que surgen cuando alguien
habla de Tarik. Personaje de culto, maldito, genio, esquivo. Y ahora
dos verdades. Una, que Alvaro Tarik nunca ha tenido demasiada
suerte. Dos, que sus canciones son estupendas, mucho mejores que las
de la mayoría. Otra verdad, la tercera: el más hábil sello
independiente nacional, Mushroom Pillow edita nuevo material de
Tarik, ahora bajo el nombre de Tarik y La Fábrica de Colores.
"Sequentialee", su primer disco bajo este nuevo nombre, es el
retrato de un músico que ha perdido la memoria y está recuperándola;
una especie de caja en la que reúne sus canciones favoritas, las
nuevas que ha ido escribiendo durante todos estos años, todos sus
viejos recuerdos; es la fotografía de un rostro que prefiere, por
ahora, no mirar directamente al objetivo de la cámara. El disco
sirve a la vez de narración autobiográfica y de crónica inventada
sobre un hombre que viste como un crooner, articulada como el viaje
de regreso de ese músico insomne desde que se vuelve a subir a un
escenario (así entiendo las versiones, como "Cinnamon Girl o los
tímidos aplausos de un público sorprendido que se escuchan al
principio y al final de la bowiniana "I Forgot The Lyrics") hasta
que vuelve a escribir sus propias canciones. Película agridulce,
novela dentro de una novela disfrazada de disco de pop clásico ("A
Balón Parado", "Porque Es Domingo" y, sobre todo, "Vengan Los
Amantes" son tres de las mejores canciones que vamos a escuchar este
años), "Sequentialee" es una obra metalingüistica e inteligente,
llena de claves y secretos, un puzzle incompleto y misterioso. Un
disco inesperado que sirve para reivindicar y replantearse a uno de
los más interesantes personajes de la escena musical de los últimos
diez años. Bienvenido a casa.
Extraños en el
Paraíso "Sin mirar atrás" Mandarina Records 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Músicos de acompañamiento y a la vez teloneros habituales de Amaral,
Javier Pedreira y Manuel Mejía formaron parte de Latino Diablo antes
de debutar en el formato dúo como Extraños en el Paraíso. Su primer
disco con este nombre, "Sin Mirar Atrás" es una obra de rock con
aspiraciones comerciales, un disco donde la estructura rockista que
se deja influenciar por el pop gótico o por el nuevo punk, por la
psicodelia amable y por el funk blanco e incluso por el ya olvidado
Nu-metal. Uniendo referencias más o menos válidas de la música
comercial contemporánea (Radiohead, The Cure, Placebo, Faith No
More) Extraños en el Paraíso dan cuerpo a un repertorio donde se
encuentran hallazgos como el toque nuevaolero de "7 Días", el rock
paranoico de "Rozando El Abismo", la eficacia "Sin Mirar Atrás", la
introspección de "El Espejo" -con ese arreglo a lo Japan-, la
versión de Parálisis Permanente ("Autosuficiencia") o la (esperada)
aparición de Amaral en el reprise de "Sin Mirar Atrás"; un primer
disco que, algo irregular y dubitativo, indeciso a veces sobre el
tono que utilizar, habla de una banda joven y con ganas.
Fat Freddy´s Drop
"Based on a true story" Love Monk 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Banda revelación en Nueva Zelanda -país en el que se han colocado en
el número uno y del que, por desgracia, no nos llegan demasiados
nombres- Fat Freddy´s Drop son una interesante fusión de elementos
de músicas bailables (Dub, Regga, Electrónica), una banda en la que
los argumentos orgánicos se imponen a la fría electrónica,
convirtiéndose en una aviso de por donde puede (y debe) ir la música
bailable del futuro. Disco elegante, sofisticado, "Based On A True
Story" se abre con los siete minutos de dub abstracto de "Ernie"
para ofrecer, a continuación, todo un recital de soul jamaicano
(alguien dijo de Joe Dukie, vocalista de la banda, que era el mejor
cantante vivo de soul) donde los ambientes, la aletargada producción
envuelve unas canciones apacibles, serenas, acaso tristes (la
extraña tristeza de las playas) como la estupenda "Cay´s Crays", la
casi folk "Dark Days", la electrónica cortante de "Flashback" o la
misteriosa "Wandering Eye". Siempre es estimulante descubrir que en
sitios tan lejanos y remotos como Nueva Zelanda, alguien está
haciendo música novedosa, de calidad.
New software "New
Software" Lloria Discis 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
A veces no hay que dejarse guiar por la portada de un disco. Sirva
esto de autocrítica, sobre todo. Al examinar la portada del primer
disco de New Software (negra y con un borroso logotipo alado en la
portada) y su procedencia (Gijón) lo primero que pensé es que se
trataba de una banda de post-rock. Luego leí que entre sus
integrantes se encontraba Xel Pereda, también conocido por formar
parte de Las Esferas Invisibles, la banda de Nacho Vegas. ¿Qué
encontré al escuchar este extraño disco homónimo? Pues un disco de
rock americano tradicional, de folk oscuro, cantado por una de las
más privilegiadas voces que ahora mismo se pueden escuchar en la
música nacional, el para mí desconocido Fredi García. "New Software"
se abre con "Our Own Way", una canción a lo Velvet, que empieza como
una pieza de folk luminoso y que se recrudece, inesperadamente, con
unas guitarras afiladas que, sin embargo, no oscurecen la canción; a
esta maravilla le siguen doce canciones más de folk y rock americano
que lo mismo remiten a los Byrds que a las últimas canciones de Mark
Lanegan, tanto al Johnny Cash de la época American Records como a
los siempre inquietos Wilco. Disco sorprendente, por tanto, reto
para los coinneseurs de la música independiente nacional, "New
Software" debe ser saludado como la más agradable sorpresa de la
recién estrenada temporada. Yo pienso seguirles la pista y, a partir
de ahora, fiarme menos de las portadas.
The Quantic Soul
Orchestra "Pushin on" Love Monk 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
The Quantic Soul Orchestra es la aventura orgánica, viva, llena de
alma (soul) del músico y dj británico Will Holland; una propuesta
que el músico quiere diferenciar claramente de su otro proyecto con
muestras y programaciones, Quantic, a pesar de la similitud de los
nombres. Así, esta orquesta de soul es exactamente eso: una
increíble nómina de músicos, en el que brillan especialmente los
metales, que ponen sus instrumentos al servicio de cierto soul
abrasivo y machacón, de funk nervioso y carnal. Con la destacada
presencia invitada de la vocalista Alice Russell (que canta varios
temas, entre ellos el muy Curtis Mayfield, "Pushin´ On" y la
estupenda revisión del "Feeling Good" de Leslie Bricusse &
Anthony Newley que ya han versionado otros artistas como Muse o más
recientemente el crooner Michael Bublé) y un repertorio escrito casi
en su totalidad por Holland (exceptuando la versión de "Feeling
Good" y otra de "Get Move On") "Pushin On" es un disco de neo soul
con tintes cinematográficos, en el que la música negra tradicional
se deja contaminar por aires cinematográficos europeizantes (esa
"The Conspirador (Main Theme)" que es puro Bond o los suntuosos
arreglos de cuerda de "Paintings And Journeys") y por el descaro
minimalista de la música electrónica ("Hold On Tight"). ¿Es este el
soul del futuro?
VV.AA. "Cómete Madrid"
Madrid" Bcore 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Hace ya bastantes años que BCore se dedica a editar estupendos
discos, no sólo de hardcore, sino de cualquier tipo de música que
pueda aportar algo a la música independiente nacional. Dando un paso
más en esa carrera importantísima de consolidación de su propuesta
de mecenazgo, BCore edita ahora un recopilatorio, "Cómete Madrid"
que reúne a las, según criterios del sello, nuevas propuestas más
interesantes surgidas en la capital de España. Una propuesta que
viene a confirmar la idea de que Madrid se encuentra en un estupendo
estado de forma en lo que a la creación de nuevas bandas se trata.
Hay muchos nombres y, por espacio, es imposible destacarlos a todos.
Diremos, por justicia, que se trata de una selección amplia, libre y
muy diversa, en la que casi todos los estilos en las fronteras del
rock están respresentados. Entre las bandas más interesantes
aparecen algunas con discos ya editados (Rosvita con su inquietante
instrumental "Hoy No He Visto La Luz", la omnipresente Ainara
LeGardon, doss o Nothink) y bandas que aún no tienen disco (el emo
de The Joe K Plan o Margarita, el rock oscuro de Peluze, el
electroclash asesino de Humbert Humbert o el pop aparentemente
ingenuo de Garzón) aunque todas están unidas por la vocación de ser
distintos en una ciudad, Madrid, donde ya nada lo es.
FMM "New Software" CD-Lloria Discos 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
(Lanzamiento, octubre 2005) En un momento en el que componer
canciones y canciones en español, es una agradable sorpresa
encontrarte con gentes que no reniegan de las raíces anglosajonas
del pop y el rock. FMM es una nueva formación creada en Mieres, en
tierras asturianas, meca de buenas bandas. Están lideradosd por
Fredi García, con la compañía de m-úsicos curtidos en la escena
nacional, como Ivan González (bajo) procedente de Deluxe; Pepe
Acebal (batería), de la banda Big Trip. Todos ellos gustan de la
música de los 60/70, con melodías suaves, estribillos inolvidables
y, sobre todo, alta calidad de composición, en la que juegan con
aires psicodélicos y jazzisticos, e incluso con una cierta tendencia
al country. "New software" es el primer trabajo de esta banda, que
ha contado con la ayuda de Lloria Discos para su lanzamiento. Es un
disco que gana con las escuchas, que podría entrar directamente en
las páginas de la historia del mejor pop hispano, aunque esté en
inglés.
Dog Men Poets /
"Birth of the cool" CD 2005 - My Texas Music
Underground funk-hop made in Texas
Por
J. E. Gómez / IndyRock
El funk es descarado, sensual, atractivo. Si le añadimos un poco de
rock, grandes dosis de hip hop y, aires latinos, el cocktel resulta
explosivo. Una banda de San Antonio (Texas) ha logrado un sonido que
puede revolucionar las calles multicolor de las ciudades
fronterizas, a un paso de Mexico. Gog Men Poets, es el resultado de
la unión artística entre Matt Baker (voz, guitarra acústica);
Brouillet (voz y teclados), G-Smiles (Bajo), Ras Christopher
(batería) y OBN (percusión). A caballo entre Molotov, Red Hot Chilli
Peppers, e incluso con recuerdos electrónicos a Prodigy, Dos Men
Poets han creado una música que viaja entre la rabia de las rimas
urbanas, con impecables sonidos de scratch, a melodías retro
enraizadas en el jazz y el soul. Los "poetas", gustan de las
melodías calientes, cadenciosas, caribeñas, para llegar directamente
al corazón latino. Su álbum "Birth of the cool", autoproducido, ha
conseguido la atención de los grandes medios musicales, con una
especial difusión en el sur de Estados Unidos y en Mexico. Cadenas
de radio europeas han descubierto también la música de Dog Men
Poets. Un soplo de aire fresco que "amenaza" con "destrozar" los
escenarios de los grandes festivales europeos. Escuchar en
www.dogmenpoets.com
The 55´s -
Cobra - SL Records - 2005
por
Roberto Martinez - IndyRock
Después de su Ep debut titulado "Before the judge turned us to
shadow" y editado también con SL Record estos chicos escoceses nos
presentan su primer disco mas maduro y definido.
16 temas directos y rápidos (raro es el tema que supera los 3
minutos) nos hacen entender mejor su peculiar forma de ver el
rock.
Voces, coros y guitarras distorsionadas en su justa medida.
Una sección rítmica que no sorprende ni deja de hacerlo ya que es la
conjugación perfecta para las canciones, letras abrasivas que no te
dejaran indiferentes.
Especial atención a "Humdinger" un tema muy directo que podría estar
firmado por cualquier banda grande.
Huyendo de esperimentaciones sonoras y trucos efectivos para crear
hits fáciles de digerir The 55´s te proponen un disco de calidad,
pensado y trabajo en los ya muchos directos por el Reino Unido
y en la ciudad donde les ha visto crecer, Escocia.
También tienen ratos divertidos como "Me oh my" donde sin olvidarse
de la buena música se ríen de ellos mismos.
"Spanish song" es otro de los temas recomendados de este CD. Dada la
cercanía de la banda a nuestro país.
Con tal vez una pronta gira por nuestro pais y una distribución
nacional The 55´s te pueden llevar donde The Vaselines te han podido
dejar.
"Folk song" "Fuck me hard" o "Command and conker" te pueden hacer
una idea por donde respiran estos 55´s.
Bart Davenport -
Maroon Cocoon - Mushroom pillow - 2005
por
Roberto Martinez - IndyRock
Como una vuelta a los años melódicos, con guitarras acústicas y buen
sentido del gusto Bart Davenport nos presenta su nuevo CD.
12 temas, que comienza con una declaración de principios llamada
"Welcome to the Show" donde Bart desnuda a la propia sensibilidad y
la hace suya, maravillando con unos acordes y una melodía vocal
traída directamente de los mejores discos de Simon &
Garfunkel.
Maroon Cocoon es el disco perfecto, ha sido creado y meditado para
que te despiertes un Domingo por la mañana. Poco a poco mientras el
sol llega a su punto mas alto.
Lleno de sensaciones que transmite casi aunque no quieras te llevan
por un mar de sentimientos encontrados sin bajar un ápice la calidad
en ninguno de los cortes.
"Clara" que es el segundo corte es una preciosa canción de amor,
donde Bart nos abre la puerta del romanticismo mas clásico y nos le
encontramos diciendo "I love you Clara"
No será hasta "LA Girls" donde Bart decide subir su amplificador y
pisar el pedal de la distorsión. Y aún asi no nos hará despertar mas
de nuestro sueño, ya que todo lo que hace este hombre esta rodeado
de un estilo cauto y buscado. El mismo ha sido el productor del
disco y le ha dado la tonalidad que ha querido.
Lleno de coros y dobles voces la mayor parte del tiempo de este
disco esta lleno por la voz de Bart y su guitarra. Detalles de otros
instrumentos aparecen en momentos donde la canción lo pide. Pero eso
es, solo lo justo y necesario.
Eso hace un disco totalmente desnudo de súper producciones, honesto,
cuidado y sencillo.
"Sad Machine" es el tema escrito para terminar el disco.
Los temas estrellas son todos los cortes de este disco, porque te
ayuda a entender la simplicidad de este proyecto. De canciones no
excesivamente largas donde lo mas importante es la melodía y el buen
hacer. Un disco que no puede faltar en tu habitación, perfecto para
ser el acompañante de un libro o un café con amigos.
The Futureheads "The
Futureheads" 679 / Warner 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Integrados en la nueva hornada de bandas británicas (en la que los
críticos optimistas y también los obsesionados con las etiquetas,
han querido ver una nueva reencarnación de la New Wave of the New
Wave) The Futureheads reivindican, orgullosos -como buen británico-
el legado de la música de su país con un disco plagado de guiños a
The Jam, Gang Of Four (un grupo mucho más citado que oído, me temo y
cuyo miembro, Andy Gill produce algunas cortes de este disco) o
referentes más cercanos como Blur (de los que Futureheads son
declarados fans) y con el que el cuarteto británico ha reventado
(algunas) listas de éxitos. Disco de after punk, de mod
anfetamínimo, de rock trajeado y nervioso, de punk, "The
Futureheads" contiene un buen número de trallazos breves (quince
canciones más dos remezclas que apenas superan los tres minutos) en
el que verbalizan las (habituales) frustraciones de clase de los
ingleses; en el que, de nuevo, el escapismo es la salida; un
imaginario en el que el rock, el alcohol, las pastillas sirven de
válvula para una generación "tacherizada" por Blair, traicionada por
uno de los suyos (en palabras de Nick Hornby) y que se siente
oprimida, asfixiada y, en último término, aburrida. Con algunos de
los más contundentes trallazos de punk rock que vamos a escuchar
este año (con "Decent Days and Nights" como pieza clave, aunque
también con "Meantime", "Carnaval Kids", "Trying Not To Thing About
Time" y la sorprendente versión de Kate Bush, "Hounds Of Love") "The
Futureheads" es uno de esos discos que, de vez en cuando, vuelve a
situar Inglaterra en el mapa, que nos recuerda que de esa isla gris,
llena de (buenos) bebedores, grandes escritores, enormes museos y
lluvia, suelen salir grandes bandas de rock. Esta es, creo y si el
tiempo no los hace daño como suele, una de las buenas.
VV.AA. "Houston Party 7" Houston Party Records
2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
No suelo hablar de recopilatorios en esta sección. Me cuesta hablar
de antologías -a veces arbitrarias, otras descompensadas, a veces
desastrosas o inútiles- aunque haré, esta vez, una excepción. Y
seré, además, más breve de lo habitual. Si todavía queda alguien por
hay que no tenga en su colección ningún disco de Iron & Wine,
The Postal Service o el maravilloso debut de Lori Meyers este texto
va especialmente dedicado a él. Porque esas tres bandas tienen en
común el sello que aparece detrás de ellas; un mapa el estado de
Texas y un puntito que señala una ciudad al sur, Houston. Con este
recopilatorio (lacónicamente titulado "Houston Party 7") el sello
barcelonés recoge lo mejor de un año plagado de excelentes discos,
al tiempo que adelanta nuevas referencias o antologa rarezas de sus
mejores bandas. Destaco, para no ponerme demasiado espeso, lo mejor
(y añado que si las canciones incluidas en este disco son
estupendas, los discos completos lo son aún más) del disco: la
maravillosa "Interstate 5" que abría el esperado regreso de The
Wedding Present, la, para mí, sorpresa rock del año, Sleater-Kinney,
de las que se incluye "The Fox", la increíble versión de "La Caza"
de Los Brincos, a cargo de Lori Meyers -hoy por hoy la banda con más
futuro del pop independiente nacional-, "Patience", una joya oculta
de Micah P. Hinson, "Jezabel" del tremendo Iron & Wine (de quien
esperamos ansiosos nuevo disco) el conocido "We Will Become
Silhouttes" de The Postal Service (personalmente una de las más
gratas sorpresa de los últimos cinco o seis años), "I Love The Sound
Of My Guitar" de Steve Turner, la crónica polvorienta de "June
Gloom" (o Parker & Lily en plan Steinbeck) y el cierre,
"Passport Radio" de los intenso Broken Social Scene. Me he dejado
canciones, pero no iba a ponerlo tan fácil. Existe la felicidad, en
forma de mapa de Texas con un puntito que señala Houston, una ciudad
al sur del estado.
Panorama "El viaje más largo del mundo" Mushroom
Pillow 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
El indie es un fenómeno de ida y vuelta. Hace no mucho teorizaba
(con motivo de la aparición del primer disco de Amarillo) en este
mismo espacio sobre la supuesta muerte del indie, sobre su vigencia
y sus resultados artísticos y, finalmente, sobre su inevitable
regreso. Bien, la edición de este primer disco de Panorama confirma
lo que ya aventuraba en aquella otra crítica: que la generación
post-indie existe, que ya hay bandas, que están editando discos y
que algunos no están nada mal. Lo cual significa que todos nos
estamos haciendo viejos y que hace ya más de diez años de la
aparición del "Medusa E.P" de Los Planetas y pronto hará diez de
"Una Semana en el Motor de un Autobús", el disco que supuso, por su
contundencia y por su magnitud, el fin del indie. Surgidos de
aquella banda llamada Super 8 (creo que es evidente a cuento de qué
viene toda mi parrafada inicial) Panorama debutan con un disquito
sobre desamores en el que aparecen las influencias justas para hacer
pop luminoso, agridulce (Teenage Fanclub a la cabeza) cuyo sonido,
deliberadamente sencillo (no hay arreglos complicados ni una
instrumentación especialmente compleja) y cuyas canciones,
intrascendentes, amables, algo ingenuas, fabulan sobre relaciones
acabadas, sobre mentiras piadosas; habla de una generación muy
precisa de este país, estudiantes universitarios hace diez años que
ahora sufren en sus trabajos aburridos, salen por la noche, se
drogan de vez en cuando, jamás escuchan Radio 5 y suelen, quizá por
diversión, machacarse por culpa del amor. "El Viaje Más Largo del
Mundo" (quizá ese que conduce al treinta cumpleaños) es, sin duda,
la primera obra madura, metalingüista y reflexiva del post-indie.
Si, eso pienso.
Secret Machines "Now here is nowhere" Reprise /
Warner Music 2005
por
Fernando Navarro -IndyRock
Psicodélicos, excesivos, arriesgados, tremendos, Secret Machines son
una de esas bandas contemporáneas que reivindican el legado de los
Pink Floyd post Syd Barret -algo impensable en según que ámbitos- y
que practican rock ruidoso, grandilocuente basado en largos
desarrollos instrumentales, épica y misterio y textos metafísicos,
existenciales, oscuros. En "Now Here Is Nowhere" (intraducible juego
de palabras), su segundo disco, no se andan por las ramas y ya desde
el arranque (los nueve minutos rítmicamente minimalistas de "First
Wave Intact") dejan claro que este será un disco complicado y
enorme. Entre el sinfonismo rockista del espacio y la neo psicodelia
de Mercury Rev o Flaming Lips (aunque con algo menos de la fantasía
silvestre de los primeros y de colorismo pop de los segundos) "Now
Where Is Nowhere" es un ambicioso y apabullante ejercicio de
retromodernismo, donde las canciones no terminan de sonar
completamente contemporáneas pero tampoco terriblemente demodé;
donde los textos juegan al engaño, al despiste y a la metáfora
confusa y el símil oscurantista; donde la banda -un jovencísimo
trío, a pesar de lo que parezca- demuestra estar en forma y sacarle
el máximo partido al estudio y a los instrumentos. Un disco no
conceptual que suena a superdisco conceptual en el que las mejores
canciones son aquellas donde la enorme contundencia de la propuesta
adquiere tintes de rock deforme y atormentado, como en la muy Led
Zeppelin "Sad And Lonely", en el space rock de "The Leaves Are Gone"
o el tono casi shoegazer de "The Road Leads Where It´s Led", en el
post rock que aparece en "Pharaon´s Daughter" o al final de "Now
Where is Nowhere". Niños mayores del mundo, vuelve el rock
progresivo.
Panorama Neutral
- CD-recopilatorio "Quemasucabeza", discográfica Chile
Distribuye en Europa-Astro discos 2005
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Chile ha dado la sorpresa. Su movimiento musical independiente ha
alcanzado cotas de calidad que les equiparan a los sectores indys de
cualquier país europeo. El sello Quemasucabeza ha decidido lanzar un
CD con 12 temas, y 12 bandas, para mostrar al mundo lo que hacen los
creadores chilenos. Han decidido dar el salto atlántico y lo hacen
con una música que impacta. Desde el folk independiente, con
intimistas de GEPE, que en realidad es Daniel Riveros, baterista de
Taller Dejao. Otra de las bandas, Congelador, lleva ya cuatro discos
a sus espaldas. Están a caballo entre el noise y el pop. "Comenzar
de cero", el tema inclido en "Panorama Neutral", es una
exprimentación perfecta que muestra los caminos del pop
latinoamericano más cercano a los aires británicos. Son dos de los
grupos o creadores que se han unido a otros como Javiera Mena, que
viaja desde Violeta Parra a una música con bases electrónicas;
Mostro, luna banda que apuesta por estructuras instrumentales; Fredi
Michel, una banda de cuatro chicosy una chica muy jóvenes que
plantean sonidos de una intensidad que llega casi al caos y que no
puedes dejar de escuchar. También está Barco, sonidos acústicos muy
personales de Rodrigo Santis (de Congelador). Algo más allá del post
rock llega Dizzlecciko, cargados de sentiminetos y atmósferas
delicadas e íntimas. Nhur continua la apuesta experimental y
postrock de "Panorama Neutral", con esta banda fundamentalmente
indtrumental, en la que destacan los silencios como parte de la
composición. El disco se cierra con Shogun, el proyecto de Cristian
Heyne, un productor metido a músico tecnológico.
Este disco será editado en Europa por la discográfica española Astro
Discos, que a su vez distribuye trabajos de sus artistas en
Latinoamérica a traves de Quenmasucabeza. Además Congelador editará
pronto en España su último trabajo.
Nothink
"BIPOLAR AGE" ALOUD MUSIC 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Como el trastorno bipolar al que puede aludir, al menos remotamente,
el título del disco, Nothink estudian la locura, la paranoia y,
sobre todo, la esquizofrenia en su disco de debut, en esas canciones
algo esquizofrénicas, cambiantes, con giros inesperados, donde nunca
terminan de imponerse el ritmo o la melodía, donde la canción -más
que nunca un ente vivo- cobra forma y decide hacia donde virar, a
que espacio llegar, que contar. Jovencísimo trío madrileño, Nothink
podrían -deberían, aseguraría el cronista perezoso- asociarse a la
corriente del hardcore melódico (si es que tal cosa alguna vez
existió), el llamado emo, aunque para ello haya que sacrificar el
hecho de que sus canciones también ejercitan la musculatura del punk
melódico, o la inquietante contundencia asilvestrada del post-grunge
o, incluso, la libertad de pineros como Ian McKaye o At The Drive
In. Nervioso debut sobre trastornos y anomalías, sobre traumas y
traumatismos, "Bipolar Age" descubre algunas de sus mejores bazas ya
al principio ("Starting Days With The Right Food", "Straight On
Back), aunque es cuando se entra en el disco -la segunda escucha es
más satisfactoria- es cuando se descubren todas ("Mr. Smile", quizá
mi favorita, "The Shelter", "Undirectional Race" o la maravillosa
guitarra acústica protagonista de "The Right Way"). Lo sigo
diciendo: no sé si existe el emo o si es un invento de la prensa o
de las propias bandas, pero toda la música que se le parece está
dando grandes discos al panorama independiente nacional. Eso si se
entiende.
The Tears "HERE COME THE TEARS" V2 RECORDINGS
2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Tras una sonora pelea en medio de la grabación de su mejor disco
como Suede, el excesivo y decadente melodrama erótico "Dog Man Star"
(pelea aireada por la repugnante prensa británica y más propio de un
folletín que de una banda de pop seria) Bernard Butler y Brett
Anderson tiraron cada uno por su lado. Butler comenzó ejerciendo de
guitarrista de lujo en casi cualquier grabación a la que fuese
invitado (aún su rastro puede seguirse en los discos de The Verve,
por ejemplo) para acabar editando un par de decepcionantes discos de
folk rock algo amanerado. Anderson, por su parte, rescató la cara
pop chicle de Suede e intentó, armado con su descomunal ego de
tintes bowiescos, levantar tres discos de Suede con un repertorio
cada vez más mediocre, ahogado de afección y glamour. Ahora, como si
se tratara de una boda en segunda nupcias, vuelven juntos; sin
atreverse, con buen criterio, a resucitar a Suede y cambiando,
primero de nombre (ahora se llaman The Tears) y luego de aires (esto
algo menos).
"Here Come The Tears" conserva de la época Butler de Suede, el poso
dramático de algunas canciones, el exceso casi operístico de otras,
las guitarras -sin duda Butler es un estupendo y personal
guitarrista- mientras que de los Suede de Anderson quedan el gusto
por los cuentos urbanos, por las historias de amor llevadas al
extremo, por el erotismo (homosexual o no) y el amor. Las novedades
son el abierto optimismo, la luminosidad no disimulada; han
desaparecido, si no del todo, si bastante, la afectación vocal de
Anderson y la autodestructiva amargura compositiva de Butler. The
Tears parece (es) una banda de pop que hace buenas canciones,
algunas más trascendentes que otras, que hace un hábil uso de los
recursos instrumentales (las acústicas, los arreglos orquestales
mesurados) para dar forma a un disco de pop sin fisuras ni
demasiados alardes, un disco casi intrascendente (no es engañen,
ahora uso intrascendente de un modo no peyorativo) que esconde
canciones bonitas: "Refugees", "Imperfection", "Two Creatures",
"Lovers" o "Brave New Century" entre mis preferidas. Con eso, para
empezar, ya es suficiente para el debut. Habrá que esperar a ver que
pasa con el segundo. ¿Otro "Dog Man Star"?.
((lo:muêso) "(NEXT:MATERIA)" ALOUD MUSIC 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
(lo:mueso) lo ponen menos difícil de lo que aparenta ese nombre
inconcebible que debe ponerse, advierten en el interior del disco,
en minúsculas y entre paréntesis -como si en minúscula y entre
paréntesis fuera su situación con la actual escena de rock nacional,
me atrevo a decir-. El cuarteto juega en terrenos pantanosos,
peligrosos, muy delicados (esa fina línea que separa el hardcore, el
emo y el post-rock; todas músicas avanzadas e inquietas) y salen
ganadores sin resultar demasiado pedantes o demasiado listillos, el
principal peligro de abordar un discurso arriesgado como el suyo. En
"(Next:Materia)", su segundo disco tras su debut en Cydonia
Records-otro sello que sabe un poco de emo, hardcore y todo eso- han
conseguido un repertorio extraño e inquietante, que llega y emociona
y que, personalmente, parece mucho más convincente cuando es rápido,
atrevido, rockero, ruidoso (como en la genial
"Electrosweetmytochöndria") que cuando calman el discurso, lo
afectan, acercándolo al jazz o al progresivo ("Narcolepter" es, no
obstante, otra de las mejores del disco). Son un coñazo titulando
(el Word no me permite guardar el nombre y hay que hacer
malabarismos para transcribir los títulos de las canciones, así que
no lo haré) pero tienen personalidad, fuerza, carácter y actitud.
Una banda que, títulos, diéresis, paréntesis y minúsculas al margen,
merece bastante atención.
Daniel Powter "DANIEL POWTER" WARNER MUSIC
2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Homónimo debut de este desconocido (al menos para mí) vocalista
norteamericano, "Daniel Powter" da forma a un discurso que parece
mirarse en los clásicos del white soul anglosajón, previo paso por
la carrera de la brillante Norah Jones, quizá la responsable de que
las músicas adultas -voces cristalinas, composiciones de pop inocuas
basadas en armonías del Rn´B y el Soul y producciones exquisitas, en
las que no se descuida ningún detalle- hayan regresado a las listas
de ventas -algunos dirían que jamás las abandonaron- y se encuentren
en un estupendo estado de forma. En este disco encontramos música
bienintencionada, donde el piano eléctrico y los teclados -que toca
el propio Powter- cobran un protagonismo especial, encontramos un
cuidado repertorio que oscila entre las baladas edulcoradas y los
momentos más durillos, aquellos en los que la banda de Powter se
deja lleva y ejercita los músculos y casi, casi hace rock. Con
aspecto a lo Craig David y bonitas baladas para chicas de familia
bien como Elton John, Daniel Powter da un paso adelante en la
carrera hacia el trono de nuevo héroe romántico, con algo menos de
actitud que Robbie Williams -hoy por hoy el rey de toda esa movida-
y algo más de sentido de la mesura que los exiliados de las boy
band. Eso es, para quien esto escribe y firma, Daniel Powter. Puedo
asegurar que para otra gente será mucho más.
Justo Bagüese "BESTIARIO" LA ECLÉCTICA MADRILEÑA
/ V2 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Pionero en la electrónica elegante y de ambientes de fabricación
nacional, de la llamada música chill out -nombre que, a mi juicio,
se le queda pequeño- Justo Bagüeste es uno de los músicos más
inclasificables de la escena independiente española. Tras publicar
discos bajo el nombre de IPD y ejercer de colaborador de lujo de
algunos de los más importantes nombres del rock español (Manta Ray,
Bunbury y más recientemente Iván Ferreiro) Bagüeste regresa con
"Bestiario", editado por el inquieto sello La Ecléctica Madrileña y
distribuido por V2. Articulado como una colección de criaturas
imposibles, de animales monstruosos, de híbridos y mutantes,
"Bestiario" es un disco apasionante, donde las texturas orgánicas se
encuentran definitivamente con los ambientes electrónicos, donde los
instrumentos (guitarras, cítaras, teclados y el omnipresente saxofón
de Bagüeste) ejercen una función muy determinada, como de solista
-equiparando el discurso del disco al del jazz progresivo- y donde
incluso la voz aparece (lo hace, concretamente, en dos ocasiones; la
estupenda "Hienas-Sirenas", con Christina Rosenvinge de invitada y
el manifiesto sonoro de "The Sound Is Acting", con letra inspirada
en el inspirado John Cage más la sorpresa final) para dar forma a un
disco marciano, raro y terriblemente intenso, cuyo hilo argumental
(animales extraños, criaturas, bestias y monstruos) va diluyéndose
poco a poco, hasta la ruidista y sorprendente "Bestias" donde la voz
reaparece para descubrirnos que al final es, el hombre, la más
incomprensible, rara criatura entre todas.
Danny Cohen We're
All Gunna Die Anti-Records (Epitaph) 2005
Por
Joe McGaha - IndyRock
Recibí éste c.d. recientemente desde Epitaph Records, y de verdad me
ha gustado bastante. Hasta ahora, yo no sabía nada de Danny Cohen,
pero después de escuchar su c.d., leí varias crónicas en la red, y
resulta que él lleva muchísimos años tocando (desde los años 60). Es
un amigo de Tom Waits, y se nota lo parecidos que son estos dos
artistas Californianos. Las letras de sus canciónes son buenísimas,
llenas de humor, y de raras ideas mezcladas. Creo que la letra que
más me ha gustado es de la canción Caffeine & Sunlight (cafeína
y luz del sol) en que dice "I recall her words, like backed-up
turds".o sea, "Yo recuerdo sus palabras, como cagadas de respaldo".
Madre mía. ¡Algo que saldría de la boca de un vagabundo de San
Francisco, desde luego!
Este álbum me da el sentimiento de estar dentro de un café en San
Francisco, entre hippies y poetas. Casi se puede oler los
cigarrillos y el café. La música viene y va, casi como una jam.a
veces pienso que no sabían cuando iban a empezar o terminar la
canción, pero seguian adelante, dejando que la canción decida su
propio fin.
Al leer la información sobre éste c.d., descubrí que durante la
grabación de éste c.d., dos de los músicos tenían cáncer (el que
tocó el violín falleció), y era un invierno lleno de lluvia. Se
nota. Hay tristeza en éste elepe, (muchas referencias a la muerte),
pero más que nada, humor. Me gustaría conocer a Danny Cohen algún
día, me parece que ha de haber vivido una vida dura, y
fascinante. Si os gusta Bob Dylan, o Tom Waits, os recomiendo
éste elepe.
Para más información sobre Danny Cohen en la red:
http://www.anti.com/artist.php?id=8
Señor Mostaza
"MUNDO INTERIOR" HALL OF FAME RECORDS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Sorprendente disco de debut de esta banda -surgida de las cenizas de
The Flauters y capitaneada por el compositor Luis Prado- "Mundo
Interior" es, precisamente eso, un viaje al mundo interior del
propio Prado, un lugar insólito en el amplio panorama independiente
nacional. Comedia urbana sobre un perdedor que se pasea por una
ciudad del levante español poniendo verdes a sus ex, enamorándose de
otras chicas, haciendo el vago, escribiendo canciones y machándose
el alma mientras ve películas de Garci en televisión, "Mundo
Interior" es un disco cuyos referentes musicales están más o menos
claros (mucho de los Beatles, Burt Bacharach, Supertramp, los Kinks,
Ben Folds o Randy Newman) pero donde las sorpresas -aparte del
sonido, cuya autoría se debe al genial Carlos Raya, guitarrista de
M-Clan, y también productor de Quique González- se esconden en los
textos. Así, desde la inusual franqueza de "Ahora Comprendo Bien" o
"No Sé Perder" a las divertidísimas "Mundo Interior" o "Momento
Garci", de la tristeza que impregna "Igual" o "Se pasa el día", a
las (muy) ácidas "Lo de ser bohemio" y "America´s Way", las
canciones de Luis Prado no dan un solo respiro; en sus versos se
esconden ideas más que ingeniosas, propuestas originales,
interesantes giros y segundas lecturas.
Maravillosa comedieta amarga sobre el fracaso (ojo al devastador
texto de "Imaginando Que"), puede que, al final del año, "Mundo
Interior" no esté en la lista de los mejores discos y puede que sea
una injusticia (el mundo es así, saben) pero creo que a ellos, igual
que a mí, les importará tres pimientos. Puede que sea mejor
así.
VV.AA. "
Sounds from a
big town" HUDDERSFIELD´S COMMUNITY / TIMELESS MUSIC
PROJECT 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
"Sounds From A Big Town" es una caja de tres cd´s en la que vienen
incluidos -catalogados bajo los nombres de "Urban Hip Hop Chill",
"Guitars" y "Dance"- los más representativos nombres del Tímeles
Music Project, una suerte de concurso-festival que reúne a las más
llamativas propuestas de surgidas en una de las ciudades más grandes
del Reino Unido, Huddersfield. Especie de recopilatorio territorial
(la mayoría de las bandas son de dicha ciudad, excepto dos bandas
francesas de la hermanada Besaçon) en "Sounds From a Big Town" cabe
casi de todo y es difícil abarcarlo. Del primer disco, dedicado a
música llamada "urbana" -hip hop, chill y sucedáneos-, lo mejor pasa
por el eurochill de "Opus One", los aires místico-orientales que
inspiran "Dervish" de Darqawi o sinfónicos de "Maui" de Kava Kava,
el funk de Estoban, los ambientes noir del hip hop de Ko-D-Fy, el
sorprendente soundsystem de "Sinking Sad" o la deconstrucción rapera
de "Just Us" de Awol.
El llamado disco de las guitarras -donde se incluyen las propuestas
de rock y pop- aparecen algunos sugerentes títulos. El revival
grunge de "Saw You In A Dream" de Tug Ether, el arrebato industrial
de "Virus" de Wormachine, el conmovedor post folk de Marek Kubala
(su "Five Leaves" es una de las mejores canciones de este segundo
disco), los guiños a Led Zeppelín y Metallica de "Broken Falling",
especie de baladón heavy como los de antaño, el convincente ska
teñido de punk de Mary Jane o de soul de White Man´s Afro, la
honestidad de "Save Yourself" de Riverside Happy o el "Time And
Place" de Bar The Shouting, entre Echo & The Bunnymen y Nick
Cave.
El tercer disco, algo más críptico, está enteramente dedicado a la
electrónica pura y dura (el dance, el trance o el rave) y es, casi,
una unidad indivisible en la que es difícil extraer algo. Podemos
destacar la contundencia de bmps de Blue Amazon, la experiencia
extrasensorial que propone "Fly Away" de Forbidden Planet y, sobe
todo, la definitiva "The Truth" de Spida Lee, con que se cierra este
completista reparto a la música de una gran ciudad.
Dragon Slayer SED
DE MAL BIG BANG MUSIC, 2005
por
Alberto Fernández Cerdera - IndyRock
Después de cuatro años de silencio, Dragon Slayer vuelven al primer
plano de la escena musical con un nuevo trabajo discográfico en
busca nuevos horizontes musicales de esta banda, que después de su
ópera prima cayó en un periodo de inmovilismo provocado por cambios
en la formación.
Sed de mal, un trabajo musical que ha dejado un poco de lado el hard
rock o rock progresivo con el que habían debutado los de Dragon
Slayer, para dar el paso definitivo y convertirse en un disco
cargado de heavy metal de un corte más clásico, con el que la banda
quiere ofrecer toda una declaración de principios. Sin embargo, Sed
de mal no olvida toda la fuerza que la banda ha tenido desde sus
primeras canciones, dentro del círculo del metal.
Los diez cortes de Sed de mal se convierten en una dosis de rabia
directa ante los que daban a esta banda por desaparecida, porque
Sergio Márquez, Jordi Foraster, Óscar Lecina, Raúl Cabero y Ferrán
Cardona han convertido a Dragon Slayer en una formación sólida que
se ha creado un espacio dentro del metal.
Four ways FROM THE ASHES BIG BANG MUSIC, 2005
El hard rock a la cabeza
por
Alberto Fernández Cerdera - IndyRock
Después de su exitoso disco editado en Europa y Japón, Long Way'02,
los sevillanos Four Ways vuelven a la carga con un nuevo trabajo
discográfico en el que siguen en la misma línea musical, con un hard
rock de lo más potente.
Tras el éxito cosechado en su anterior trabajo y la experiencia
adquirida, Four Ways se lanza de nuevo a la vida discográfica con
From The Ashes, acompañados por el último fichaje de la banda: el
batería J. R. The Doctor y el bajista Germán Piña, que le aportan
una dosis extra de potencia a la banda, sin perder de vista su
sonido y estilo habituales, centrados en los límites del hard
rock.
Con From The Ashes la banda sevillana ha apostado por mantenerse en
la línea que tanto éxito les ha dado, tanto en Europa como en Japón,
a base de unas canciones contundentes en su sonido y melodías
pegadizas, que conforman un disco compacto y muy divertido, creado
para que quien lo escuche disfrute de cada uno de los acordes.
Mr. Rooster ALL THAT NOISE BIG BANG MUSIC, 2005
All That Noise, grabado para el directo
por
Alberto Fernández Cerdera - IndyRock
Cuando un grupo se encarga de buscar su sonido propio da muchos
bandazos antes de alcanzar la meta propuesta. Puede que éste sea el
caso de Mr. Rooster, que tras un tiempo investigando las variantes
del rock, en su último trabajo han conseguido acercarse a la música
que más les gusta y les hace vibrar. Así All That Noise, último
trabajo de Mr. Rooster, nos presenta 11 temas llenos de un hard rock
basado en el sonido del directo, sin maquillaje excesivo, que lo
convierte en un disco fresco y variado, a la vez que un poco crudo
en ocasiones.
Lleno de solos de guitarras y letras que ponen en cuestión la
realidad actual, All That Noise, grabado en La Pecera de Barcelona y
mezclado por Pau Firpo, es un disco sincero, hecho con dos
guitarras, alguna doble voz y pocos adornos más; un disco directo y
para el directo.
Con este último trabajo, Mr. Rooster encuentra un estilo propio en
el que se sienten muy a gusto, a base de ofrecer un hard rock
renovado pensado para divertir
Icebend ACOUSTIC
ARMA 2005
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Tras ganar en París el "International Emergenza Acoustic Showcase
2003", IcebEnd lanza su disco debut, Acoustic Arma. En el
encontramos unos 21 minutos de sensaciones divididas en seis cortes.
Recurrimos al tópico, se nos queda corto. Y es verdad, IcebEnd es
una banda de música hipnótica, de las envolventes, así que, cuando
te estás sumergiendo en sus melodías, ya ha acabado el disco IcebEnd
recrea atmósferas de aire espeso con guitarras saturadas, voces
crudas-directas y toqueteos con el rock sinfónico. En conjunto una
colección de canciones que están llenas de fuerza, pero que con
freno de mano las paraliza. En definitiva las convierte en idóneas
para tocar en directo; en festivales y grandes escenarios, le quitan
este freno, pequeñas salas, se lo dejan puesto. Dos en uno. Por su
carencia, destacan dos temas: Delayed y Brazilia. Esta última
incluida en un disco recopilatorio, Musiques Urbanes.
Martin Peter
"ENOUGH OF THIS?!" ANGORA STEEL 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Martin Peter lo tiene bastante claro. El punk no sólo continúa
siendo legítimo sino que es el único argumento musical posible en
los tiempos actuales. Pero, ojo, al igual que los muñequitos punkies
de la portada de este arrebatador disco, el punk no puede quedarse
en pose estática, en dibujo esquemático, en burla de si mismo. En
Gucci Punk, que dice Peter. Agitador político, provocador, loco o
genio, Martin Peter ha grabado todo un tratado sobre los tiempos
modernos en clave de renovación del punk. Un disco que no deja ni un
momento para respirar en el que el discurso radical del punk se deja
contaminar por el indie, la electrónica o la new wave ochentera.
Así, desde el arranque (con la demoledora "Psychoville") hasta el
cierre con la cínica "In Love", "Enough Of This?¡" es un disco que
no deja indiferente. Que busca (y la mayoría de las veces logra)
incitar al oyente a un nuevo tipo de revolución, de un manera
similar a como lo hacen las novelas de Michel Houllebecq. Cabe de
todo en la batidora punk de Martin Peter, desde el instrumental
"Edimburgo", la protoelectrónica de "Day In The Café", "HoneyMoon" o
"Kill Gucci Punks" y el hardcore asesino de "HateFuckKillWar", lo
más parecido a un manifiesto belicista, beligerante en contra de la
guerra que puede imaginarse a la aparición de Alec Empire en el
indudable single del disco "Bypass", la energía guitarrera a lo
Clash de "Superstar" o el acercamiento al trance en "Biker". El
electroclash se ha hecho punk. El punk se ha hecho política. La
política es guerra. La guerra es buena. Viva la guerra.
Telegrama
"POWER POP!" FLOR Y NATA RECORDS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
No puedo imaginar un momento mejor para recuperar las viejas
grabaciones de una banda mítica como Telegrama que justamente ahora.
Cuando se están repasando, con macabros intereses comerciales, los
espantosos ochenta en España es justo cuando hay que descubrir, de
una vez, que Mecano sólo eran la parte triste del negocio. Que había
bandas en España (Mamá, Ilegales o Golpes Bajos) que hacían
estupendas canciones y cuyo rescate no debe responder a campañas
publicitarias o a musicales andróginos y horteras sino a la
justicia. Telegrama eran de los buenos. Surgidos en Barcelona,
Telegrama (cuarteto formado por Berto, Jose, Juan y Jordi) fueron
uno de los más evidentes pioneros del Power Pop en España, una banda
que gozó de un fugaz éxito y que regresa en este interesante
recopilatorio con el que también regresa el mítico sello mod catalán
Flor Y Nata. En este disco encontramos, además de sus mejores
canciones en estudio ("Cubre Tu Piel", la célebre "Chica del Metro",
"Jugando Sucio" o "Héroe de Papel"), algunas canciones en directo
(destaca la punk "Miedo a la oscuridad" o, de nuevo, la adrenalínica
versión de "Chica del Metro") y una completa pista interactiva, que
incluye algunos mp3. Disco de referencia para nostálgicos y, seguro,
para los que quieran descubrir canciones en español grabadas en los
ochenta que no den, básicamente, vergüenza ajena.
Low Frequency in stereo "TRAVELLING ANTS WHO GOT EATEN
BY MOSKUS" ASTRO DISCOS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Al parecer, según la hoja de promo, este disco que escucho y que
luego reseño es el primer disco en que esta banda se atreve a poner
voz a su música. Antes sólo había instrumentos. No importa mucho
(tampoco hay demasiadas voces), lo que oigo y luego intento
transcribir con palabras, es un disco extraño, de pop atmosférico,
espacial, marciano, en el que las voces siguen siendo anecdóticas
-contribuyen, empero, a crear más extrañeza en algunos momentos-,
con una -notable- influencia de los Pixies (quizá los más grandes en
esto de hacer trizas el discurso pop y transformarlo en algo
completamente nuevo) y, no pocos, puntos de interés. Desde el sonido
(a veces muy contemporáneo, a veces retrofuturista, a veces
maravillosamente anticuado) a las canciones, el primer disco de Low
Frequency in Stereo que llega a nuestro país es un trabajo al que
hay que darle un par de escuchas, llevarlo un día entero en el
walkman, luego volverlo a escuchar en la tranquilidad de la casa y,
finalmente, asimilarlo. Entonces apreciaremos, con más claridad, la
inusual energía de "Hi-Ace", el lo-fi de "Limousine", el post-rock
jazzy de "Element", el funk progresivo de "Travelling Ants Who Got
Eaten By Moskus" o la invernal sinceridad de "Stargazer" y nos
daremos cuenta de que escuchando a esta extraña banda noruega, la
mente (y acaso el cuerpo) son trasladadas a millones de años luz. Y
que eso, sin duda, nos gusta.
Sleater-Kinney "THE WOODS" SUB POP / HOUSTON
PARTY 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Asustan. Yo aviso. Ya desde la estupenda portada, el título ("El
Bosque") y la contundencia de "The Fox", la macabra fábula que abre
el disco, Sleater-Kinney juegan duro. Consideradas por los críticos
más snobs (a los que no voy a discutir, por ahora) la mejor banda de
rock americana, Sleater-Kinney son tres chicas (olvídense del
término riot grrrls; ellas van más lejos) de Olimpia, Washington (me
pregunto, ¿qué tendrán en Washington con las guitarras?) que llevan
ya unos cuantos estupendos discos de rock áspero, pleno de energía,
mala hostia, argumentos. Este "The Woods" es, sin discusión, su
mejor disco hasta la fecha; el más atrevido, el que suena mejor, el
que más tiempo pasará en tu lector de cd. Producido por el
habitualmente cándido, delicado Dave Friedmann -ya saben, el mismo
de Flaming Lips o Mercury Rev- "The Woods" usa todo el espectro y el
legado del rock n´ roll (el blues incluido) para dar forma a una
obra tremenda, robusta, grande, de guitarras que arden y base
rítmica pesada, contundente (puedo citar, hasta hartarme, las
canciones que me gustan del disco; la ya mencionada "The Fox", la
influencia de Patti Smith en "Wilderness", el garage de "What´s Mine
Is Yours -y sólo llevo las tres primeras-, el inesperado optimismo
soleado, casi folk de "Modern Girl", la supervitaminaza
"Entertain".) donde nada queda a la imaginación o a la sugerencia.
En fin. Tres chicas de Washington han grabado uno de los discos rock
del año. Así de claro.
Trivium
ASCENDANCY ROADRUNNER RECORDS 2005
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Con su disco de debut, Ember to inferno, la banda Trivium ya llamó
la atención de los seguidores al metal. Ahora con este Ascendancy
han confirmado, con creces, las espectativas que habían creado.
Ascendancy es un disco maduro en el que mezclan, con maestría el
trash, death, progresivo y hardcore metal. A Trivium lo podíamos
englobar dentro del movimiento que llaman NWOAHM, consistente en
volver al metal bien tocado, clásico pero con elementos
actuales.
Trivium proceden de Florida pero tienen fuertes
influencias del heavy nórdico europeo, como por ejemplo, en temas
como Like Light to the flies, The Deceived o en Diying in your arms.
Esta última es la más melódica de la media docena de temas que
componen este disco. Trivium es una banda madura y que sabe lo
que quiere, conoce su camino y el terreno que pisa, de ahí que hayan
creado este espléndido disco. Esto no llamaría la atención si no
añadiríamos que los componentes de Trivium rondan los 20 añitos. Si
ahora están a este nivel, ¿qué ocurrirá dentro de treinta
años?
Su cantante, Matthew K. Heavy, simultanéa la banda con otra,
Capharnaum, en el que ofrece un lado más salvaje del metal de
Florida.
Stafas POR ARTE DE BIRLI BIRLOQUE PIES 2005
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
No ha tardado mucho Michel Molinera en ofrecernos nuevo
proyecto desde que desaparecieran Canallas. Ahora viene con Stafas y
su disco debut Por arte de birli birloque, en el que sigue con ese
rock chulesco y canallesco. Comparándolo con su anterior banda,
ahora se acerca más al mainstreing musical con melodías más
sencillas, mensajes más suaves y estribillos hipnóticos. La guitarra
juega siempre un papel importante dentro de Stafas y al que Manolo
Arias, productor experimentado, sabe sacarle todo el jugo.
Experiencia también tiene la mayoría de los miembros de la banda ya
que están Anono (Ratio) y Manolo Maestre (Ratones Koloraos),
al que hay que sumarle Javier del Palacio.
El rock chulesco de Stafas lo sacan en las dos versiones que
incluyen: El progreso y El hombre del piano. La primera de Roberto
Carlos y la otra del clásico de Billy Joel que Ana Belén popularizó.
Alejadas ambas de su estilo que sin embargo, no terminan de chirriar
en este Por arte de birli birloque. De entre las suyas, destacan
138.252 € en el que abordan el tema del 11-M, Flores Negras
sobre el maltrato doméstico o Viendo la vida de lado en el que el
desamor juega un papel importante. En definitiva, la frase está
hecha, Stafas no te estafan.
Transfer
JENTES SANTO GRIAL 2005
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Los valencianos Transfer, en su sexto CD, Jentes, siguen a lo suyo:
hacer rock urbano. 12 nuevos temas que nos hablan de la mala vida,
amores perdidos y de como una sociedad, por más que la pinches, no
consigues sacar una gota de sangre. "No permitas que te quiten lo
que más quieres y no dejes que te oculten más la verdad. Destrózales
sus mentiras con tus verdades, y grita pa´ que se enteren que tener
un par de ovarios es dignidad", dicen ellos mismos en la
introducción de Jentes. En definitiva, letras claras y directas para
quien quiera prestar un poco de atención. Música y mensaje directo,
sin artificios, ¿para qué? A veces lo sencillo llega antes. La buena
cara, Soy y En Alas de la libertad son los temas que sobresalen
aunque el disco es bastante compacto, preparado para el
directo. Como fin de fiesta, en Jentes, incluyen un video
sobre su tema La buena vida.
Top Models
"BEAUTIFUL SEÑORITAS" BIP BIP RECORDS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Modélica banda de rock -con ligeras aportaciones de power pop,
blues, garage, surf y folk- Top Models han dado un paso de gigante
con la edición de su segundo disco, este más que convincente
"Beautiful Señoritas". Disco de riffs asesinos, de estribillos
atronadores, de guitarras y actitud, "Beautiful Señoritas es un
disco con aires clásicos renovados, donde Top Models redactan un
credo basado en mala leche, chicas -impagable del diseño del
interior con los maravillosos dibujos de Pol Font- bastantes drogas
y, claro, alcohol. Chicos malos que superan lo mostrado en su disco
de debut (el homónimo, "Top Models") en el que apenas se adivinaba
la fiereza de su propuesta. Aquí tenemos desde convincentes
intentonas de folk rock ("Beautiful Señoritas", con el banjo del
señor Paco Loco, también productor del disco) a arrebatos glam ("My
Burning Light") desde el power pop con reminiscencias mod ("Silla
Girl, Stupid Boy") a jugueteos reggae ("Story Of My Life"); conviven
la contundencia rítmica del maravilloso instrumental "Heroin Chic"
(pura mala ostia) con la pantanosa suciedad de "Wintertime Blues"
-uno de los momentos del disco- atreviéndose, incluso, a grabar una
más que agradable sorpresa para el público rockero y rockista
nacional. Me estoy refiriendo a "En el calor de la noche",
indispensable primer tema en español de la banda y para el que esto
firma, la mejor canción del disco. El rock tiene muchas caras.
Javier Colís y las
malas lenguas "LO ETERNO ES LO QUE MÁS DURA" LA
ECLÉCTICA MADRILEÑA / V2 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Personaje indispensable del underground madrileño, maldito,
divertido, irónico, zorro viejo, Javier Colís lleva ya bastantes
años dando guerra. Primero con sus bandas Vamos a Morir, Demonios
tus Ojos o Mil Dolores Pequeños, luego en solitario. Tras su primer
disco como Javier Colís -el arriesgado "Luna de Agosto", Colís
vuelve con banda propia, Las Malas Lenguas, y con el que puede ser
su disco más equilibrado, el más redondo. Un disco en el que ha
sabido conjugar argumentos sonoros atrevidos, experimentación y
caos, con un discurso algo más pop, más centrado, igualmente
interesante. Usando el concepto crooner como anteriormente lo usó
Corcobado -es decir, torturado y con glamour- Colís ha grabado un
disco sobre el tormento del amor, sobre relaciones sexuales
disfrazadas de amor absoluto, sobre cualquier tipo de exceso
(quedarse en la droga y el alcohol sería simplificar demasiado).
Desde la clarificadora "Esto no es una canción de amor" que abre el
disco hasta la sexualidad de "Petit Mort", el disco de Javier Colís
se va desarrollando casi como una novela existencialista; entre el
calor de las sábanas pegadas a la piel y los vasos de whisky -o
vino, o cerveza o ginebra-; ahí están la ironía de "Dimito" o "Me
dices sí y es no", la amargura sin poses de "Desfilar", el ambiente
cabaretero de "Ven a Jugar", la sencillez de "Tuyo es, mío no" o la
ruidosa "El vendedor" para atestiguar dos cosas indudables: que
Javier Colís es un personaje único e imprescindible en el panorama
independiente nacional y que este, "Lo eterno es lo que más dura" es
su mejor disco.
The Juniper Band "TIME
FOR FLOWERS" SUITESIDE RECORDS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Las guitarras, la voz en la distancia, el ambiente cargado, la
tensión, la violencia de "Cold Bodies", el tema que abre "Time For
Flowers" (segundo disco largo de este joven cuarteto italiano), ya
valen para olfatear las influencias, intuir las posibilidades y,
sobre todo, crear un espacio casi físico en el que se van a
desarrollar las canciones de The Juniper Band. Al acabar, miro la
portada del disco (la figura de un hombre, en traje, con la calavera
visible en lugar del rostro, y un paisaje yermo, de árboles desnudos
tras él) y asimilo, entiendo aún mejor, lo que estos chicos nos
quieren contar con su interesante segundo disco. Con una iconografía
extraída del metal, y argumentos entre el emocore y el rock oscuro
de Mark Lanegan o Queens of the Stone Age, The Juniper Band se
descubre como unos neogóticos desencantados, como unos fatalistas
con guitarras, como unos narradores de amarguras. Así, desde "Cold
Bodies" hasta "Every Hour Wounds" -el tema con que se cierra- "Time
For Flowers" dedica su duración a apesadumbrar al oyente, a
desmoralizarlo y asustarlo (los bajos pesados, la rítmica precisa,
macabra, las guitarras afiladas), a conseguir de él (como Radiohead,
Mercury Rev o los ya mencionados QOTSA) una idea espiritual, casi
religiosa; arriesgada para un segundo disco, pero nunca desdeñable.
Una idea que se resume en una frase con interesantes lecturas: "No
estamos solos". O lo que es lo mismo: "Estamos muy, muy
solos".
MÖNO "ARE
YOU READY?" ROCK ON 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Producido por el omnipresente Paco Loco, "Are You Ready?" es la
ópera prima de este quinteto barcelonés que, como no podía ser de
otra forma -editan en el cada vez más indispensable sello, Rock On,
que también ha puesto en circulación los discos de Ovni o Alison-
tiene gustos y querencias plenamente rockeras. Así, en este primer
disco que suena a primer disco (es fresco, descarado,
desprejuiciado, algo desequilibrado) vale todo: desde riffs
machacados o coros stonianos ("Fuzz") a jugueteos con el
electroclash ("Touch & Feel") o el petardeo disco ("Wild Boy")
desde clarísimas deudas con el rock noir (el ambiente peliculero de
"New York Kiss") al post grunge ruidoso de "Beedi Style", de
perversiones del estilo Kinks ("Foxy Pop People") a, claro está,
psicodelia de nuevo cuño, al estilo Primal Scream ("Asia Fashion",
"MY Paradise", con guiños a U2 y al sonido de The Edge incluidos) y
esto es sólo el principio. Hay de todo en el disco de Möno; les
gustará a los que les gusta el rock, y a los que son modernos, y a
los que les gusta bailar; al resto (ya saben, los quieren entender
de que van las letras, y que les cuenten algo novedoso y todo eso)
pues quizá no les enganche. Pero incluso ni esos podrán negar que
hay mucho cachondeo en el disco de debut de Möno. Y además es en
estéreo.
Susana Cáncer "YONOLOSÉ"
LA ECLÉCTICA MADRILEÑA /V2 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Antiguo componente de las bandas de Javier Corcobado (era la
teclista en Cría Cuervos y en los Chatarreros de Sangre y Fuego)
Susana Cáncer debuta ahora con un primer disco en solitario tras
haber colaborado en cualquier cosa que se le ponía al paso
(cortometrajes, publicidad, teatro, colaboraciones en discos de
amiguetes como Ana D, o el propio Corcobado). "Yonolosé" es un disco
atrevido, muy en la línea del sello que lo edita (la multinacional
indie por antonomasia, V2, que en nuestro país publica discos de
artistas tan inclasificables como Javier Colís, Vacazul, o Cara de
Fuego -con estos últimos incluso tiene el disco algunos puntos en
común), un disco de bossa enferma, de pop íntimo, de canciones
dementes e inusuales. Producido por uno de los músicos más
inteligentes e inquietos del país (Justo Bagüeste) y mezclado por
otro (Gonzalo Lasheras; nombres ambos que podemos leer en los
créditos de otro de los interesantes discos de este año, el debut de
Iván Ferreiro); "Yonolosé" es un disco de canciones de amor (no hay
ninguna de las doce que no lo sea) donde las atmósferas van
dejándonos llevar hasta casi sumirnos en un estado de trance
profundo, intenso y rarísimo. Se abre con "Gasolina de besos" -texto
del imprescindible Javier Corcobado-, sigue con la hipnótica "Volver
a escuchar" (maravillosa canción) y va descubriendo un repertorio
inusual en el pop español (sólo me viene a la cabeza un nombre a la
hora de hablar del disco y es casi seguro que la propia Ana manejaba
ese nombre durante la grabación; a saber, Esclarecidos) que esconde
auténticas perlas (los extraños instrumentales "Cualquier Agosto" y
"Campanas"; la estupenda colaboración con Germán Copini en
"Mata-Hari" o la maravillosa "Juguetes" -vaya texto-) y que se
cierra con una broma, la extraña versión del "Amigo" de Roberto
Carlos -ese hit homoerótico- que en boca de Susana Cáncer produce
más de un escalofrío.
Calí- "L´amour
parfait"2005
Por
Fátima Carmena- Indyrock
La música francesa se abre hueco de un modo asombroso en el panorama
español y a los éxitos de ventas y de crítica como Dominique A o
Cocorosie debemos sumar el de un disco "L´amour parfait", del
cantante y compositor Calí que se va dando a conocer a través del
boca-oido por las radios locales de la geografía. Los mejores
elementos de la Chanson actual, una fuerte base pop y letras
centradas en la complejidad de las relaciones personales configuran
las piedras angulares del disco de Bruno Caliciuri (Calí). Desde
Perpignan llega en solitario con este primer disco publicado en
España por Green Ufos el año pasado, un sello gran conocedor de la
música que revoluciona Francia.
De los más de 10 temas del disco destacan la vitalidad de temas como
"C´est quand le bonheu" dónde los ritmos nos incitan a saltar como
posesos o en canciones dónde la voz de Calí se vuelve más
desgarradora como en "Dolorosa". Pero por otro lado tenemos el más
puro romanticismo de las baladas como en el tema que da nombre al
disco "L´amour parfait", dónde además juega con el sonido que
aportan los instrumentos de cuerda.
Aunque si tenemos que elegir el tema del disco, el que destaca por
encima de los demás es el brillante "Elle m´a dit", dónde de un modo
muy francés (entre el queso y el postre) la chica deja a nuestro
músico porque asegura que "Je crois que je ne t'aime plus", y a
pesar de dejarlo "como un cadáver en el mar", Calí no pierde la
vitalidad, incluso asegura que morir de amor no es propio de mi
edad: "Mourir d'amour n'est plus de mon âge...". Un disco más que
recomendable para todos los amantes del pop y para aquellos a los
que les parece que en Francia se "cuece algo", aunque no tengan
claro que el canon cultural tenga algo que ver.
Play the Game:
Un
tributo a Echo & The Bunnymen Lunar Discos 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Menudo homenaje, que no tributo (tributo es un anglicismo que en
español quiere decir impuesto, gravamen, lo mismo que bizarro quiere
decir valiente, por cierto; y perdón por la corrección lingüística),
le han rendido algunas de las más importantes bandas nacionales a
los británicos Echo & The Bunnymen (están casi todos, desde
Deluxe hasta Lagartija Nick, desde Maga a Love of Lesbian, desde Sr.
Chinarro hasta Schwarz). Sin pararnos ahora a celebrar las
maravillas de la banda de Ian McCulloh, nos centraremos,
simplemente, en hablar de las más conseguidas versiones, sin
cuestionarnos, tampoco, el porqué de tal versión o tal grupo. Así,
entre mis preferidas (esto se acaba resumiendo en una cuestión de
gustos personales) están la calma con que afrontan Edwin Moses su
versión de"Seven Seas", la estupenda mirada, fiel al original pero
no por ello falta de carácter, de Lagartija Nick a "The Cutter"
-para mí, por cierto, la mejor canción de Echo & The Bunnymen,
aparte, claro, de "The Killing Moon", la peor parada del homenaje-,
la oscuridad del "Porcupine" de Maga, ese "Lips Like Sugar" entre
Echobelly y Saint Etienne, que hacen Solina, la honestidad del
siempre genial Sr. Chinarro (su versión de "The Yo-yo Man" es,
quizá, la mejor del disco) o la relectura rara, marciana de
"Nocturnal Me", a cargo de De la Rosa. Un único pero, por poner
alguno y sin acritud: que mal pronuncian en inglés la mayoría de las
bandas españolas. Por eso escriben, cuando lo hacen, tan buenas
canciones en español. ¿No?
Bid "Bambas &
Biritas VOL. 1" SOULCITY / ETHER MUSIC 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
No es poco lo que van a encontrar los amantes de las músicas
bailables y tranquilas en este primer volumen de los productores
brasileños Eduardo Bid y Evaldo Luna. Down tempo brasileño, soul
carioca, sonidos negros y latinos, bossa chill out o funk limpio,
música de atardeceres en Río en un disco repleto de colaboradores
donde los dos productores antes citados, dan rienda suelta a su
gusto por las producciones sedosas, apacibles, lujosas. Desde que se
abre "Bambas & Biritas", con la estupenda "Nao Para" hasta el
cierre con "Terra Vista" -al lado de Cine:landia- todo en el primer
disco de Bid lleva al mismo lugar: la calma de una playa donde jamás
hemos estado (tú lector, no sé; yo jamás he estado en Brasil e
imagino, quizá con algo de suerte, que nunca iré): desde la
virguería scratch de "Na Noite Se Resolve" hasta la pulcritud demodé
de "E Depois", desde la elegancia del Rhodes de "Mandingueira" -con
la voz indispensable de Elza Soares- o el arrebato soul de "Saudades
Da Black Rio" hasta la contundencia hip hop de "Soul Survivor". Ah,
y de regalo dos bonus track sin desperdicio. Brasil en los platos y
en las playas.
Okploide
"MISERIA ESPECTACULAR" WOOLLY BULLY 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Se llaman Okploide -dios sabe lo que querrá significar-. Son
franceses (concretamente de Pau, un remoto pueblecito del país
vecino) pero cantan en español. Son ocho. Les gusta el punk. Desde
los Ramones a Mano Negra, de los Clash, a Rancid y, sobre todo,
bandas como Vodoo Glow Skulls. Este su primer disco, "Miseria
Espectacular" se ha grabado, otra anécdota, en Pamplona, en casa de
Iker Piedrafita, líder de Dikers, que además ha coproducido el
disco. Disco de punk joven, rabioso, concienciado y social,
aderezado por guitarras y metales igualmente rabiosos, "Miseria
Espectacular" es un puzzle juvenil, en el que pueden encontrarse,
sobre todo, viejas consignas y viejos sonidos (curioso, viniendo de
gente tan joven) con títulos tan explícitos como "Secta" (que ataca
a una especie de poder autoritario un tanto abstracto), "Guerra"
(que pide ingenuamente, en español y euskera, el fin de toda
guerra), "Facha" (es obvio contra quien va esta), "Facil Girl" (un
curioso ataque contra el libertinaje sexual o una canción despechada
sobre una ex ligera de cascos) o "Pitufos" (sobre la opresión
policial contra los indefensos jóvenes). Dieciséis cortes en los que
el octeto pide que la gente deje de ir a McDonald´s, acabe la guerra
y los dejen fumar porros en tranquilidad; un disco pequeño titulado
grandilocuentemente "Miseria Espectacular" destinado a los más
pequeños y protestones, para esa gente siempre enfadada con
los Estados Unidos y contra otra gente muy mala. Que hay mucha en el
mundo. ¿O es que no os habíais dado cuenta?
Greg Serrato Live
at The Coach House 2005
Por
Joe McGaha
Siempre es interesante escuchar una grabación de una actuación en
vivo que he atendido, y yo tuve la suerte de atender la actuación de
Greg Serrato en the Coach House (San Juan Capistrano, CA EEUU) el 4
de febrero de 2005 (dicho, que mi banda era una de bandas que
abrieron el show). Yo sabía antes de recibir el c.d. que la
actuación era fantástica, así que yo estaba más preocupado sobre la
calidad del sonido.
El sonido estuvo bien mezclado, y capturó ambos los sonidos
fantásticos de Greg y su banda, y los gritos y aplausos del público.
Greg tuvo una gran actuación de principio hasta el fín, con Alan
Cater y Phil Fistori apoyándole a toda fuerza. Aparte de mis
canciónes favoritas de Greg Serrato (Holy Smokes, y Child of the
Blues), hay algunas raras especialidades en éste c.d., incluso una
versión de Life By The Drop de Stevie Ray Vaughan, y una versión de
Voodoo Child de Jimi Hendrix con la guitarra de Rob Howell (de la
banda Peace Machine) en segunda eléctrica principal. Escuchar este
c.d. de verdad me llevó a aquella noche, y verdaderamente capturó el
sonido de esa actuación. Se puede sentir la muchedumbre, y el
ambiente de una actuación en vivo en éste c.d., y eso es donde Greg
brilla mejor. Éste c.d. salió tan bien, que yo recomendaría que su
paso siguiente sea un DVD en vivo. !Yo lo compraría! Para más
información sobre Greg Serrato en la red (en inglés), visite
a:
http://www.sonicbids.com/GregSerrato
Laihn- Puzzle,
Solzimer Rds. 05
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Laihn con este su debut, Puzzle, se han puesto, para bien o para
mal, en primera línea de batalla musical. Difícil es encontrar ya
compañía discográfica, muchas bandas pocas productoras, pues un paso
adelante autoeditar tu trabajo. Laihn ha optado por autoeditarse
bajo el sello Solzimer Rds.
Por esto ya tenemos al quintento catalán en primera línea,
pero además, un paso y medio más lo dan con su música. Sus
composiciones sonoras transitan por lugares poco habitados. Ponen
pie en la nieve virgen, donde pocos han pisado con fuerza. Encima su
música es natural con un buen desarrollo en la parte musical que
Rafa García desgarra con su potente voz y, por supuesto, hablando de
rock, sus guitarras. Esas guitarras desgarradas y airadas, que en un
momento, se vuelven comedidas, dando fuerza suficiente pero con un
freno de mano que hace no se vuelvan incontrolables. Tienen
argumentos musicales para llegar a más.
Sus temas comienzan tranquilos y van subiendo tanto que te
encuentras, sin esperarlo, en una tormenta llena de matices
musicales. That´s form me y Puzzle quizás sean las canciones más
redondas. Con Distancia, tema que cierra el disco, se extienden a 15
minutos. Sí, a 15 minutos. Eso sí, pasado el minuto cinco se paran
para volver después unos minutos al final. Crees que han acabado y
no es así, siguen ahí.
Puzzle, en definitiva, es un magnífico y valiente debut, en la
producción y por sembrar por donde poca gente transita. Eso es
difícil, porque por poco, pierdes el norte y te pierdes. El quinteto
catalán no lo hace. Contaron en la producción con Jordi (ex-Ktulu).
Su puesta en escena, como sea la mitad del disco, es suficiente para
que sea arrollador, para pasar un buen rato.
Talking Heads
"THE BEST OF" WARNER MUSIC 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
No es fácil resumir la carrera, la vital importancia de Talking
Heads para la música popular en unas pocas (que suelen ser unas
veinte, en Arial 12) líneas, como tampoco es fácil hacerlo en un
disco. Este texto que lees, y el disco del que habla lo pretenden.
Cosas de los recopilatorios y de la crítica musical. Auténtica banda
emblema de la new wave americana, proto punks intelectuales, nerds
convertidos en sensación pop, teloneros de los Ramones, autores de
algunas de las más sorprendentes canciones de la música pop de
finales de los setenta y los ochenta, demasiados listos para el rock
n´ roll. Talking Heads aportaron a la escena punk americana
frescura, originalidad, paranoia, diversión, locura, inteligencia.
Fueron los primeros (junto con uno de sus productores, Brian Eno) en
volver la vista a África y Brasil, grabaron una de los mejores
películas sobre rock de la historia ("Stop Making Sense"), su
vocalista David Byrne, además, dirigió una estupenda cinta, "True
Stories" -a la que, obviamente, la banda puso música- y creó el
influyente sello Luaka Bop; sus textos, a medio camino del
existencialismo americano, la provocación beatnick y la ciencia
ficción paranoica, permanecen como algunas de las mejores letras
escritas nunca para el rock y, por supuesto, tienen excelentes
canciones (muchas de ellas en este disco llamado "The Best Of";
"Psycho Killer", "Take Me To The River", "Heaven", "This Must Be The
Place" "Burning Down The House", "And She Was", "Wild Wild Life").
Aunque si nada de esto les vale, si les da igual lo listos o lo feos
que fueron (aún lo son), si todos estos argumentos -de más o menos
peso- no les consigue convencer, hay algo que si lo hará: "Once In A
Lifetime". Una de las mejores, más atrevidas y desconcertantes
canciones de la historia del rock, una maravilla de cuatro minutos y
veinte segundos, de rítmica extraña, entre africana y cubana, con
unos teclados imposibles y una voz (esa manera de cantar de Byrne)
demente; una emocionante y sobrecogedora reflexión sobre la
alienación del hombre occidental, sobre la imposibilidad de la
felicidad, sobre la libertad y el horror, resumida en una frase tan
terrible como banal: Why isn´t it his beautiful life?.
The Used
"IN LOVE AND DEATH" REPRISE / WARNER 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
A medio camino entre el hardcore melódico, el pseudo industrial, el
neo punk a lo Green Day y el stoner rock, todo bien mezcladito en un
cóctel hipercomercial, The Used son una banda que ha alcanzado
bastante popularidad en USA y que ahora asalta Europa con este
inocuo disco para audiencias jóvenes muevecabezas, "In Love and
Death". Con un imaginario tenebrista, casi gótico, oscurantista, con
más de un punto en común con los dibujos de la célebre "Pink Floyd´s
The Wall", que, por fuerza, consigue atrapar al adolescente perdido,
al marginado y al heavy tempranizo, con corazón rock, el nuevo disco
de The Used, usa la música de guitarras comercial (en una larga
tradición de buscar a los teenagers desencantados a base de
guitarrazos, que arranca con Metallica, pasa por Nirvana y tiene su
más reciente expresión en Marilyn Manson primero y en Linkin Park
después) para dar lugar a un discurso correcto, cuya producción,
demasiado standard, indecisa entre lanzarse al barro o mantener las
formas, lastra un disco con un repertorio igualmente indeciso: se
suceden canciones más o menos impactantes con medios tiempos
dramáticos o con trallazos de pop comercial propio casi de The
Rasmus (de lo primero hay están la contundente "Take It Away", "Let
It Bleed", el punk blandengue y funcional de "Listening" o la
interesante "Yesterday´s Feelings"; de lo segundo, "I Caught
Fire, casi de Avril Lavigne, el sonido acústico -y con cuerdas- de
"All That I´ve Got", con reminiscencias de Simple Plan). Al final
"In Love and Death" no habla tanto del amor y la muerte como promete
su título; más bien habla de "pequeñas muertes" (en delicada
acepción afrancesada referente al climax sexual), de primeros
amores, de cosas pequeñas disfrazadas de tragedia. No me digan que
no es esto último como cualquiera de nosotros recuerda la
adolescencia. Quizá el periodo más oscuro de la vida del
hombre.
The Konki Duet
"IL FAIT TOUT GRIS" LILIPUT RECORDS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Se abre "Il Fait Tout Gris" (primer disco de The Konki Duet, extraño
trío parisino, formado por tres chicas) como se abre un cuento. "Ima
wa mori no naka ni", con su melodía extraña en japonés, con el
sonido del xilófono, con esas voces dulces y superpuestas, suena tan
lejana, tan mágica, que, rápidamente, echo mano al dossier para
saber más de esta banda. La biografía empieza a aclararme cosas y
decido dejar de leer. Prefiero seguir intrigado, prefiero no saber
nada. Con títulos en inglés, francés y japonés, tan sugerentes como
"Slow Sex", "A Sigmund Freud Odissey" o "In The Trees", cada corte
del disco de The Konki Duet parece reservar una sorpresa en su
interior: la inquietante, erotizante abstracción de "Slow Sex", el
atrevimiento casi disco de "Il Fait Tour Gris" -con un violín
desquiciado, tan cercano a la Velvet como a la música barroca-, la
tontería naif de "Melody", la definitiva rareza
psicodélica-barroca-espacial de "A Sigmund Freud Odissey" (viaje
donde se dan cita los sonidos de Cartenbury o los Beach Boys; todas
las músicas enfermas de ácido de los sesenta, cabría decir) o el
lo-fi electrónico de "Le Mariage Dans Le Nuages". Este es un disco
raro, como una adivinanza de Lewis Carroll: morbosamente infantil,
misteriosamente bobo, inquietantemente remoto.
The Go-Betweens
"OCEANS APART" MUSHROOM PILLOW 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Tercera reaparición (o lo que es lo mismo, tercer disco tras un
prolongadísimo silencio) de los australianos The Go-Betweens, una de
las más veteranas bandas del lejano país oceánico y uno de los
principales referentes del pop independiente de los últimos veinte
años. Ahora, tras "The Friendo Of Rachel Worth" y el más reciente
"Liberty Belle and the Black Diamond Express" el dúo formado por
Robert Forster y Grant McLennan regresan con un disco breve,
intenso, aún más pop que los predecesores; una obra luminosa,
positiva, feliz, que esconde algunas maravillosas canciones pop
(cito, por orden: el estupendo single "Here Comes a City", el
atrayente pseudo folk de "Born To a Family" o "Darlinghurst Nights",
el optimismo declarado de "No Reason To Cry", ese engañoso reggae
que es "Lavender" o las simplemente hermosas "The Statue" -mi
favorita junto al single- o "The Mountains Near Dellray") y que
habla de temas aparentemente banales, sencillos, casi
intrascendentes (amor, amistad, lugares físicos y mentales), de
océanos que imaginamos dentro mismo de una habitación, junto a la
amante o solos, completamente solos.
Jeff Mills
"THREE AGES" MK2 MUSIC / DISCOGRAPH 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Atención a este más que curioso experimento. A alguien se le ocurre
unir la visión de la maravillosa "Las 3 Edades" de Buster Keaton
(junto a Griffith y Murnau el más importante cineasta mudo de la
historia y uno de los pioneros del arte moderno) con las alquimias
electrónicas de Jeff Mills, el célebre Dj de Chicago. Y la cosa,
atentos, funciona. De este modo las imágenes cargadas de fuerza de
la cinta de Keaton (la historia es bien sencilla: un hombre persigue
a la misma mujer durante tres épocas de la historia distintas; la
edad de piedra, el tiempo de los romanos y la edad moderna, en este
caso los años veinte), su enfermiza adicción -basada en el montaje
en paralelo de las tres épocas, en la misteriosa fuerza gestual y la
mirada de Keaton o en la propia historia, cargada de un extraño poso
mítico- es sobredimensionada por la música obsesiva de Mills, que
aporta varias maravillas (la igualmente adictiva "Keaton´s Theme",
la rarísima melodía casi orientalizante de "Roman Age" o la mirada
impresionista de "A Day In The Life Of A Day") a la película de
Keaton (que codirigió con Eddie Cline). Propuesta futurista
(Marinetti hubiera celebrado, seguro, el matrimonio entre la
electrónica y el cine mudo), retroprogesiva, "Three Ages" es una
experiencia extraña, única, aún más inteligente que la versión de
Mills de otra cinta muda, "Metropolis" (que llegaba a cargar por lo
obvio), una atrevimiento obligatorio para los que, hastiados del
cine y la música, piensan seriamente en dejar este mundo. Aún quedan
cosas por ver, seguid entre nosotros, perseguid a una mujer a través
del tiempo, sed felices.
"
Gilles Peterson in Africa" ETHER RECORDS 2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Ahora que puede que haya un Papa negro, que mejor momento para echar
un vistazo al gran continente misterioso: África. Gilles Peterson
(conocido Dj de providencial buen gusto, actualmente en la nómina de
la radio estatal británica, Radio 1 y que ya ha acometido excelentes
colecciones de post-rock o de folk funk) nos conduce por un viaje
apasionantes, en uno de los mejores, más completos y personales
recopilatorios de música bailable que pueden encontrarse ahora mismo
en las tiendas. Dividido en dos partes, "The Soul", mucho más jazz,
más funk y "The Spirit", donde las raíces étnicas se encuentran con
la electrónica y el dance de manera mucho más abierta, "Gilles
Peterson in Africa" descubre la vigencia, la maravillosa herencia
musical africana en dos discos apasionantes, de esos que cuesta
apartar del lector de cd. En "The Soul" aparece la rabiosa fuerza de
Manu Dibango, el jazz tribal de Oscar Sulley, el personalísimo
discurso de Fela Kuti, los sonidos funk guarro de Antibalas, esa
especie de Henry Mancini africano que es Mulatu Astatqé o la
impactante, tremendista mirada a lo film noir de Abdullah Ibrahim,
revisitado por Toshio Matsuura. En "The Spirit", por su parte,
sobresalen la energía rítmica de Osborne en "Afrika", el hipnotismo
de Lekan Babakika, la interesante remezcla del "Angola" de Cesaria
Evora a cargo de Carg Craig o esa curiosidad de Thievery Corporation
junto al africano de corazón David Byrne, con título de Carson
McCullers, "The Heart´s A Lonely Hunter", donde la posmodernidad se
encuentra con las raíces últimas de la música: África. Allí, amigos,
nació todo.
It´s Jo and
Danny "BUT WE HAVE THE MUSIC" INTROMÚSICA
2005
por
Fernando Navarro- IndyRock
Punta de lanza del llamado movimiento folktrónico (que unido a
la indietrónica intenta nominar a la unión entre músicas orgánicas,
de guitarras, con estructuras y pasajes electrónicos) europeo, It´s
Jo and Danny son un dúo británico que abandonan el frío Londres y se
instalan en el (aún más frío) Gales, rompiendo su contrato con una
multinacional y dedicándose a organizar festivales y grabar lo que
les venga en gana. Así, libres, contentos, enamorados (son pareja en
la vida real) Jo and Danny han grabado una obra optimista y amable
sobre la vida y la música, o sobre vivir haciendo música. Disco
pensado en una cocina o un salón, doméstico, casero y a la par
sofisticado (de una sofisticación doméstica, terriblemente empática)
en "But We Have The Music" los dos británicos se han rodeado de
algunos estupendos músicos y amigos (gente de bandas tan
recomendables como Spiritualized o Super Furry Animals) para dar
forma a una pequeña joya de cámara. De la psicodelia acústica de "It
Should Have Been Me", al pop luminosísimo de "A.n.d.", de la
divertida "Mean" -con extractos sonoros de un partido
Valencia-Tenerife incluidos- a la delicadeza de "The Sooner", de los
juegos de atmósferas de "Sound Of Barra" a esa pequeña belleza que
es "Summer Rain" así sin detenernos hasta llegar a los temas extras,
conformando un disco para paladares refinados, caseros, exquisitos;
un disco que sirve para dentro y para fuera, para salir bien
vestidos y para estar en pijama. Créanme, no hay muchos discos que
tengan esta extraña virtud.
